Le Tintoret (1518-1594) - Samson tuant les Philistins

 

Robusti Jacopo Le Tintoret (1519-1594)

Samson tuant les Philistins, Eude préparatoire
Musée Paul Dupuy, Toulouse

 Il existe plusieurs dessins préparatoires à la grande toile de Tintoret Samson Tuant Les Philistins conservée à la  Gemäldegalerie de Dresde ( ci-dessous).
Dès ses premières œuvres (à la fin des années 1530 et durant les années 1540), Le Tintoret s’intéresse aux courants maniéristes toscan, romain et émilien, diffusés à Venise par des artistes comme Sansovino, Salviati et Schiavone. Il a une grande admiration pour Michel-Ange qui l’a influencé dans sa technique du dessin et dans sa manière de dépeindre le canon humain dans sa peinture, souvent décrit comme sculptural.

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Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Académie d'homme

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Académie d'homme vers 1818-20
Collection privée

Géricault  réalisa aussi de nombreux nus masculins servant d'études à son célèbre Radeau de la Méduse  ou a d'autres compositions magistrales.
La figure plus ou moins extravagante de Géricault  vu par ses contemporains comme un héroïque cavalier passionné  et un aventurier amant, devient , une vingtaine d'années après sa mort, une des figures majeures du romantisme. Jules Michelet écrit sa vie dans son Journal 1828-1848 et consacre un long passage au peintre dans son Cinquième Cours au Collège de France. Il voit dans Géricault un « peintre-magistrat », un juge sévère du Premier empire qui « dans les mélanges bâtards de la Restauration, conserva ferme et pure la pensée nationale.Il ne subit pas l'invasion, ne donna rien à la réaction ». Géricault est un homme seul, génie pathétique et désespéré, pris dans des amours éphémères et des amitiés légères et envieuses alors que la France fait naufrage. Prosper Mérimée copie les figures de chevaux d'après Géricault  ; Alexandre Dumas écrit sur lui ;  Delacroix écrit ses souvenirs de Géricault....
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Bernardino Detti (1498-1572)- Ritratto d'uomo con paggio e cane

 

Bernardino Detti  (1498-1572)

Ritratto d'uomo con paggio e cane

The MET museum, New York 

On ne connait guère que deux portraits peints par Bernardino Detti :  celui-ci qui se trouve au MET et l'autre à  la Wallace Collection à Londres.  Dans les deux portraits, la disposition stratégique des objets autour des  deux personnages révèle le goût raffiné et la culture de personnages de haut rang : les instruments de musique, parchemins, livres, encrier, épée richement orné, fragments de pièces archéologiques, pièces de monnaie ou médailles, chien de race et vêtements précieux....
Dans ce portrait il  il s'agit vraisemblablement du célèbre médecin de Pistoia, Roberto Incontri.


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Gustave Courtois (1852-1923) - Portrait de Maurice Deriaz

 

 Gustave Courtois (1852-1923)

Portrait de Maurice Deriaz, 1906

Collection privée

Maurice Deriaz et son frère ainé Emile, étaient les plus célèbres membre de cette famille qui comptait pas moins de 7 athlètes !  Ils  étaient tous nés en Suisse à Baulmes mais résidèrent en France pendant la majeure partie de leur vie.

Gustave Courtois était fils d'un garçon charcutier et d'un blanchisseuse, rien ne le prédestinait donc vraiment à devenir peintre. A ceci près que sa mère qui lui était totalement dévouée remarqua très vite l' intérêt pour l'art que le jeune Gustave développa dès qu'il fut scolarisé au lycée de Vesoul, intérêt aussi relevé par son professeur de dessin Victor Jeanneney. C'est alors que la décision est prise de la faire entrer à l'Ecole municipale de dessin de Vesoul.
Ses dessins furent présentés à Jean-Léon Gérôme qui lui conseilla en 1869 d’entrer à l’Ecole des beaux-arts de Paris.
Très proche ami de Pascal Dagnan-Bouveret, Gustave Courtois décida sitôt qu'il fut en age d'en faire une profession de partager son atelier de peintre avec lui, à Neuilly-sur-Seine à partir des années 1880. Il enseignait parallèlement la peinture à l’Académie de la Grande Chaumière et à l’Académie Colarossi de Paris. Réfugié au Tessin avec son ami Carl Ernst von Stetten pendant toute la durée de la Grande Guerre, il entretint une correspondance très suivie avec Robert Fernier alors que ce dernier se trouvait au front. Il est l'auteur de portraits, de scènes de genre, de scènes religieuses ou mythologiques très souvent peuplées de voluptueux nus masculins. Archétype de ce que l'on a appelé pendant un temps les" peintres provinciaux ", avant de juger l'appellation péjorative.
Se œuvres sont conservées dans les musées de Besançon, Marseille, Bordeaux, Pontarlier et dus Luxembourg.

