Jacobello del Fiore (1370-1439) - L' Archange Saint Michel

Jacobello del Fiore  (1370-1439)
L' Archange Saint Michel
Galleria dell' Accademia,  Venise

Pendant de nombreuses années après sa mort, Jacobello del Fiore n'a pas reçu le mérite que les experts du domaine trouvent approprié aujourd'hui, en tant que l'un des principaux artistes vénitiens de son époque,. Keith Christiansen écrit dans son livre sur Gentile da Fabriano : « Jacobello del Fiore souffre d'un malentendu critique plus grand que tout autre artiste vénitien primitif. Roberto Longhi le jugeait comme une personnalité moindre que Niccolò di Pietro ou Zanino car ses œuvres semblaient profondément liées à la peinture vénitienne plutôt qu'à celle du continent. En fait, Jacobello est le plus grand artiste local de sa génération. »  Des historiens de l'art tels que Daniele Benati ont clarifié le rôle de Jacobello en tant que lien entre le style gothique tardif émergeant des artistes lombardes et la tradition locale du Trecento des peintres vénitiens, rétablissant son rôle important dans l'art vénitien et les styles changeants de l'époque.
Il n'existe aucun portrait connu de Jacobello. Malgré son influence et son importance pour la peinture vénitienne de la Renaissance au début du xve siècle, Jacobello del Fiore ne demeure pas dans les mémoires comme une figure majeure de la Renaissance. Ses peintures sont les sources primaires intégrales pour les historiens de l'art et les chercheurs occasionnels qui veulent comprendre cet artiste.

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Gustave Courbet (1819-1877) (attribué à...) - Etude de nu masculin

 

 

Gustave Courbet (1819-1877) (attribué à...)
Etude de nu masculin, vers 1840.
Collection privée  

Gustave Courbet, est un peintre et sculpteur français, chef de file du courant réaliste. Auteur d'un important corpus de peintures — plus d'un millier d'œuvres —, Courbet est l'un des artistes les plus puissants et les plus complexes du xixe siècle. Dès 1848-1849, ses toiles s'opposent aux critères de l'académisme, à l'idéalisme, aux outrances romantiques ; transgressant la hiérarchie des genres, il provoque le scandale chez ses contemporains, et l'attrait de quelques collectionneurs privés, perturbant les frontières de l'art. Soutenu par quelques critiques, comme Charles Baudelaire et Jules-Antoine Castagnary, son œuvre, qui ne peut être réduite à l'épisode du réalisme pictural, contient en germe la plupart des courants modernistes de la fin de son siècle. Individualiste, revendiquant son autodidactisme et son terroir, Courbet était un amoureux des forces de la nature et des femmes. S'il a mené quelques combats, notamment contre la religiosité, la mauvaise foi et le mépris des paysans et des travailleurs manuels, la fin de sa vie le montre tout entier face aux éléments du paysage. Rarement un peintre avait, de son vivant, essuyé autant d'insultes.
Élu républicain, acteur de la Commune de Paris de 1871, il est accusé d'avoir fait renverser la colonne Vendôme, et condamné à la faire relever à ses propres frais. Exilé en Suisse, il entretient des contacts épistolaires suivis avec sa famille, ses amis parisiens, et continue d'exposer et vendre ses œuvres. Malade, il meurt épuisé, trois ans avant l'amnistie générale, âgé de 58 ans.
Reconsidérée depuis les années 1970, notamment par la critique anglo-saxonne qui lui donne ses premiers véritables biographes, son œuvre vigoureuse et sans compromis, éclairée par l'exploration de ses écrits privés qui révèle un être lucide, subtil et sensible, ne cesse d'entretenir avec notre modernité des rapports intimes, souvent surprenants.
« J'ai étudié, en dehors de tout système et sans parti pris, l'art des anciens et l'art des modernes. Je n'ai pas voulu plus imiter les uns que copier les autres. J'ai voulu tout simplement puiser dans l'entière connaissance de la tradition le sentiment raisonné et indépendant de ma propre individualité. »
— Gustave Courbet, Le Réalisme, 1855
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Leonard Limosin (1505-1575) - Henri d'Albret, Roi de Navarre

Leonard Limosin (1505-1575)
Henri d'Albret (1503–55), Roi de Navarre
Émail peint sur cuivre partiellement doré, 1556, 19,1 x 14,3 cm
The MET

Léonard I Limosin est un peintre, émailleur, dessinateur et graveur français du XVIe siècle.Émailleur et peintre, Léonard est encore arpenteur et dresse à ce titre des « figures de lieux et tenues », conservées aux Archives de la Haute-Vienne. En 1571, il perd son frère et associé Martin Limosin. Il est nommé consul en même temps que l'émailleur Jean III Penicaud. Les derniers émaux de Léonard sont datés de 1574. Ils n'ont pas la valeur des précédents. Ce sont des plaques figurant Catherine de Médicis en Vénus, faisant suite à deux autres figurant Henri III en Jupiter, et Charles IX en Apollon. L'œuvre de Léonard Limosin est considérable. On peut évaluer à 1840 émaux qu'il signe et date entre les années 1532 et 1574. Ce n'est pas seulement leur nombre qui fait la célébrité du peintre, mais leur qualité et leur variété en général. Avec une grande hardiesse et une grande habileté, il use de tous les procédés jusque-là connus dans l'art de l'émailleur; il les unit souvent avec bonheur dans une même composition.
Léonard interprète ces dessins avec une grande liberté, mais dans ses admirables portraits, il s'applique à rendre toute la sincérité naïve des crayons français de l'époque. Par l'ensemble de ses qualités : sûreté du dessin, merveilleuse entente des ressources de l'émail, aisance de l'exécution, activité qui tient du prodige, Léonard Limosin se place en tête des émailleurs de Limoges et même des émailleurs français de la Renaissance.

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John Simpson (1782-1847) - Head of a Man (possibly Ira Frederick Aldridge)

 

 

John Simpson (1782-1847)
Head of a Man (possibly Ira Frederick Aldridge)
Oil on canvas, 1827
Tate, London  

À l' époque où le tableau a été peint, la Grande-Bretagne se demandait s'il fallait abolir l'esclavage dans tout l' Empire ou non. En théorie, la traite des esclaves avait été interdite en 1807 au Royaume Uni, mais l'abolition totale et effective restait encore une question politique non résolue à la fin des années 1820.
Avec cette œuvre mais aussi avec The Captive Slave peint la même année, John Simpson a produit deux peintures au statut emblématique, qui peuventt être considérées aujourd'hui comme ses grands chefs-d'œuvres.

