Pellegrino Tibaldi (1527-1596) - Esquisse d'homme assis

Pellegrino Tibaldi (1527-1596)
Esquisse d'homme assis
Morgan Library and Museum

 
Pellegrino Tibaldi ou Pellegrino di Tibaldo de Pellegrini dit il Pellegrini est un peintre italien de la Renaissance et un architecte appartenant à l'école lombarde.
Fils d'un  tailleur de pierres, je jeune Pellegrino accomplit sa formation culturelle à Bologne, comme peintre à l'école de Bartolommeo Ramenghi dit il Bagnacavallo, et comme architecte dans l'ambiance des nouveautés apportées par Giulio Romano et Sebastiano Serlio. Puis il séjourne à Rome  pendant deux années où il est au contact des œuvres de Michel-Ange et de quelques-uns des maniéristes (dont Perin del Vaga), qui l'influencent dans ses premières œuvres, comme la décoration de l'appartement de Paul III au Castel Sant'Angelo. Il effectue ensuite de nombreuses commandes pour le cardinal Luigi Poggi à Bologne. Il peint les fresques de l'Histoire d'Ulysse dans le Palazzo Poggi, les scènes de la Vie de saint Jean-Baptiste dans la chapelle des Poggi à Bologne, et les scènes de la Vie de Moïse dans le Palazzo Sacchetti à Rome.  A Ancône, il  peint des fresques pour la loggia dei Mercanti et le Palazzo Ferretti. En 1561, il rencontre le cardinal Carlo Borromeo, qui l'emploie à Milan, la plupart du temps comme architecte dans la tâche presque sans fin de construire la cathédrale tout en  travaillant sur divers projets comme  la cour du palais archiépiscopal (1564-1570), San Fedele (1569-1579) et San Sebastiano (1577). À Milan il travaille également en tant qu'architecte civil, projetant le Spinola, Erba Odescalchi et les palais de Prospero Visconti.
En 1586, il est en Espagne, où il a suivi et remplacé Federico Zuccari en tant que peintre principal de la cour. Il peint dans les cloîtres inférieurs de l'Escorial sur demande du roi Philippe II. Ses plus grands travaux sont les fresques de la bibliothèque.  Après neuf ans, il revient en Italie et est nommé architecte du dôme de Milan charge qu'il occupe jusqu'à sa mort.
On le trouve aussi ingénieur militaire à Ancône et à Ravenne avant son arrivée en Lombardie bref une parfaite figure de la Renaissance, bizarrement très peu médiatisée de nos jours. 

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Oleg Lomakin (1924-2011) - Ouvrier métallurgiste lisant La Pravda

 

Oleg Lomakin (1924-2011)
Ouvrier métallurgiste lisant La Pravda
Collection privée

Difficile de faire plus propagandiste soviétiques que ce tableau là, représentant un prolétaire qui a accès à la Culture (avec un grand K!) par la lecture (forcément édifiante) de la Pravda, qui fut l'organe officiel de presse du pouvoir soviétique pendant des décennies. 

Oleg Leonidovich Lomakin (Олег Леонидович Ломакин) était un peintre réaliste soviétique russe, artiste honoré de la RSFSR qui a travaillé  à Saint-Pétersbourg (anciennement Leningrad) et qui beaucoup peint le monde sportif  soviétique dont beaucoup de membres étaient considérés alors comme des héros.  Un heroïsme acquis au prix fort que beaucoup de ces hommes  devaient à l'usage institutionnalisé des anabolisants et autres substances dopantes  (souvent mortelles) interdites depuis lors  dans la pratique du sport de haut niveau.
Il est considéré comme l'un des principaux représentants de l'Ecole de peinture de Léningrad.