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Edward Seago (1910-1974) - The East window

 

Edward Seago (1910-1974) 

The East window, 1944

Norfolk museum
 

Fils d'un marchand de charbon, Seago est né à Norwich et  y a fait ses études. 

Artiste autodidacte, il  a pu compté une nombre important d'admirateurs de la famille royale britannique de son temps et s'enorgueillir  aussi de la clientèle du prince Aga Khan. Ses œuvres ont été classées comme impressionnistes ou post-impressionnistes et comprennent des paysages marins pou campagnards, des gratte-ciel, des scènes de rue, son jardin et des portraits.À l'âge de 14 ans, il remporte un prix de la Royal Drawing Society, et sait désormais ce qu'il veut faire malgré la désapprobation initiale de ses parents. À l'âge de 18 ans, il a rejoint le Bevin's Traveling Show, et a ensuite tourné avec des cirques en Grande-Bretagne et dans toute l'Europe.Lors du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, il a été commissionné pour  développer des techniques de camouflage  pour le maréchal Auchinleck, avec qui il se lia d'amitié à vie. 

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Jean-Baptiste Frénet (1814 -1889) - Autoportrait

Jean-Baptiste Frénet (1814 -1889)

Autoportrait, 1850

L'homme politique  Jean-Baptiste Frénet  était aussi peintre, photographe et sculpteur. hFils d'un fabricant de soie de Lyon, il a appris les aspects artistiques du commerce de la soie auprès de son père et a fréquenté l'Ecole des Beaux-Arts de Lyon, étudiant la peinture et le dessin vivant. A 21 ans, il s'installe à Paris pour poursuivre sa formation dans l'atelier d'Ingres. Peu de temps après, Ingres est nommé directeur de l'Académie française de Rome ; Frénet et un groupe de collègues artistes  le suivent  formant la petite colonie d'Ingres à la Villa Médicis.
Il revient à Lyon en 1837 et durant toutes années qui suivent  il voyage entre la France et l'Italie. Il a exposé mais cela n'a pas été un succès. Il retente sa chance au Salon de 1841 à Paris mais, ne remportant aucun prix, décide de s'installer à Charly, un village près de Lyon, où il achète une maison.  Il a poursuivi son travail, choisissant principalement des sujets religieux, et ses autres efforts créatifs, y compris la gravure et la sculpture. Et il était une figure importante dans le nouveau domaine de la photographie, bien que la plupart de ses contributions étaient inconnues du public jusqu'à récemment.
Il est enfin devenu maire de Charly, mais quand il a postulé pour devenir professeur à l'École des Beaux-Arts de Lyon, avec le soutien d'Ingres, il a été refusé. A partir de 1850, il travaille sur un grand projet de fresque pour la Basilique Saint-Martin d'Ainay à Lyon, mais l'humidité détériore son travail et ses commanditaires refusent de payer. L'œuvre a finalement été détruite. Aigri, il semble que Frénet n'ait rien peint d'autre avant sa mort à l'âge de75 ans, presque quarante ans plus tard.
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Carlos Federico Sáez (1878-1901) - Cabez de estrudio

 

Carlos Federico Sáez (1878-1901)

 Cabez de estrudio 1899

 Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo (MNAV)

Artiste uruguayen, né à Montevideo, Carlos Federico Sáez a peint principalement des portraits. 

Son style se caractérise par des coups de pinceau très larges qui parviennent cependant toujours à donner au rendu de ses personnages une précision très réaliste. Pendant son séjour en Italie, il a peint plusieurs portraits à l 'huile sur "la réserve" de la toile (la toile est laissée visible), une technique très novatrice à la fin du 19 e siècle, où elle n'était utilisée sur papier que par de rares aquarellistes et qui fut beaucoup très utilisée au 20e siècle dans l’art abstrait.