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John Minton (1917-1957) - Portrait

 

John Minton (1917-1957)
Portrait
Private collection

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devint professeur à Londres tout en maintenant une production importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant de problèmes psychologiques, il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.
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Jean-Baptiste Isabey (1767-1855) - Homme assis

Jean-Baptiste Isabey (1767-1855)
Homme assis
Dessin, Février 1789
Collection privée 

« Peintre en miniature » — comme il est simplement gravé sur la tombe du Père-Lachaise où repose également son fils Eugène (1803-1886), le peintre romantique — mais aussi, selon la titulature dont il bénéficie sous le Premier Empire, « peintre dessinateur du cabinet de S.M. l'Empereur, des cérémonies et relations extérieures », Jean-Baptiste Isabey a tenu une place considérable dans la vie artistique et mondaine des années 1800-1850, et cela sous tous les régimes. L'artiste, en vérité, a beaucoup et souvent trop rapidement produit, aux dépens parfois de la qualité. L'Empereur lui-même le lui reprocha, comme le traduit cette note du grand maréchal du palais, Duroc, le 8 août 1807 : « S.M. a été fort mécontente des portraits de M. Isabey [les effigies de Napoléon étaient commandées par séries] et elle désirerait qu'il fasse mieux ou que l'on employât un autre peintre. » Il est vrai qu'Isabey conserva ses privilèges et réussit même à faire augmenter des honoraires, pourtant jugés exorbitants. 

Jean-Baptiste Isabey représente en Europe l'excellence de l’école française de miniaturistes, une renommée acquise notamment par la qualité de ses ivoires peints à la gouache, en règle générale entourés de cadres précieux ou sertis dans des boîtes d’or. Il sut adapter cette technique et abandonner ce support au profit du papier vélin qui lui permit de vaporeux effets de ciel aquarellés. Ses miniatures sont également reproduites par la suite pendant tout le XIX^e siècle en décor de céramique, en gravure et en lithographie par lui-même ou au travers d'ateliers. 

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John Koch (1909-1979) - Morning

John Koch (1909-1979)
Morning
Oil on canvas, 1971
Private collection 

 

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres Koch fut un porte parole aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables trésors. Dans ces tableaux, les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.
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Scultpure Anonyme - Buste d'Achille

 

Sculpture Anonyme
Buste Achille, marbre, 19e siècle
comportant un cartouche " Pirro
Collection Privée (Christie’s)

Achille (eἈχιλλεύς)est un héros légendaire de la guerre de Troie, fils de Pélée, roi de Phthie en Thessalie, et de Thétis, une nymphe marine. Il est fréquemment appelé « Péléide » ou « Éacide », épithètes qui rappellent son ascendance. Sa mère le plonge dans le Styx, l'un des fleuves des Enfers, pour que son corps devienne invulnérable ; son talon, par lequel le tient Thétis, n'y est pas trempé et reste celui d'un mortel, ce qui le mènera plus tard à sa perte. Il est éduqué par le centaure Chiron qui lui apprend les arts de la guerre, la musique et la médecine. Alors qu'il est encore adolescent, il choisit une vie courte, mais glorieuse, plutôt qu'une existence longue mais sans éclat. Caché par sa mère, qui veut l'empêcher de participer à la guerre de Troie, à la cour du roi Lycomède, le jeune homme est découvert par Ulysse et rejoint, avec son ami intime Patrocle, l'expédition grecque. Lors de la dixième année du conflit, une querelle avec Agamemnon le pousse à quitter le combat : c'est la « colère d'Achille » chantée par l’Iliade. Eschyle, dans sa pièce Les Myrmidons, décrit Achille et Patrocle comme amants ; plus tard, Xénophon, dans son dialogue philosophe Le Banquet, donne une version contraire où ils ne sont pas amants. La mort de Patrocle le pousse à reprendre les armes pour affronter Hector, le meilleur des Troyens. Achille trouve la mort peu après l'avoir tué, atteint au talon par une flèche de Pâris guidée par le dieu Apollon. Achille est honoré comme un héros, voire comme un dieu par le monde grec. Beau, valeureux, champion d'une morale orgueilleuse de l'honneur, il incarne « l'idéal moral du parfait chevalier homérique »

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Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait d’Aignan-Thomas Desfriches

 

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)
Portrait d’Aignan-Thomas Desfriches,
Musée des Beaux-Arts d’Orléans

 Parmi les liens que noue Jean-Baptiste Perronneau avec les amateurs, nourris par un même amour de l’art, la longue amitié avec Desfriches (fondateur du musée des Beaux-Arts d'Orléans), tient une place à part et fait souvent d’Orléans, ville de sociabilité raffinée, cultivée et érudite, un centre d’où le portraitiste rayonne tantôt vers Lyon, tantôt vers Bordeaux et l’Espagne, avant de faire d’Amsterdam un port d’attache et de départ vers les villes hanséatiques ou vers Saint-Pétersbourg et Varsovie. Au XVIIIe siècle, la vogue sans précédent du portrait, notamment au pastel, est dominée par deux grandes figures: Maurice Quentin Delatour et Jean-Baptiste Perronneau. Reçu à l’Académie en 1746, Perronneau excelle dans ce genre, sachant donner à ses portraits l’impression qu’ils sont réalisés dans l’instant. Il devient ainsi l’un des peintres favoris du public du Salon du Louvre où sa rivalité avec Delatour va s’afficher pendant plus de vingt ans. Perronneau se rend dans les grandes villes françaises et les capitales étrangères à la rencontre d’une clientèle appartenant aussi bien à la grande aristocratie qu’au monde du négoce ou à celui des arts. Ses portraits illustrent la société d’un monde des Lumières en mouvement.
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Vincenzo Catena (1470-1531) - Portrait d'un jeune homme

Vincenzo Catena (1470-1531)
Portrait d'un jeune homme, 1510
Huile sur panneau de bois, 30,5 x 23,5cm
The National Gallery, London.

 
Vincenzo Catena a été influencé d'abord par Cima da Conegliano, Giovanni Bellini (1506),  Giorgione (1510), Le Titien et Palma il Vecchio sur la fin de sa vie. Le premier document lui faisant référence est le texte figurant au dos de la Laura de Vienne, où il est aussi  cité sous le nom de Vincenzo de Biagio  et où Giorgione, est cité comme cholega de maistro Vincenzo Chatena. En 1530, il est inscrit à la corporation des peintres, dont il semble être l'un des membres influents. En mars 1531, il se rend à Rome et meurt le 29 septembre de la même année.