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Gustave Doré (1832-1883) Le Buveur de Gin

Gustave Doré (1832-1883) 

Le Buveur de Gin

Musée des beaux-arts de Beauvais, France

Accompagné de policiers de Scotland Yard, Doré fit, lors d’un séjour de travail a Londres, le tour complet de la ville, du quartier ouvrier de l’East End à ce quartier des mendiants et des marginaux de Whitechapel, réalisant de nombreux croquis sur le motif.
Ces croquis et gouaches seront utilisés comme illustrations dans l’ouvrage « Londres, un pèlerinage " (1872) de Blanchard Jerrold.

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Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Nu masculin

 

Pavel Tchelitchew (1898-1957)
Nu masculin
Collection privée

D'origine aristocratique, Pavel Tchelitchew suivit sa famille à Kiev après la révolution de 1917 avant d'émigrer en France en1923. C'est à Paris qu'il fit ses débuts de portraitiste. Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchew réalisa le portrait. C'est chez Gertrude Stein aussi que Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchew présenta ses oeuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York, tout juste ouvert depuis un an seulement.
En 1933, il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).
Tchelitchew acquit la nationalité américaine en 1952.
Un peu moins de 150 de ses peintures sont conservées au MoMA à New York.

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Otto Greiner (1869-1916) - Skulpturenschatz

Otto Greiner (1869-1916)
Skulpturenschatz, c.1896
Collection privée

Otto Greiner fut le premier artiste allemand à utiliser la technique de la lithographie non seulement pour la reproduction, mais aussi pour la conception originale de ses œuvres. Ses représentations naturalistes, assez caractéristiques de son époque trouvent moins d'échos parmi le public d'aujourd'hui. Ses quelques peintures monumentales de grand format comprennent : Ulysse et les sirènes, sur laquelle il a travaillé à Rome pendant trois ans (généralement considéré comme perdu depuis la Seconde Guerre mondiale) a en réalité été coupé en morceaux par les troupes russes au moment de la libération de Leipzig pour servir de bâche de transport) ; Prometheus, Hercule à Omphale (créé à Rome en 1905), L'école des sorcières est sa seul grande toile consacrée aux femmes. Otto Greiner à réalisé également de nombreux portraits et traita de sujets mythologiques et fantastiques. Ces thèmes constituent l'essentiel de ses 112 œuvres graphiques et quelques grandes peintures. 

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Pablo Picasso (1881-1973) - La flûte de Pan, 1923

 

Pablo Picasso (1881-1973)
La flûte de Pan, 1923
Musée Picasso, Paris

 

 

La Flûte de Pan  a été peinte en 1923 pendant la période classique (1919 à 1929) de Picasso. 

Le tableau représente deux hommes sculpturaux d'origine mythologique.  

 Au moment où il peint cette toile  Picasso voyage beaucoup en Italie et s'inspire de  l'art gréco-romain qu'il voyait sous ses yeux.
Peu avant la peinture de cette toile en 1921,  Picasso rencontre Sara Murphy, une belle et riche expatriée américaine avec laquelle il noue une  brève idylle. Des photographies infrarouges de La Flute de Pan  prises dans les années 1990, ont révélé une composition initiale comprenant quatre personnages. Les spécialistes  pensent qu'une des figures celle de Vénus  aurait pu eêre représentée par Sara,  et qu'une autre  celle être Mars, par Picasso lui-même. Il semblerait que sa rupture avec Sara soit à l'origine du " repenti  " qui nous permet de voir aujourd'hui cette toile avec deux personnages uniquement.

 

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Paul Cadmus (1904-1999) - Two Dancers with Bentwood

Paul Cadmus (1904-1999)
Two Dancers with Bentwood Chairs
Conté crayon and pencil on paper (71.1 x 61.6 cm.)
Private collection

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçut de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèla plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté (ci dessus), et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Francisco de Goya (1746 - 1828) - Autoportrait dans l'atelier

 

 
Francisco de Goya (1746 - 1828)
Autoportrait dans l'atelier 1790-95
Huile sur toile 42 x 28 cm
Museo de la Real Academia de San Fernando, Madrid