Au cours de sa courte carrière, il a réalisé plus de 70 peintures à l'huile et 100 dessins. Il est considéré comme l'un des principaux artistes uruguayens et le premier à produire de l'art véritablement moderne.

Peu ou pas du tout connu en Europe, les œuvres de ce grand peintre sont principalement conservées en Uruguay au Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, au musée Juan Manuel Blanes de Montevideo, à la galerie Pinacoteca Eusebio Giménez de sa ville natale de Mercedes et au MALBA de Buenos Aires.

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Eugène Delacroix (1798-1863) - Le Polonais

  

Eugène Delacroix (1798-1863)
Etude d’homme nu dit aussi Le Polonais
Musée national Eugène Delacroix, Paris

Etude d’homme nu, dit aussi Le Polonais est une académie, un exercice auquel les jeunes artistes peintres se soumettent durant le XIXème siècle pour apprendre à dessiner le corps nu. Le modèle, connu sous le nom Le Polonais, a également posé pour les peintres Antoine-jean Gros  et Théodore Géricault . Delacroix réalisa cette vigoureuse étude alors qu’il étudiait dans l’atelier de son maître Pierre-Narcisse Guéri.  Un dessin de ce polonais avait été réalisé par Delcaroix sous le titre de Le Polonais Debout 

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Michiel Sweerts (1618-1664 - Le combat des Lutteurs

 

Michiel Sweerts (1618-1664)
Le combat des Lutteurs  1650
Staatliche Kunsthalle  Karlsruhe

Le Combat de lutteurs est une huile sur toile du peintre flamand Michael Sweerts (1618-1664), composé entre 1648 et 1650 pendant son  long séjour à Rome.

 La scène représente un combat de lutteurs dans une arène en plein air, le soir. On remarque au fond à droite, un escalier avec un fragment de ciel nuageux. À droite, des hommes et des femmes du peuple assistent au spectacle, tandis qu'à gauche au fond, ce sont des personnages vêtus de noir. d'un rang surement plus élevé.  L'un d'eux lève les bras, comme s'il souhaitait la fin du combat. 

D'ailleurs, un lutteur nu de dos ,agenouillé au premier plan, est prêt à s'engager dans le prochain combat, car il se déshabille. La lumière le frappe directement, comme s'il semblait être au cœur de la composition. La lumière est ensuite dirigée,  plus atténuée,  vers les deux lutteurs au milieu de la toile dont celui de gauche est plus éclairé et celui de droite a les cheveux noués par un bandeau de linge blanc. Ces trois nus académiques renvoient aux antiques romains.
La lumière termine son trajet sur le visage de l'adolescent agenouillé à droite vêtu d'un justaucorps rose ; il  se détourne du combat en levant les mains mais tourne la tête vers les lutteurs. L'historien de l'art Vitale Bloch s'est demandé s'il s'agissait d'un arbitre, ou d'un jeune spectateur passionné.
Dans la foule à gauche, on distingue un lutteur nu assis un verre de vin à la main, sans doute après avoir participé à un combat précédent. 

Michael Sweerts est doublement influencé, dans ses scènes de genre (comme  celle-ci), d'une part par les Bamboccianti qu'il fréquente et, d'autre part, par l'Accademia di San Luca dont il est agrégé et qui prône un style plus classique et noble, dont on voit ici le résultat avec ces corps de lutteurs dans le goût antique. Le peintre aimait particulièrement cette toile, puisqu'il la conservait dans son atelier, comme on peut le voir figuré au fond de son tableau L'Atelier du peintre, composé en 1650 et conservé aujourd'hui au Rijksmuseum d'Amsterdam

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Salomon Adler (1630-1799) - Autoportrait

 

Salomon Adler (1630-1799) 

Autoportrait

Pinacoteca  di Brera

Le peintre allemand Salomon Adler  était surtout connu pour sa carrière de portraitiste.qui se déroula en grande partie en Italie. De confession luthérienne, il était originaire d'une famille de fabricants de tissus de Gdansk. Sa manière de peindre (qui rappelle Rembrandt et de Hyacinthe Rigaud) et sa prédilection pour les vêtements orientaux, suggèrent une éducation artistique précoce à Gdansk.  Ses œuvres montrent l'influence des portraitistes de Vénitiens comme Nicolò Renieri et Tiberio Tinelli). Dans les années 1679 à 1691, il était manifestement à Milan. Il était très apprécié comme portraitiste
Les autoportraits d'Adler  comme celui ci peuvent être vus à Bergame, Milan ( Brera et collection Franco Marinotti), Budapest (peut-être une réplique de l'autoportrait des  Offices) et aux  Musée des Offices à Florence. 