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Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967) - Portrait du boxeur Bakun

Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967)
Portrait du boxeur Bakun, 1936
Collection privée

Cette toile est l'un des rare peintures figuratives de Lebedev, exécutée dans le style du réalisme soviétique cher au pouvoir d'alors.  Elle n'est en rien représentative de son œuvre beaucoup plus affilié a l'avant garde  cubiste et constructiviste.... C'est en cela d'ailleurs qu'elle est intéressante...


Vladimir Vasilyevich Lebedev  (Влади́мир Васи́льевич е́бедев)  a commencé sa carrière à  l'age de 14 ans en peignant des cartes postales vendues dans une boutique de Saint-Pétersbourg. Sa première exposition à l'Académie des Beaux-Arts a eu lieu cinq ans plus tard.  En 1913, il commence à travailler comme caricaturiste politique pour plusieurs journaux satiriques, dont le célèbre Satirikon (Сатирикон). À ce moment-là, il était déjà un illustrateur prolifique pour les magazines pour enfants Jackdaw ( Галчонок ), Le Journal  Bleu (Синий Журнал), Le Jounnal de Tout le Monde (Журнал для всех) et Argus (Аргус) et, en 1917, il avait également illustré le livre pour enfants Le Lion et le Taureau.
Entre  1920 et 1922, quelques années seulement après la Révolution, Lebedev a été embauché pour créer plus de 500 affiches, ou pancartes, pour l'Agence télégraphique russe ( ROSTA ) et le Département de l'Agitation et de la  Propagande (Agitprop ). Le but dans les deux cas était de promouvoir la solidarité de la classe ouvrière.  Étant donné que les journaux et l'alphabétisation étaient limités, les affiches étaient stratégiquement affichées dans des vitrines vides - connues sous le nom de fenêtres ROSTA - qui fonctionnaient comme une forme grossière de communication de masse.  Les affiches de Lebedev se distinguaient par leur imagerie austère et simplifiée : une seule figure, aux couleurs vives, construite à partir de formes géométriques épargnées et engagée dans divers types de travail.
Dans les années 1910 et 1920, il côtoyait bon nombre des personnalités les plus influentes du mouvement artistique d' avant-garde soviétique radical, parmi lesquelles le constructiviste Vladimir Tatline  le cubo-futuriste Ivan Puni, le suprématiste Kazimir Malevitch  le futuriste Vladimir Maïakovski et l' acméiste et formaliste littéraire. critique Nikolaï Pounine. Au milieu des années 1920, il s'associe au poète Samuil Marshak pour créer à la fois des livres d'images et des « livres de production » politiquement conscients. Cette dernière forme, unique à l'Union soviétique, racontait des histoires qui enseignaient aux enfants « le monde des travailleurs et comment les choses sont faites ». Vladimir Vasilyevich Lebedev faisait lui même  partie intégrante de l' avant-garde russe : peintre, un caricaturiste politique et  affichiste, avec un style expérimental influencé par l'art populaire russe, le lubki, le futurisme, le  constructivisme, le suprématisme,  le productionnisme et le cubisme. Pionnier dans le domaine de l'illustration pour enfants, il reconnaîtra plus tard son rôle dans l'invention d'un nouveau style d'illustration.

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Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784) - Nu debout

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784)
Nu debout
Sanguine
Minneapolis Institute of Arts

Fils de deux graveurs, Nicolas-Bernard Lépicié étudie la gravure avec son père avant d’être forcé de quitter cet art, à cause de la faiblesse de sa vue, et de se tourner, vers 1751, vers la peinture qu’il étudie sous la direction de Carle van Loo. Ayant obtenu, en 1759, le deuxième prix du prix de Rome, il reste néanmoins en France. Agréé par l’Académie royale en 1764, avec La Descente de Guillaume le conquérant en Angleterre (Caen, abbaye aux Hommes),  Reçu membre de l’Académie et peintre du roi avec Achille et le Centaure en 1769, il devient professeur-adjoint en 1770, puis professeur en 1779. Souvent comparée à celle de Chardin et de Greuze,  la peinture de Lépicié a connu une grande vogue au 18e siècle. À partir des années 1760, tout en continuant à peindre des sujets d’histoire, il se met à peindre des scènes de genre intimiste dans le style flamand qui rappellent Teniers le vieux et Ter Borch. Dans les dernières années de sa vie, il se retire souvent à la campagne où il peint des scènes rustiques à la suite d’une crise religieuse qui l’amènera à modifier ou à supprimer certaines de ses œuvres contraires à sa nouvelle sensibilité. Tuberculeux, il meurt avant sa cinquantième année, loué pour sa piété au moins autant que pour ses talents.  

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Jean Jacoby (1891-1936) - Rugby, 1928

Jean Jacoby (1891-1936)
Rugby, 1928
Collection privée

Jean Lucien Nicolas Jacoby est un artiste luxembourgeois. A une époque ou l'art faisait partie des disciplines qui concourrait aux Jeux Olympique, il remporta deux médailles d'or olympiques aux compétitions artistiques aux Jeux olympiques en 1924 pour sa peinture Étude de sport et une autre en 1928 pour son dessin Rugby. Cela fait de lui l'artiste olympique le plus titré de tous les temps.
Jacoby a souvent représenté le sport dans ses œuvres, par exemple dans le cadre des timbres-poste luxembourgeois pour les Jeux olympiques d'été de 1952.
Après avoir passé sa jeunesse à Molsheim en Alsace, Jean Jacoby étudie l'art à l'École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg.  Il fut ensuite professeur de dessin de 1912 à 1918 à l'école Lewin-Funcke de Berlin, puis travailla à Wiesbaden, avant de reprendre le département d'art d'une imprimerie à Strasbourg.
Il est devenu internationalement connu quand, en 1923, il a remporté le Concours français de l'Auto avec son dessin Hurdle runner, battant 4 000 autres participants. De 1926 à 1934, il travaille comme illustrateur et directeur artistique pour deux journaux de l'Ullstein-Verlag, le Berliner Illustrierte et le Grüne Post. Il a également fondé un guide des programmes de radio pour toute l'Allemagne, appelé Sieben Tage.
En 1934, il s'installe à Mulhouse, où il meurt en 1936 d'une crise cardiaque.
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Robert Campin (1378/9 - 1444) - Portrait d'une homme, 1430/5