 
Goya réalisa de nombreux autoportraits. Dans celui ci, semblable à ces tableaux de cabinet par la taille, il se peint en entier (en pieds) à contre-jour dans son atelier, alors qu'il est en train de réaliser une grande toile tout en regardant le spectateur. La toile qu'il peint apparait uniquement de dos et serait, selon le contexte de la création de l'autoportrait, soit un portrait de bourgeois, soit un carton pour une tapisserie. Il se peut que ce soit aussi une toile symbolique qui n'ait jamais existé. La lumière très violente arrive depuis une grande fenêtre située en arrière-plan, ce qui a pour effet de masquer la qualité de l'éclairage de la silhouette. Entre la fenêtre et le peintre, on note un bureau sur lequel il y a du matériel pour écrire et du papier, ce qui montrerait d'après certains spécialistes le désir de Goya d' être considéré aussi comme un intellectuel et pas seulement comme un peintre. Le fait que la silhouette du peintre soit perçue dans l'ombre, provoque un rendu intéressant des couleurs sur ses vêtements aussi bien que sur son visage, donnant à l'ensemble un aspect impressionniste ...bien avant l'heure ! 

Un mot de ce chapeau que porte Goya et dont les bords lui permettaient de placer des petites bougies qui donnait de la lumière quand il faisait  sombre dans la pièce, ce qui n'est pas le cas ici.

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Pietro della Vecchia (1603-1678) - Tête de jeune guerrier

Pietro della Vecchia (1603-1678)
Tête de jeune guerrier, 1630.
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Pietro della Vecchia ou Pietro della Vècchia, appelé à tort Pietro Muttoni, est un peintre vénitien de l'époque baroque et un éminent représentant de l'école vénitienne. Pietro della Vecchia étudia auprès d'Alessandro Varotari (Il Padovanino), duquel il hérita de l'intérêt pour la peinture vénitienne du XVIe siècle en particulier de celle du Titien et de Giorgione. Reconnu pour l'habilité avec laquelle il reproduisait le style des maîtres du xvie siècle, il est aussi reconnu comme peintre de scènes de genre et de portraits. En tant que peintre officiel de la République de Venise, il reçut commande pour la réalisation des cartons des mosaïques de la basilique Saint-Marc, qui l'occupa de 1640 à 1673.
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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - Rowers At Rest

 

 

 

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951)

 Rowers At Rest  

Private collection

Cette aquarelle est l'une des nombreuses compositions que  Leyendecker consacra aux rameurs  sportifs, tantôt au repose comme ici, tantôt sur la ligne d'arrivée ou en plein effort de cadence.  Le style est ici  plus "impressionniste" et moins hyper- réaliste que dans ces habituelles compositions. 

Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post

Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine.
Il a beaucoup collaboré aussi au magazine hebdomadaire Collier's dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's fut fondé en 1888 par le journaliste Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation. Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur ruiné, puis cessa toute parution en janvier 1957. Une brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain.

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Louis Tocqué (1696-1772) - Portrait de Frederik de Løvenørn

Louis Tocqué  (1696-1772)
Portrait de Frederik de Løvenørn, 1732
Musée d'histoire du Château de Frederiksborg