 La seule œuvre signée par Adler est le portrait d'un jeune homme du Germanisches Nationalmuseum Nuremberg, acquis en 1963 auprès d'un marchand  commerce d'art italien.

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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - The Oarsman

 

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951)

The Oarsman 

Oil and pencil on canvas  (76.2 x53.3 cm)

 for the Cover  of Collier's June 21, 1916
National Museum of American Illustration, Newport

Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post 

Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine. 

Il a beaucoup collaboré aussi au magazine  hebdomadaire Collier's  dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's  fut fondé en 1888 par  le journaliste  Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation.  Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur  ruiné, puis cessa toute parution   en janvier 1957. Une  brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain. 

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Giorgio da Castelfranco dit Giorgione (1478-1510) Riitratto d'uomo Terris

 

Giorgio da Castelfranco dit Giorgione (1478-1510) 

Riitratto d'uomo Terris 1508-10

Oil on wood panel  (30,2 x 25,7 cm)

San Diego Museum of Arts, USA 

Cette œuvre qui fut attribuée  pendant un temps à Palma il Vecchio, est aujourd'hui considérée comme l'un des meilleurs portraits de Giorgione qui en fit pourtant plusieurs de très haute qualité ! . Appelé Portrait d'homme Terris en hommage au  collectionneur qui en était propriétaire (Mr Terris), il se trouve au musée de San Diego en Californie californien depuis 1941, date à laquelle il a été donné par Anne R. et Amy Putnam.
L'homme représenté sur le  portrait  est peint de trois quarts et tourné vers la gauche, sur un fond neutre vert foncé  qui offre une découpe très nette du visage. 

Le personnage toujours inconnu à ce jour , regarde le spectateur avec une grande intensité et uen sorte de mépris presque dérangeant. Son visage  est encadré des cheveux crépus poivre et sel, taillés au carrés qui se détachent à peine de  la couleur sombre de son vêtement. Une analyse aux rayons X a montré que la robe était à l'origine violette et que les tons rouges  qui étaient plus forts se sont oxydés avec le temps.
La capacité de Giorgione à  reproduire des effets tels que la douceur des cheveux ou la chaleur de la peau que l'on dirait vivante est extraordinaire.
 

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Emile Friant (1863-1932) - Deux artistes : Mathias Schiff et Camille Martin

 

Emile Friant (1863-1932)
Deux artistes : Mathias Schiff  et Camille Martin, 1880
Huile sur toile, 32,5 x 40,5 cm
Collection privée ( Sotheby's)

Dans ce tableau, le peintre lorrain Emile Friant peint deux de ses amis les plus proches se reposant dans la campagne Nancéenne. Il s’agit du peintre Camille Martin (à droite), qui a étudié avec lui à l'École des Beaux-Arts de Nancy et de Mathias Schiff (à gauche) peintre et sculpteur décédé prématurément. A coté des deux jeunes artistes allongés dans l’herbe, on remarque tout l’attirail du peintre de l’époque: le chapeau a large bord pour protéger les yeux de la trompeuse lumière du soleil, le parasol, et la boite à gouaches tenue par deux anses surmontée de feuilles de papiers et de cartons à peindre. L’arrivée d’une jeune jolie dame sur le chemin avec un panier de pique nique sous le bras, semble avoir réveillé d’une longue sieste ces deux jeunes artistes galants et un peu paresseux. Ils produiront pourtant l’un et l’autre de nombreuses œuvres .
Mathias Schiff reste surtout connu pour un monument imposant, encore visible aujourd’hui à Nancy en plein cœur de la vieille ville, Place Saint Epvre ; il représente René II, personnage emblématique de la Lorraine indépendante et souveraine, victorieux de Charles le Téméraire à la bataille de Nancy en 1477.
Camille Martin lui fait partie des rares peintres nancéiens qui ont eu une influence sur la peinture de l’Ecole de Nancy avec le célèbre Victor Prouvé et Emile Friant avec lequel il resta ami toute sa vie durant et les moins connus Henri Royze et Paul-Emile Colin.