Robert Campin (1378/9 - 1444)
Portrait d'une homme, 1430/5
Huile sur bois,  40.7x28.1 cm
National Gallery, London

Il semblerait que l'on puisse aujourd'hui assimilé l'identité de Robert àc elle d'une autre peintre connu sous le nom de "Maître de Flémalle". Il fut, avec van Eyck, le créateur du style réaliste dans la peinture à l'huile aux Pays-Bas au début du XVe siècle. Son influence s'est trouvée largement répandue par son prodigieux élève Rogier van der Weyden. Campin fut actif à Tournai à partir de 1406.
Au début du XVe siècle, les Pays-Bas appartenaient au duché de Bourgogne. Le détail réaliste de l'œuvre de Campin s'accompagne d'une certaine pesanteur et d'une grande sévérité d'expression des visages qui sont assez typiques de la sculpture bourguignonne de cette époque. C'est très visible lorsqu'on la met en parallèle avec le travail des artistes florentins de la première Renaissance. La qualité du trait et de  la peinture cependant reste exceptionnelle. 

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Anne-Louis Girodet de Roussy Trioson dit Girodet (1767-1824) - Etude de profil

Anne-Louis Girodet de Roussy Trioson dit Girodet (1767-1824)
Etude de profil
Huile sur toile,
Collection privée 

 

 

Bien qu'ayant commencé comme un fidèle disciple de son maître Jacques-Louis David, Girodet s'efforce ensuite de développer un style personnel, jouant avec les effets de lumière. À la peinture d'Histoire, il préfère une sorte de symbolisme éthéré. Dramatisant à l'excès ses sujets, il excelle dans la pose et le travail de la lumière. Il bouscule les codes de la sensibilité en les transposant dans les scènes religieuses. Lors de son séjour de cinq ans en Italie, Girodet se démarque de la gravité et de la retenue de David et envoie au Salon en guise d'académie imposée, Le Sommeil d'Endymion (Musée du Louvre) dont le caractère onirique et étrange est considéré comme une des premières manifestations du romantisme. Ses tableaux plurent aux romantiques par les sentiments exaltés qu'il y représentait. Honoré de Balzac en fait l'éloge dans Sarrasine (1831) qui était par ailleurs un grand admirateur de Girodet, le cite encore dans La Bourse et La Maison du chat qui pelote. Il excelle dans la vérité des portraits, parfois allégoriques (Jean-Baptiste Belley, Mademoiselle Lange en Danaé), souvent intimes — le fils de son père adoptif a été peint à trois époques : jeune enfant, préadolescent et adolescent —, il sait révéler l'âme de ses personnages comme dans son célèbre Portrait de Chateaubriand (Saint-Malo, musée d’Histoire de la Ville et du Pays Malouin). Un de ses portraits, Mademoiselle Lange en Danaé (1799), fait scandale à cause de ses allusions sexuelles satiriques. Cette anecdote, où Girodet se venge de la célèbre Merveilleuse Mademoiselle Lange de n'avoir pas apprécié un premier portrait d'elle, illustre bien le caractère irascible et incontrôlable de ce peintre. Il réalisa des décors peints pour les demeures de Napoléon, premier consul puis empereur, et participa à la représentation de l'épopée napoléonienne. Sa peinture d'histoire s'arrange souvent avec les faits pour leur donner une dimension métaphysique ou esthétique : dans sa Révolte du Caire, il peint plusieurs belligérants n'ayant jamais participé à l'événement. Dans la Légende napoléonienne, l’Apothéose des Héros français morts pour la patrie pendant la guerre de la Liberté (1802) représente le barde Ossian accueillant au paradis les généraux Desaix, Kléber, Marceau, Hoche et Championnet. Cette toile ne cesse d’étonner par son côté novateur annonçant le premier romantisme. Girodet a aussi illustré des livres, notamment des éditions de Jean Racine et de Virgile. Le graveur Barthélemy Joseph Fulcran Roger réalisa plusieurs gravures en taille-douce des illustrations de Girodet, notamment d'un portrait de Constance de Salm.

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Willem van der Vliet (1584-1642) - Un érudit entouré de figures avec masques 1627, aussi appelé " Allégorie" (détail et integralité)

Willem van der Vliet (1584-1642),
Un érudit  entouré de figures avec masques 1627, aussi appelé " Allégorie"
Huile sur toile 112 cm x149 cm
Collection privée ( Sotheby's)

1 Détail 

2. Tableau entier

Cette scène énigmatique, dont un autre détail a déjà été publié ans ce blog il y a deux ans, a échappé à l'interprétation pendant près de quatre siècles. Les théories sur son interprétation divisent encore les observateurs. Le tableau complet représente une pièce remplie de personnages.  Un homme barbu et âgé est assis à un bureau chargé de livres, en conversation avec une femme qui se tient à côté de lui et qui semble avoir retiré un masque qu'elle tient de deux doigts posés à travers l'emplacement des yeux Derrière l'homme âgé, un jeune individu, peut-être une femme d'ailleurs, tient un masque au-dessus de la tête de l'homme tout en souriant au spectateur. Le masque arbore une moustache rouge et une petite barbe, peut-être une version plus jeune de l'homme assis (détail déjà publié). Au loin, une silhouette en turban dont le masque porte une longue barbe noire regarde le spectateur. À l'extrême droite, un autre homme masqué (c'est le détail publié aujorud'hui) tien tun flacon enveloppé dans un tissu sous son bras et un livre ou un sac à main dans son autre main regarde dans le vague. La signification exacte qui se cache derrière cette oeuvre de ravail de Vliet est toujours inconnue, à ce jour et il n'est même pas certain que la scène soit conçue comme une allégorie.
Si l'on s'en tient à une interprétation littérale de ce que l'on voit, il pourrait aussi simplement s'agir d'une peinture de genre représentant un dramaturge parlant à une troupe d'acteurs et d'actrices, les conseillant sur leurs rôles.

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Francesco Salviati (1510–1563) - Portrait de Carlo Rimbotti

Francesco Salviati (1510–1563)
Portrait de Carlo Rimbotti, c.1548.
Huile sur panneau de bois, 52,5 x 41,2 cm.
The Metropolitan Museum of Art

Selon l'analyse du MET, Salviati a peint le médecin florentin Carlo Rimbotti alors que les deux hommes appartenaient à la même société littéraire, l'Accademia Fiorentina. La qualité de la présence suggère du modèle qu'il s'agissait d'un portrait non officiel fait pour un ami. L'observation précise - notez les grains de beauté sur le front et le front de Rimbotti - contraste avec la formalité et l'artifice du portrait de Bronzino accroché à proximité ua MET . Au contraire de Bronzino. Salviati tente toujours d'encourager le spectateur à se rapprocher de son modèle .