 
Elève de Bertin, Louis Tocqué est issu d'une dynasite d'artistes peintres français. Très rapidement célèbre comme peintre de la haute bourgeoisie parisienne de son époque, il présente au Salon de 1743 parmi d'autres portraits, deux portraits de la même famille : Monsieur Pierre Simon Mirey (1702-1764), Secrétaire du Roi, Conservateur des Hypothèques, en chasseur tenant un Fusil et son beau-frère, Monsieur Pierre Pouan (1689-1765), Conservateur des Hypothèques en 1750, secrétaire du Roi en 1751, appuyé sur le dos d'un fauteuil, (Chaalis, musée Jacquemart André). En 1744, il peint le portrait de la femme de ce dernier Madame Marie-Louise Pouan, née Mirey et de sa fille.
Tocqué est à Versailles avec des portraits du marquis de Matignon, de Gresset en habit rouge, de Tournehem, du marquis de Marigny, l’un des plus beaux du groupe, des portraits en pied de Marie-Thérèse, infante d’Espagne, très pompeux, de l’impératrice Élisabeth de Russie, celui-là non terminé. Il est aussi en bonne posture à Dijon, à Orléans, à Nancy, et, avec le portrait de M. de Saint-Florentin, au musée de Marseille. De 1737 à 1759, Tocqué exposa à presque tous les Salons sans voir son succès fléchir. « M. Tocqué, dont les portraits ont une si grande réputation », écrit Grimm en 1753.
En 1757, la tsarine Elisabeth le fit venir à Saint-Pétersbourg pour avoir son portrait de sa main et lui faire faire quelques portraits, dont il fut généreusement payé. À son retour à Paris, il visita plusieurs des cours du Nord, laissant de ses ouvrages partout, et il fut reçu membre de toutes les Académies d’Europe. Passant par Copenhague où il passe sept mois, il peint les portraits en pied du roi, de la reine, des princes, des princesses de la famille royale. Dix ans plus tard, Tocqué entreprit un nouveau voyage à Copenhague, qu’il accomplit comme le premier avec toutes sortes d’agréments.
Il avait épousé la fille de Nattier son maître, et lorsqu’il eut terminé ses voyages, il abandonna entièrement la peinture pour jouir tranquillement de la fortune que lui avaient procuré ses ouvrages.

Frederik Poulsen de Løvenørn (1715- 1779 ) était un noble danois, officier de marine et gouverneur du comté de Korsør et Antvorskov.  Né à Copenhague et était le fils de Poul Vendelbo Løvenørn  En 1776, il publie en danois sa traduction anonyme d'une comédie de l'auteur français Philippe Néricault Destouches .
Il a une carrière dans la marine, et  deviente capitaine puis commandant en chef puis adjoint au Commissariat général de la Marine et du Conseil d' Etat.

 
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Nils von Dardel (1888-1943) - The rocky twin dancers

 

Nils von Dardel (1888-1943)
The rocky twin dancers, c. 1928
Collection privée


Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression. Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et pour que le public commence à s'y s'intéresser.
Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.
A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs.
Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus) comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus la grosseur disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple.

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Yan Liben (c. 600–673) - Emperor Wen of Sui (c. 650-70)

 

Yan Liben (c. 600–673)
Emperor Wen of Sui (c. 650-70)
Ink & color on silk, 51.3 x 531 cm.
The Boston Museum of Fine Arts

Yan Liben / 閻立本 (vers 600-673), dont le nom officiel est Baron Wenzhen de Boling (博陵文貞男), était un peintre chinois et un fonctionnaire du gouvernement au début de la Dynastie Tang.
Parmi ses œuvres notoires, on peut citer le Manuscrit des treize Empereurs, l'Assemblage de textes classiques de la dynastie Qi du Nord ainsi que le Buniantu. Il a également réalisé les portraits du Temple Lingyan sous le règne de l'Empereur Tang Taizong, commandés en 643 pour commémorer les 24 plus grands contributeurs au règne de l'empereur Taizong, ainsi que 18 portraits commémorant les 18 grands savants qui ont servi l'empereur, quand il était le prince de Qin. Les œuvres de Yan Liben comprennent des portraits de nombreux empereurs chinois de la dynastie Han (202 av-J.C. -220) jusqu'à la dynastie Sui (581-618).
De 669 à 673, Yan Liben fut également chancelier de la dynastie Tang sous le règne du fils de l'Empereur Taizong, l'Empereurr Gaozong (649-683).