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Hans Holbein the Younger (1497-1543) - Sir Thomas Strange of Hunstanton

 

Hans Holbein the Younger (1497-1543)

Sir Thomas Strange of Hunstanton,  circa 1536

Private collection 

Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, l'un des peintres les plus importants de la Renaissance.Spécialisé dans les portraits, il devint à partir de 1536peintre-valet de chambre d'Henri VIII, puis très rapidement peintre officiel de la cour d'Angleterre. Entre 1538 et 1539, il voyagea en Europe afin de faire le portrait des princesses candidates au mariage avec Henri VIII après la mort de Jeanne Seymour. En 154, c'est Anne de Clèves que le roi épouse. En 1543, entre le 7 octobre et le 29 novembre, en pleine gloire, Holbein Le Jeune meurt de maladie à l'âge de 46 ans environ. Beaucoup de ses œuvres se trouvent encore dans les collections royales britanniques. Recherchant derrière les apparences les expressions marquantes des visages, il fait lsouvent a synthèse entre les traditions gothiques et les nouvelles tendances humanistes.

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Ruth Miller Kempster (1904-1978) - The Struggle

Ruth Miller Kempster (1904-1978)

The Struggle, 1932

Private Collection 

Ruth Miller Kempster, également connue sous le nom de Ruth Blanchard Miller était une artiste américaine.  En 1932, elle remporta une médaille d'argent aux concours d'art des Jeux Olympiques pour sa peinture Struggle ( (Lutte) ci dessus.
Elle avait  commencé ses études par un cours par correspondance du Kansas City Art Institute. avant de les poursuivre  à la Stickney Memorial Art School de Pasadena, puis l' Otis Art Institute de Los Angeles. Elle étudiéa aussi la sculpture, la peinture et la lithographie à la Art Students League de New York. Dans les années 1930, Miller enseigna à l'École des beaux-arts de Pasadena.

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Peter Paul Rubens (1577-1640) - Etude d'un homme de dos

 

Peter Paul Rubens (1577-1640) 

Etude d'un homme de dos

Collection privée

Cette étude a été faite en préparation de la toile La Descente de Croix  actuellement visible à la cathédrale d'Anvers mais qui fut à l'origine prévu pour Saint Walburga .

Peter Paul Rubens fut un peintre baroque flamand. Aidé par un atelier important, Rubens produisit un œuvre considérable dans des genres divers.  Son atelier anversois mobilisait des talents aussi divers que ceux de Frans Snyders pour la peinture animalière ou de Jacob Jordaens et Antony van Dyck pour les portraits.
Il accepta de peindre un grand nombre de portraits mais, « d'instinct plus porté aux grand travaux qu'aux petites curiosités » comme il l'écrivait lui-même, il prêta peu d'attention aux détails, qu'il ne peignit pas en profondeur mais dessina de quelques traits. Il avait la réputation de  travailler sur un rythme trèst productif, réalisant 1403 peintures selon le catalogue de Michel Jaffé. Il réalisa surtout de grands projets religieux, des peintures mythologiques, et d'importantes séries de peintures historiques.  L' 'un des peintres l'ayant le plus admiré, Delacroix le surnommait l'« Homère de la peinture ». Rubens incarna aussi  le primat de la couleur dans l'histoire de l'art européen du 17e siècle, poursuivant en cela la leçon des grands Vénitiens. L'historien d'art Chennevières créa d'ailleurs les termes de poussinistes et rubénistes pour évoquer la querelle entre rubénistes (les coloristes qui privilégiaient la force de la sensation) et poussinistes (les dessinateurs qui privilégiaient la forme) qui s'inscrit dans la querelle des Anciens et des Modernes.
Rubens fut non seulement un artiste de renom mais aussi un diplomate et un habile négociant,  ce qui fit de lui un personnage connu dans toute l'Europe de son temps. Sa fortune artistique fut immense. Prisé des Grands pour l'érudition et le charme de sa conversation, il joue également un rôle diplomatique important à son époque et jouit d'une position sociale sans égale chez les artistes de son temps. 

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John Craxton (1922-2009) - Three Sailors

 

John Craxton (1922-2009) 

Three Sailors 

Tate London  

John Leith Craxton  était un peintre anglais du 20e siècl, membre de la Royal Academy qualifié de  "néo-romantique" mais qui préférait se définir lui même comme une "sorte d'Arcadien".
En 1939, il  part  étudier l'art  à l'Académie Julian et à l'Académie de la Grande Chaumière à Paris, jusqu'à ce que le déclenchement de la guerre lui impose de revenirà Londres, où il termine ses études  à la Westminster School of Art et à la Central School of Arts and Crafts.