Vasari considérait Salviati comme l'une des rares personnalités artistiques polyvalentes parmi les maniéristes. Devenu célèbre comme peintre, il était aussi un grand dessinateur ; il créa également des modèles pour des œuvres relevant d'autres techniques : gravures, médailles et emblèmes, cartons de tapisseries destinés à de somptueuses tentures."

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Alphonse Legros (1837-1911) - Tête d'homme regardant vers le haut

Alphonse Legros (1837-1911)
Tête d'homme regardant vers le haut, c.1890.
Pointe d'argent sur papier préparé
Collection privée 

 Alphonse Legros, est un peintre, graveur, sculpteur et médailleur français naturalisé britannique. Quasiment inconnu en France de nos jours, il fut pourtant assez célèbre de son vivant surtout auprès des peintres français pour son perfectionnisme et son académisme intransigeant.
Poussé par Whistler, il s'installe à Londres en 1863 où il obtient d'abord un poste de professeur de gravure à la South Kensington School of Art avant d'être appelé au University College de Londres où, de 1876 à 1892, il est un maître dévoué à son enseignement et à ses élèves, approfondissant l'étude des artistes anciens comme Holbein, Rubens ou les dessinateurs italiens de la Renaissance. De fait, son influence sur les dessinateurs britanniques de la fin du siècle est importante et durable, il participe au regain d'intérêt de l'époque pour la gravure, et est l'un de ceux qui remettent à l'honneur la pointe d'argent, une technique alors tombée en désuétude.
En 1880, il est membre fondateur de la Royal Society of Painter-Printmakers. Sans être parfaitement anglophone, mais reconnu par l’establishment, il obtient la nationalité britannique en 1881 et poursuit sa création en Angleterre, surtout dans le domaine de la gravure (eaux-fortes et médaillons), sans abandonner cependant ses liens avec la France : en 1862, il est membre fondateur de la Société des aquafortistes cofondée par Alfred Cadart à Paris, avec lequel il restera en lien.

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Frans Floris (1519-1570) - Tête d'homme casqué (Mars?)

Frans Floris (1519-1570)
Tête d'homme casqué (Mars? )
Huile sur panneau
Collection privée (Christie’s Oct. 2019)

Audacieux, vif et résolu, il comprit qu’il serait facile de gagner sa vie et d’acquérir un nom en dessinant pour les graveurs et en peignant à grande échelle à la manière de Vasari. Il ouvre rapidement une école de laquelle, dit-on, sortirent 120 disciples
Il a été surnommé par ses compatriotes « le Raphaël flamand ». Peu de ses travaux parvinrent jusqu'à nous, en partie parce qu'ils ont été condamnés à cause de leurs défauts, en partie parce qu'ils furent bientôt dépassés par les nouvelles normes qui allaient bientôt surgir.
Frans Floris peint de grandes peintures pour les maisons de campagne de nobles Espagnols et pour les villas de patriciens d'Anvers. Il est connu pour avoir illustré la fable d'Hercule en dix compositions et les arts libéraux en sept, pour Claes Jongeling, un marchand d'Anvers, et il orna le palais de Beaumont de Philippe de Croÿ, duc d’Arschot, de quatorze panneaux colossaux. Il jouit de l'estime de Charles Quint et de Philippe II d'Espagne, et amasse par son talent une grande fortune. La plus ancienne toile connue de Floris est le Mars et Venus pris au collet par Vulcain au musée de Berlin (1547), le dernier un Jugement dernier (1566) est à Bruxelles.

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Johannes Grützke (1937-2017) - Monument, 1977

 

 

Johannes Grützke (1937-2017)
Monument, 1977

Collection privée

Johannes Michael Wilhelm Grützke, né le 30 septembre 1937 à Berlin, mort le 17 mai 2017, dans la même ville, est un peintre, dessinateur, graphiste et scénographe allemand.
Sa peinture évoque, dans un style figuratif, l’hyperréalisme et le cinéma, utilisant comme l’art cinématographique des cadrages en contre-plongée ou en gros plan qui, quelquefois, attirent l’œil du côté du faux-semblant. Les représentations des personnages sont souvent ironiquement exagérées. 

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James Ensor (1860-1949) - Autoportrait avec un chapeau fleuri

James Ensor (1860-1949),
Autoportrait avec un chapeau fleuri
Huile sur toile, 50 x 70 cm,
Royal Academy of Arts, London, UK

Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
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Antonio Mancini (1852 -1930) - Autoportrait 1878

Antonio Mancini (1852 -1930)
Autoportrait, 1878
Philadelphia Museum of Art

Antonio Mancini est un peintre italien rattaché au mouvement pictural des Macchiaioli.  Sa précocité et son habilité artistique lui permettent d'être admis à l'âge de douze ans à l'Académie des beaux-arts de Naples, où il est l'élève de Domenico Morelli, de Stanislao Lista et de Filippo Palizzi. Il se consacre au portrait et à la peinture de genre anecdotique. Son art s'identifie avec le courant du vérisme.
Pendant son séjour parisien, il fait la connaissance des impressionnistes Edgar Degas et Édouard Manet. Il devient aussi l'ami de John Singer Sargent qui le considère comme le meilleur peintre vivant.
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Johann Friedrich Overbeck (1789-1869) - Portrait du peintre Franz Pforr

Johann Friedrich Overbeck  (1789-1869)
Portrait du peintre Franz Pforr, 1810
Huile sur toile  62 x 47cm
Alte Nationalgalerie, Berlin