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William Etty (1787-1849) - Male nude

William Etty (1787-1849)
Male nude.
Private collection

Le peintre anglais William Etty est surtout connu pour ses tableaux de nus et ses grandes compositions historico- mythologiques. Il fut fait Membre extraordinaire de la Royal Academy en 1834 grâce à sa grande composition Pandore couronnée par les Saisons, achetée par son ancien professeur, Thomas Lawrence. Grand voyageur, il s'inspira largement de ce qu'il put voir dans les grands musées européens à Florence, Rome, Venise ou Paris. Son nom est passé a la postérité surtout grâce à son grand père, un meunier qui inventa un pain d 'épices encore largement commercialisé de nos jours !

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Herb Ritts (1952-2002) - Wrestling Torsos

Herb Ritts (1952-2002)
Wrestling Torsos, Hollywood (B), 1987
Private collection

Herb Ritts, est un photographe de mode américain, particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes. Au cours des années 1980 et 1990, Ritts travaille pour  Harper's Bazaar, Rolling Stone, Vanity Fair et Vogue avec des portraits de célébrités et des photos artistiques de modèles. Parmi les célébrités qu'il photographie en noir et blanc, on peut citer : Kofi Annan, Cindy Crawford, Tenzin Gyatso (le dalaï-lama), Madonna, Olivia Newton-John, Jack Nicholson, Elizabeth Taylor et Michael Jackson.Séropositif au VIH,   Herb Ritts, meurt à Los Angeles des complications d'une pneumonie liée au sida. Ses dernières photos publiées sont celles de l'acteur Ben Affleck dans le magazine Vanity Fair.

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Antoine Coypel (1661-1722) - Homme couché, jambes pliées

Antoine Coypel (1661-1722)

Homme couché, jambes pliées, 1687

Collection privée

Antoine Coypel fait partie intégrante d'une grande dynastie de peintres français.  Fils de Noël Coypel, auprès duquel il se forma. il ets aussi le père  Charles-Antoine Coypel ainsi que son demi-frère Noël Nicolas qui furent tous deux  peintres.de renom. IL est aussi lebeau-frère du  sculpteur François Dumont.
A peine âgé de  12 ans,  il accompagne,son père à Rome, qui y dirige l’Académie de France de 1673 à 1675, et il y achève sa formation, se révélant un élève très précoce et doté d’un grand talent. À Rome, il étudie l’art des grands maîtres de la Renaissance et la statuaire antique. Il est fortement influencé par l’école baroquel ocale et par l'art du Corrège qu'il admire sur le chemin du retour vers la France, où il reçut une formation littéraire classique au collège d'Harcourt. Ses premiers tableaux, perdus mais dont certains sont connus par des gravures, témoignent d'une virtuosité tout à fait exceptionnelle pour un peintre qui n’a pas encore vingt ans.
Son œuvre majeure est la décoration du plafond de la chapelle du château de Versailles (1716), réalisée dans un style baroque qui rappelle les exemples romains que le peintre a admirés dans sa jeunesse, notamment Baciccio. Il réalise aussi, de 1714 à 1717, des tableaux de grande taille sur le thème de l’Énéide, pour les murs du Palais-Royal à Paris. Plusieurs sont aujourd'hui au musée du Louvre, tandis qu’Énée et Anchise, Énée et Achate apparaissant à Didon et la Mort de Didon sont au musée Fabre de Montpellier.

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Agnolo Bronzino (1503-1572) - San Giovanni Battista

 

 Agnolo Bronzino (1503-1572)

San Giovanni Battista, 1553

Galleria Borghese, Roma

 Note de la Galleria Borghese concernant cette toile :

Ce tableau fait partie des premiers achats de Scipione Borghese, comme le confirme le paiement de 1610 pour son cadre. Signé en bas à gauche, le panneau est l'une des peintures les plus intéressantes de Bronzino, en raison de la position «opposée» de la figure. L'ovale parfait du visage, le regard absorbé et la bouche douce, toujours d'origine Pontormienne, ressortent. 

Autres œuvres de Bronzino dans ce blog 

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Anton Raphaël Mengs (1728-1779) - Nu masculin debout,

 

Anton Raphaël Mengs (1728-1779) 

Nu masculin debout, après 1750

Collection privée 

Anton Raphaël Mengs est un peintre et un écrivain d'art allemand, le plus représentatif de la peinture néoclassique.
Dans ses écrits, rédigés en espagnol, en italien et en allemand, Mengs met en avant sa théorie éclectique de l'art, où il considère que la perfection peut être atteinte par une habile combinaison des diverses excellences de la conception grecque avec l'expression de Raphaël, le chiaroscuro du Corrège, et la couleur de Titien. Son intimité avec Winckelmann, qui a constamment écrit sous sa dictée, est d'une importance historique, car il n'a formé aucun disciple, et le critique doit maintenant faire appel au Jugement de Mengs par Winckelmann et son siècle de Goethe.
Mengs était célèbre pour sa rivalité avec son contemporain italien, le peintre Pompeo Batoni.
Parmi ses élèves, on note Anton von Maron (1731 - 1808), arrivé à Rome en 1755; le sculpteur Ivan Martos et Giacomo Quarenghi (1744-1817), architecte de Saint-Pétersbourg.
Stendhal est particulièrement cruel à propos de Mengs dans ses Promenades dans Rome (1829) :
« (...) Raphaël Mengs, qui, pendant un demi-siècle, a passé pour un grand peintre, grâce au charlatanisme adroit de M. d'Azara.  En 1802, on admirait encore le Moïse de Mengs." 

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Piero della Francesca (1412-1492) - Ritratto diu uomo

Piero della Francesca (1412-1492)

Ritratto di uomo

Dessin

Pinacoteca di Brera, Milano

Piero della Francesca, de son nom complet Piero di Benedetto de Franceschi ou encore Pietro Borghese, est un artiste peintre et un mathématicien biturgens du Quattrocento. Il est vu surtout comme un peintre, mais à son époque il était aussi connu comme géomètre et mathématicien, maître de la perspective et de la géométrie euclidienne. Figure majeure de la Renaissance italienne, Piero fait partie de la deuxième génération des peintres-humanistes. Sa peinture imprégnée de son goût pour la géométrie propose une iconographie à la confluence de questions théologiques, philosophiques et d'actualité.
Son travail s'inspire de la perspective géométrique inventée par Brunelleschi et théorisée par Alberti, la plasticité de Masaccio, la lumière intense qui éclaire les ombres et sature les couleurs de Fra Angelico et Domenico Veneziano et la description précise et réaliste flamande de Rogier van der Weyden. Les autres clés de son expression poétique sont la simplification géométrique des volumes, l'immobilité des gestes cérémoniaux, et l'attention à la vérité humaine.
Son activité peut être considérée comme un processus qui va de la pratique de la peinture aux mathématiques. Sa production artistique est considérée comme une recherche rigoureuse de la perspective, de la monumentalité plastique des personnages, de l'utilisation expressive de la lumière. Il est profondément influencé par la peinture de la Renaissance au Nord de l'Italie, notamment par les écoles de Ferrare et de Venise.

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Pier Francesco Mola (1612-1666) - Diana ed Endimonio

 

Pier Francesco Mola (1612-1666)

Diana  ed Endimonio, 1660

Musei Capitolini, Roma

Le mythe d'Endymion est presque oublié de nos jours bien qu'il soit universel et qu'il ait inspiré de nombreux artistes dans le passé.  Il faut préciser  que e personnage d'Endymion change sensiblement d'aspect selon le pays dans lequel on raconte sa légende, tour à tour prince, chasseur ou berger.
Quel que soit son statut, on s'accorde généralement  sur la beauté inaccessible du jeune homme, capable de faire tomber amoureuse même la déesse Diane, elle même, supposée être  la femme la plus chaste et la plus sage de tout l'Olympe.
 Frappée par la splendeur des traits du berger, Diane la déesse de la Chasse tombe tellement  amoureuse d'Endymion qu'elle va intervenir auprès de son père Jupiter pour qu'il soulage le jeune homme merveilleux  du fardeau du temps. Jupiter accède au souhait de sa fille bien aimée. Endymion  ne vieillira jamais mais en échange de ce divin privilège,  il tombera dans un sommeil éternel !
Cela n'empêchera pas Diane de rejoindre son amoureux  tous les soirs en empruntant la forme d'une clair de lune pas si chaste que ça puisqu'il finira tout de même par se traduire par la naissance de ... cinquante filles.
Endymion,  restera dans la mythologie comme l'homme qui fut aimé de la Lune.