Johann Friedrich Overbeck est un peintre allemand. Issu d'une famille de Lübeck où ses ancêtres, durant trois générations, ont été pasteurs protestants,  il suit une scolarité classique et une formation d'initiation à l'art dans un établissement situé près du manoir familial, dans la Konigstraße, où son oncle, docteur en théologie et auteur prolifique, enseigne. En 1810, il fuit litteralement l'Allemagne et s'installe à Rome  dans l'ancien couvent franciscain désaffecté de San Isidoro où la Confrérie de saint Luc  qu'il a fondé aàVienne vit en communauté ; il demeure dans cette ville durant 59 ans, y travaille activement en compagnie d'autres peintres, Peter von Cornelius, Carl Sieg, Friedrich Wilhelm von Schadow et Philipp Veit, qui l'ont rejoint, fondateurs avec lui de la Künstlerhilfskasse et du Mouvement nazaréen. Leurs préceptes sont une vie d'ascète, un travail dur et honnête : ils évitent l'antiquité car païenne, la Renaissance car fausse et promeuvent la redécouverte de Le Pérugin, Pinturicchio, Francesco Francia et Raphaël jeune. De ces principes découlent les caractéristiques d'un style qui vise à la représentation d'une idée noble et transcendante, à travers des contours précis, des compositions scolastiques, avec l'emploi modéré du clair-obscur et de la couleur dans le seul but de souligner le thème du motif. Plus tard, Barthold Georg Niebuhr, Karl Wilhelm Friedrich Schlegel rejoignent également le Mouvement nazaréen. En 1813, Overbeck se convertit au catholicisme et, pratiquement en même temps, lui et son mouvement acquièrent une notoriété ; ils sont appelés nazaréens, artistes romains allemands, peintres romantiques de l'Église, peintres religieux et patriotiques allemands.

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Franz von Matsch (1861-1942) - Portrait d'un Africain

Franz von Matsch (1861-1942)
Portrait d'un Africain
Huile sur toile, 65.4 x 53.3 cm.
Collection  privée (Sotheby's)

Franz von Matsch a rencontré les frères Gustav et Ernst Klimt pendant leurs études à la Kunstgewerbeschule de Vienne. Le trio partage un studio et, en 1880, lance une entreprise, la Künstler Compagnie, qui est parfaitement positionnée pour répondre au boom économique de la ville et à l'essor de la construction de bâtiments. Les artistes  commencent  dès lors à recevoir des commandes pour la décoration de grandes résidences privées telles que la Villa Hermès, qu'ils ont décorée avec des scènes du Songe d'une nuit d'été de Shakespeare (1884-1884), et des espaces publics, comme le Burgtheater et ses fresques sur  l'Histoire.du théâtre (1886) ou encore le Kunsthistorisches Museum, avec quarante peintures illustrant l'Histoire de l'art de l'Egypte ancienne à la Renaissance (1890-1890). Alors que ces commandes ont établi la réputation des artistes et leur ont valu des distinctions, en 1894, Matsch décide de quitter l'atelier en partie à cause du désintérêt croissant de Gustav Klimt pour la peinture académique et se tourne vers l'enseignement à la Kunstgewerbeschule (École des arts et métiers de Vienne).
Ce portrait  assez énigmatique s'aligne sur le travail audacieux et brillant de Matsch toujours exposé au Burgtheater et aux musées de Vienne. Bien que l'on ne sache  pas exactement quand il a été peint,  il attire l'œil du spectateur et oblige à une étude plus approfondie du style de l' artiste.
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Jean-François Raffaëlli (1850-1924) - Chez le fondeur, 1886

 

 
Jean-François Raffaëlli (1850-1924)
Chez le fondeur, 1886
Huile sur toile, 1,68 x1,58 m
Musée des Beaux-Arts de Lyon

La scène représente le fondeur Eugène Gonon (à gauche) dirigeant les préparatifs de la fonte en bronze du haut-relief Mirabeau répondant à Dreux-Brézé de Jules Dalou, dont le plâtre avait été exposé au Salon de 1883. Le bronze se trouve maintenant au Palais Bourbon à Paris.
Jean-François Raffaëlli est un peintre, sculpteur et graveur français. Peintre naturaliste, il cherche surtout à évoquer dans ses toiles et ses dessins des scènes de la banlieue parisienne, des intérieurs et des portraits souvent dramatiques. On lui doit également des gravures de sites parisiens : Notre-Dame, les Invalides et des illustrations des écrits de Joris-Karl Huysmans. Il est associé au mouvement impressionniste.

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J. Carroll Beckwith (1852-1917) - Portrait of John Leslie Breck, 1891

James Carroll Beckwith (1852-1917)
Portrait of John Leslie Breck, 1891
Oil on canvas, 33.7 x 43.8.
National Gallery, Washington DC (Margaret & Raymond Horowitz Collection)

James Carroll Beckwith étudie son art à la National Academy of Design de New York, dont il devient par la suite l'un des membres, puis à Paris (1873-1878) sous la direction d'Adolphe Yvon et Carolus Duran.
Carolus-Duran recevait ses élèves de manière régulière le mardi et le vendredi. L'enseignement était gratuit, hors une participation au chauffage de l'atelier et à la location des modèles. Carolus-Duran adhèrait  à la maxime : « Exprimer le maximum avec le minimum de moyens ». Selon lui, "un portrait devait être réalisé à partir d'une ébauche, directement sur la toile, sans dessin préparatoire. Les cinq ou six surfaces principales du visage devaient être posées d'abord, sans être fusionnées, et les détails construits à même la toile. L'attention devait porter sur les effets de lumière à la surface plutôt qu'à une construction de masses et de volumes".  C'est ce que l'on retrouve dans ce portait deu peintre impressionniste  Breck par Beckwitt, l'un des élèves les plus doués de Carolus Duran. C 'était une vision de la peinture déjà totalement opposée aux règles académiques alors en vigueur.
De retour aux États-Unis, Beckwirr s'impose rapidement comme un peintre moderne majeur et l'un des grands précurseurs du mouvement impressionniste américain.  Il prend une part importante dans la création de la Fine Arts Society, et devient président de la National Free Art League. Parmi ses œuvres, on compte des portraits de William Merritt Chase (1882), Miss Jordan (1883), Mark Twain et William Walton. Il a également décoré l'une des coupoles du bâtiment des manufactures à l'Exposition universelle de 1893 à Chicago.