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Sir Alfred Munnings (1878-1959) - Study of Nude

 

Sir Alfred Munnings (1878-1959)
Study of Nude

Alfred James Munnings fut  connu pour être  l'un des meilleurs peintres équestres britanniques, en  même tant qu'un ennemi acharnée du modernisme. Engagé comme peintre de guerre, par la Canadian War Memorials Fund de Lord Beaverbrook, il reçut, après la Grande guerre, plusieurs commandes d'importance lesquelles le rendirent riche et célèbre en son temps.


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Vlaho Bukovac (1855-1922) - Portrait de l'écrivain Branco Radulović

 

Vlaho Bukovac (1855-1922)

Portrait de l'écrivain Branco Radulović

Moderna Galleria, Zagreb

Le peintre croate Vlaho Bukovac a été formé à l'école des Beaux-Arts de Paris avec Alexandre Cabanel, et exposa au Salon des artistes français. Médaille de bronze de l'Exposition universelle de Paris de 18891, il retourne dans son pays en 1893, et enseigne à l'Académie des beaux-arts de Prague.

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Horace Vernet (1789-1863) - Mazeppa et les Loups

 

Horace Vernet (1789-1863)
Mazeppa et les Loups, 1826
Musée Calvet,  Avignon

Fils de Carle Vernet, petit-fils de Claude Joseph Vernet, il suivit les traces de son père dans la peinture militaire dont il fit sa spécialité et où il se révéla un peintre brillant. On lui doit des scènes de batailles assez grandiloquentes et des sujets orientalisants...
La legende populaire d’Ivan Mazepa (1639-1709), un noble ukrainien a beaucoup inspiré au 19e siècle : peintres (Vernet mais aussi Théodore Géricault ou encore Chassériau...),  musiciens (Liszt, Tchaikovsky, ) et poètes (Lord Byron, Victor Hugo...). Selon la légende le jeune Mazeppa, alors qu’il était page à la cour du roi polonais Jean II Casimir Vasa, noua une relation amoureuse avec une comtesse mariée à un homme plus âgé. Le mari l'ayant surpris en flagrant délit d'adultère, Mazeppa fut attaché entièrement nu, le corps enduit de goudron, (ce qui n'apparait pas vraiment évident dans ce tableau de Vernet !) sur le dos d'un cheval sauvage qui l'emporta au fin fond des steppes ukrainiennes. La légende  décrit le périple du héros attaché au cheval, son attaque par une meute de loup nétant qu'une des multiples péripéties qu'il va subir...  

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William Larkin (1580-1619) - Philip Herbert, 4th Earl of Pembroke

 

William Larkin (1580-1619)  

Philip Herbert, 4th Earl of Pembroke c 1615

William Larkin était un peintre anglais actif de 1609 jusqu'à sa mort en 1619, connu pour ses portraits  de membres de la cour de Jacques Ier d'Angleterre qui ont su capturer, avec une foule de détails, la superposition opulente de textiles, broderies, dentelles et bijoux caractéristiques de la mode à l'époque jacobéenne, ainsi que de nombreux beaux exemples de tapis orientaux dans la peinture de la Renaissance.
Une quarantaine de portraits de Larkin ont été identifiés, de courtisans et de gentilshommes, mais il ne semble jamais avoir peint des membres de la famille royale. Une série de neuf portraits en pied de Larkin, anciennement propriété des Earls of Suffolk et maintenant connue sous le nom de Suffolk Collection, est hébergée à Kenwood House, Londres.
Bien que le rôle de Larkin en tant que peintre de portraits soit enregistré dans des documents contemporains, aucune œuvre ne peut lui être attribuée avant 1952, année où  James Lees-Milne  identifia Larkin comme le peintre de deux portraits à l'huile sur cuivre qui était jusque là faussement attribués  à Isaac Oliver.

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Zhao Mengfu (1254–1322) - Bathing Horses

 

Zhao Mengfu (1254–1322)

Bathing Horses (late 12th-early 13th c.) 

Detail of hanging scroll, 28.1 x 155.5 cm. 

Palace Museum, Beijing

Zhao Mengfu (1254-1322) ( 趙孟頫 ) était un érudit chinois, peintre et calligraphe, durant la dynastie Yuan. C'est une figure majeure de l'art chinois.   Bien qu'il ait pratiqué avec succès la peinture de fleurs et oiseaux il laissa l'image d'un maître dans la peinture de chevaux et de paysages. Il fut l'un des peintres et calligraphes les plus éminents du début des Yuan, et son style exerça une profonde influence sur la génération suivante de paysagistes , jusqu'à ce retournement qui affecta son héritage après la prise du pouvoir par la dynastie des Mandchous (Toungouses), en 1644. À partir de ce moment-là il fut déconsidéré.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Portrait de jeune homme

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)

Portrait de jeune homme, 1966

B&E Goulandris Foundation, Athens

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits des marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit.
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Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Le marin-mécanicien du navire 'Aktyubinsk'

 

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) 

Le marin-mécanicien du navire  'Aktyubinsk' ,1966 

Collection privée  

Né dans la région de Volgograd, Vasiliy Vasil'evich Strigin reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939. Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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Anonyme Flamand - Portrait d'un Homme au Chaperon

Peintre Anonyme Flamand

Portrait d'un Homme au Chaperon, 1440-50

The MET

Attribué tour a tour à Peter Christus et à  Rogier van der Weyden, ce portrait aujourd'hui propriété du Metropolitan Museum of Art de New York est considéré comme peint autour de  1440-1450 par un peintre flamand inidentifié.
Ce jeune homme porte un turban rouge, appelé "chaperon" ; sa tenue vestimentaire suggère que l'œuvre a été peinte dans les années 1440. Les mains du personnage  occupaient à l’origine une zone plus petite, mais l’artiste a  ajusté leur position pour qu’elles puissent tenir une fleur. L'inclusion de l'œillet est un signe d'amour et de fidélité conjugale, ce qui suggère que le panneau était à l'origine associé à un portrait de femme. Il est aussi possible que ce portait ait d'abord été exécuté  comme un banal portrait de commande  puis qu’il ait été transformé en portrait de fiançailles à la demande du commanditaire.

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Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548) - Autoportrait ou Portrait d'un Homme en Armure

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548)

Autoportrait ou Portrait d'un Homme en Armure 

Musée du Louvre, Paris

Autoportrait ou Portrait d'un homme en armure, autrefois considéré comme le  portrait de Gaston de Foix, duc de Nemours (1489-1512) a été  peint à l'huile sur toile vers 1525 et s'est  révélé être au fil du temps l'autoportrait de Giovanni Gerolamo Savoldo. Il est conservé au musée du Louvre à Paris.
Trois vues du personnage coexistent dans le tableau : le visage est vu directement de trois-quarts et également de profil dans le miroir, et partiellement de dos sur un autre miroir placé derrière lui.
Les main se reflète dans l'armure posée sur la table et dans le miroir si bien qu'il semble y en avoir 4
Cette recherche s'inspire des expériences de Giorgione sur l'image reflétée dans un miroir, dans l'eau  et  dans le métal. Ce genre de peinture servit au débat sur le thème de la rivalité entre la sculpture et la peinture : « Si la Sculpture permet de rendre les volumes, la Peinture ajoute les couleurs, c'est-à-dire le signe même de la vie. »
 

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