John Leslie Breck  (1860-1899) , fils d’un capitaine de la Marine américaine, naît en mer et grandit à Boston. En 1877, il part étudier en Allemagne, à l’Académie royale des beaux-arts de Munich. Il suit également l’enseignement du peintre belge Charles Verlat, à Anvers. De retour à Boston en 1882, il peint des natures mortes et des paysages dans le style sombre appris à Munich. Il retourne en Europe en 1886, pour poursuivre sa formation, choisissant cette fois Paris, et l’Académie Julian,  L'année suivante,  Breck visite Giverny en compagnie d’un groupe d’autres artistes américains, parmi lesquels Theodore Robinson et Willard Metcalf. Au cours des années suivantes, il fait de longs séjours dans le village. Tout en présentant encore des œuvres plus traditionnelles au Salon de Paris, il expérimente la touche libre et les couleurs vives de l’impressionnisme. Il se lie d’amitié avec Claude Monet et les sœurs Hoschedé et devient l’un des rares artistes américains à entrer dans le cercle intime du maître impressionniste.
De retour à Boston, Breck expose ses toiles impressionnistes. Leur nouveauté déconcertent la critique américaine. En 1891, séjournant de nouveau à Giverny, Breck s’inspire des premières séries de Monet et peint douze études représentant des meules de foin à différents moments de la journée. La même année, il quitte définitivement le village lorsque Monet refuse d’accepter son attachement romantique envers sa belle-fille Blanche. Breck passe quelque temps en Angleterre avant de retourner aux Etats-Unis. Il peint la campagne du Massachusetts et fait un voyage à Venise, où il représente la ville au clair de lune. Ses œuvres sont régulièrement exposées à Boston et à New York. Il meurt prématurément, à l’âge de 39 ans, reconnu par ses pairs comme l’un des pionniers de l’impressionnisme aux Etats-Unis.
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Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) - Autoportrait vieux et riant , c. 1770

Maurice Quentin de La Tour (1704-1788)
Autoportrait vieux et riant , c. 1770
Collection privée

Le style du portraitiste pastelliste français Maurice Quentin de La Tour est facilement identifiable. Généralement traité en grand format, le sujet est bien placé dans la lumière, toujours de façon à estomper les disgrâces, toujours le coin des lèvres relevé pour évoquer un sourire. Le regard est toujours franc et les carnations parfaites dans leurs teintes et leurs nuances. Sa technique évoluera peu, plus ou moins estompée selon les périodes. Un élément important de sa méthode est la préparation du portrait qui se fait par des croquis rapides au pastel, généralement en série, destinés à trouver le cadrage et l'éclairage qui met le mieux en valeur son sujet.
La série des préparations pour le portrait de la Pompadour est édifiante de savoir-faire. Souvent seules ses préparations sont conservées.
De même ses thématiques sont récurrentes : lui-même (série continue d'autoportraits souvent rieurs ou comme dans celui ci à la fois  "vieux et rieur" ), les grands de ce monde, les artistes et comédiens, les religieux et intellectuels. Parmi les portraits célèbres de Maurice Quentin de la Tour, on citera : Voltaire, Louis XV, D’Alembert, Jean-Jacques Rousseau, la dauphine Marie-Josèphe, le Prince François-Xavier de Saxe, le Prince Clément-Wenceslas de Saxe, Madame de Pompadour, Marie-Christine de Saxe, Choderlos de Laclos, Grimod de La Reynière, Belle de Zuylen, Justine Favart, etc..C
Lors des nostalgiques retours en grâce du siècle des Lumières, de La Tour sera recherché par les plus grands collectionneurs (Wildenstein, Gulbelkian, Getty, etc.)
À la fin du 19e siècle, beaucoup de pastels lui étaient aveuglément attribués, ce qui fait que beaucoup de faux de La Tour ou de faussement attribués circulent encore de nos jorus.
Indépendamment du personnage représenté, les portraits de de La Tour virent leur valeur fluctuer considérablement. Payés des fortunes de son vivant, ils devinrent invendables après la Révolution.
Il n'en reste pas moins vrai que la grande rétrospective, organisée à Versailles en 2004 pour le 300e anniversaire de sa naissance, a mis en évidence une remarquable cohérence stylistique et une incontestable maîtrise technique, qui le placent au premier plan de l'art européen sous Louis XV.

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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) - Tête de paysan italien et Diogène

     

  
Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
1. Tête de paysan italien,1774.
Pinceau et lavis de craie noire, 31 x 24 cm
The MET

2. Diogène
Pinceau et lavis gris-brun, traces de craie noire, 35,5 x 27,9 cm)
Collection privée

 

Il s 'agit de deux œuvres jumelles réalisées la même annéespar Fragonard  :

Tête de paysan italien  a été réalisée à Rome en 1774, alors que l'artiste effectuait une tournée d'un an à travers l'Italie et l'Europe de l'Est en compagnie de son riche ami et mécène Pierre Jacques Onésyme Bergeret de Grancourt. Fragonard avait déjà visité l'Italie dans sa jeunesse, mais ce voyage laissait à l'artiste la liberté de choisir ses propres sujets. Plutôt que de copier les vestiges de l'Antiquité et les chefs-d'œuvre de la Renaissance italienne, comme les étudiants étaient chargés de le faire, il  se concentra sur les habitants vivants de la Ville éternelle. Ses dessins au cours de cette période comprennent de nombreux portraits d'amis et de compagnons parfaitement observés, mais ils enregistrent également les personnages colorés qu'il aurait rencontrés dans les rues : nains, pêcheurs, vendeurs et amuseurs. La vocation de l'homme barbu dans ce dessin n'est pas claire. Fragonard semble avoir été attiré par la qualité vieillie de son visage, de ses sourcils plissés et de ses cheveux. L'homme est présenté avec sympathie, avec une intensité psychologique inhabituelle pour cette période.

Diogène  a été  dessiné dans des circonstances très différentes. Fin août de la même année, alors qu'ils rentraient à Paris, Fragonard, Bergeret et le reste de leur entourage s'arrêtèrent à Dresde. Ils passèrent plus d'une semaine dans la ville, visitant régulièrement les collections princières de l'électeur de Saxe, qui ouvrait ses galeries de peinture aux visiteurs.  Une toile retint alors particulièrement  l'attention de l'artiste : la  représentation en buste du philosophe cynique Diogène (mort en 323 av. J.-C.) par Jusepe de Ribera . Dans l'œuvre obsédante du peintre espagnol, Diogène, qui cherchait à échapper à la corruption de la civilisation, est représenté avec une barbe très négligée et enveloppé dans un manteau sombre. Il tient en main sa célèbre  lanterne, un attribut qui fait allusion à sa recherche, en plein jour,  "d'un seul honnête homme dans la cité".

Texte établi d'après la Notice du Metropolitan Museum of Art, New York
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José Mongrell y Torrent (1890-1937) - Pêcheur

José Mongrell y Torrent (1890-1937)
Pêcheur
Collection privée

Le peintre espagnol   José Mongrell y Torrent  a étudié à l' école des beaux-arts San Carlos de Valence, où il était un disciple d' Ignacio Pinazo et de Joaquín Sorolla y Batisda . Sa participation à divers concours et expositions à Madrid et à Barcelone, lui vaut une certaine notoriété dans les milieux artistiques. Il réalise une affiche pour la Foire de San Jaime à Valence en 1897, devenue célèbre depuis.
Il obtint un poste d'enseignant à l'école des beaux-arts San Jorge de Barcelone, où il vécut le reste de sa vie. Sur la façade de la salle San Jorge du palais de la Generalitat de Catalogne, il a réalisé une grande œuvre, commandée par le président du Conseil provincial de Barcelone, le comte de Montseny, représentant la Vierge de Montserrat avec des saints et des rois l'adorant. Il réalisa une peinture de genre, des portraits et des thèmes traditionnels dans un environnement valencien, tout à fait dans la lignée de Sorolla, où l'on perçoit des réminiscences de l'art du XIXe siècle et un certain immobilisme dans les figures. On peut voir ses œuvres au Musée National de la Céramique et des Arts Somptuaires "González Martí", au San Pio V, à Valence, et au Musée des Beaux-Arts des Asturies.

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Hans Holbein the Younger ( 1497-1543) - Gentilhomme inconnu avec Livres de Musque et Luth

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Hans Holbein the Younger ( 1497-1543),
Gentilhomme inconnu avec Livres de Musque et Luth, c. 1534
Huile sur panneau de bois, 43.5 x 40,5 cm.
Gemäldegalerie, Berlin.

Le plus étrange chez ce gentilhomme musicien est que les pages de son livre de musique soient blanches ? Le luth pisé hors cadre, serait il a la recherche d'une inspiration qui ne vient pas 

Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, l'un des peintres les plus importants de la Renaissance.Spécialisé dans les portraits, il devint à partir de 1536peintre-valet de chambre d'Henri VIII, puis très rapidement peintre officiel de la cour d'Angleterre. Entre 1538 et 1539, il voyagea en Europe afin de faire le portrait des princesses candidates au mariage avec Henri VIII après la mort de Jeanne Seymour. En 154, c'est Anne de Clèves que le roi épouse. En 1543, entre le 7 octobre et le 29 novembre, en pleine gloire, Holbein Le Jeune meurt de maladie à l'âge de 46 ans environ. Beaucoup de ses œuvres se trouvent encore dans les collections royales britanniques. Recherchant derrière les apparences les expressions marquantes des visages, il fait lsouvent a synthèse entre les traditions gothiques et les nouvelles tendances humanistes.

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Sculpture antique / Sculpture anonyme -- Statue Lihyanite, al-’Ul, Arabie pré-islamique

 

Sculpture antique / Sculpture anonyme
Arabie pré-islamique -Statue Lihyanite, al-’Ulâ,
Musée du département d’Archéologie, Université du Roi al Saoud / Musée du Louvre

 
L'ancien royaume de Lihyan, ou Lihyân, des Lihyanites, se trouvait dans l'oasis d'Al-'Ula d'aujourd'hui, à environ 150 km au sud-ouest de Tayma au nord-ouest de l'Arabie saoudite , sur la route de l'encens.  Les inscriptions retrouvées remontent aux VIe et IVe siècles av. J.-C. La capitale de ce royaume pré-islamique est nommée dans la Bible sous le nom de" Dedan ".  La langue lihyanique est considérée comme un dialecte du nord-arabique.  Après l'établissement du califat, ces dialectes ont été supplantés par le haut-arabe, également un dialecte nord-arabe.
L'Arabie préislamique désigne la péninsule arabique avant le VIIe siècle, soit avant l'apparition de l'islam, incluant la préhistoire et l'histoire de cette région. Dans l'Antiquité, à l'époque de l'Empire romain, les auteurs gréco-latins divisent l'Arabie en trois régions distinctes : l'Arabie Heureuse, au Sud, qui correspond au Yémen actuel ; l'Arabie centrale, peuplée de nomades et de sédentaires et qui vivent dans l'orbite de l'Arabie Heureuse ; et l'Arabie pétrée, sous influence des Empires byzantin et perse.

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Gustave Van de Woestijne (1881-1947) - Le mauvais semeur

 

Gustave Van de Woestijne (1881-1947)
Le mauvais semeur, 1908
Huile sur panneau de bois doré à la feuille
Collection De Bode, Berlin,

Dans une interview datant de 1919, il déclarait : « Chaque œuvre est un recommencement. Si deux toiles se ressemblent, cela devient du métier et non de l'art (...) Je n'aime pas les peintres qui se répètent. »
Son frère Karel propose de traiter son œuvre par tranches : le groupe paysan, le groupe religieux et le groupe des expériences personnelles ; dans ce dernier il range surtout les portraits.
Inventif, Gustave Van de Woestijne suggère des méthodes picturales délaissées (comme sur ce panneau de bois doré à la feuille) , défend des points de vue inattendus mais féconds.
Le modernisme qui dans l'entre-deux-guerres secoue l'art européen atteint aussi Van de Woestijne. Des éléments de composition cubiste (comme dans Les buveuses de liqueur) et véristes (Portrait de M. De Zutterou  ou Double portrait de M. et Mme van Herrewege) apparaissent dans son oeuvre. Sa production picturale est évaluée à 400 œuvres dont certaines ont disparu...

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Gottfried Lindauer (1839- 1926) - Portrait of Paora Tuhaere

Gottfried Lindauer (1839- 1926)
Portrait of Paora Tuhaere.
Auckland Gallery, New Zealand

Paora Tuhaere, converti assez tot au christianisme, fut élu en 1888 dans comité national pour représenter les intérêts maoris auprès du gouvernement. Tūhaere souhaitait obliger le gouvernement à respecter les termes du traité de Waitangi et à utiliser les terres maories restantes comme ressource économique pour le seul peuple maori tout en acceptant que les Maoris vivent sous la domination du gouvernement européen. Il travailla à réconcilier le mouvement King avec le gouvernement après les guerres des années 1860. Lors de la conférence du mouvement King à Whatiwhatihoe en 1882, Tūhaere encouragea Tāwhiao, le roi maori, à renoncer à son isolement. Le roi s'embarqua peu après pour une tournée de l'île du Nord et fit appel à la Grande-Bretagne pour qu'elle accorde aux Maoris la sécurité de la propriété foncière et l'autonomie.

Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença par étudier dès 1855, la peinture à
l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.
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