Sa première exposition personnelle a lieu à Londres en 1942 au Swiss Cottage Café, et sa première grande exposition aux Leicester Galleries en 1944.  Après la guerre, il voyage beaucoup  en Europe, et  tombe amoureux  de la  Grèce,  et en particulier de la Crète où il séjourna très fréquemment de 1946 à 1966. En 1970 il décide de vivre entre la  Crète et Londres, son amour pour la Crète le conduisant à y exercer les fonctions de consul honoraire britannique.

Il travailla beaucoup pour  Covent  Garden  notamment sur le ballet Daphnis et Chloé du Sadler's Wells Ballet (The Royal Ballet) et en 1968 aux décors et costumes de l' Apollon d'Igor Stravinsky à la Royal Opera House. Son travail fut également publié dans des magazines tels que New Writing, Horizon...   Le Fitzwilliam Museum de Cambridge a organisé une exposition retrospective de son travail entre décembre 2013 et 21 avril 2014.

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François Boucher (1703-1770) - Académie d'homme nu assis représentant Mars

François Boucher (1703-1770)

Académie d'homme nu assis représentant Mars

Collection privée (via Christie's)

Le peintre français François Boucher, représentatif du style rococo fut un maître particulièrement prolifique, qui aborda tous les genres : peinture religieuse, sujets mythologiques, scènes rustiques, paysages, animaux, décorations de monuments et de maisons particulières, modèles de tapisserie. C’est peut-être le plus célèbre peintre et artiste décoratif du XVIIIe siècle. Il estimait lui-même, un an avant sa mort, avoir produit plus de 10.000 dessins, mais trouvait encore le temps de travailler dix heures par jour à des représentations idylliques et voluptueuses de thèmes classiques, mythologiques et érotiques, d’allégories décoratives et de scènes pastorales. Il était peintre de la cour de Louis XV et le favori de la marquise de Pompadour, dont il a peint plusieurs portraits. Boucher ne chercha pas à reproduire la réalité. C'était un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillants, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Sa prédilection pour les nus féminins lui vaut, de son vivant, le surnom de « peintre des Grâces » que l'on railla assez facilement en "peintre des grasses" par allusion aux formes avantageuses de ses modèles !... mais il dessina aussi quelques magnifiques nus masculins comme celui-ci...

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Job Berckheyde (1630-1693) - Le boulanger sonnant le pain

 

 
Job Berckheyde (1630-1693)

Le boulanger sonnant le pain
Collection Privée

Job Berckheyde a beaucoup peint de boulangers et en particulier de boulanger sonnant le pain !

 Le boulanger sonnant du cornet, appelait les habitants pour qu’ils amènent leur pâte à cuire au four. Les fours avaient comme les lavoirs une importante fonction sociale. Chaque famille apportait la farine ou la pâte qu'elle avait pétri, d'où la sociabilité de la communauté d'habitants auptour de ces fours.

Job Adriaensz Berckheyde était un peintre néerlandais de l'École hollandaise du XVIIe siècle né let mort à Haarlem. Il fut le tuteur et le premier maître de son frère cadet de 8 ans, Gerrit, célèbre pour ses peintures des canaux et de l'hôtel de ville d'Amsterdam. Il traversa ensuite avec son frère l'Allemagne et se srendirent ensemble à Bonn, Cologne, Mannheim avant de s'installer à Heidelberg, dans le Bade-Wurtemberg, où ils se firent engager au service du Comte palatin du Rhin Charles-Louis Ier, comme peintre de cour. Ils retournèrent en 1660 dans leur ville natale Haarlem. 

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MPS n°3 - MEN PORTRAITS SERIES - VAINS ÉLÉGANTS

MPS n°3 - VAINS ÉLÉGANTS

Le  magazine gratuit 
MPS (Men Portraits Series) est consultable en ligne en cliquant sur

 sur ISSUU ou - sur YUMPU 

Version française : MPS n°3 / VAINS ÉLÉGANTS

 

Dans ce troisième magazine en ligne  MPS - MEN PORTRAITS SERIES,  une vingtaine de portraits  masculins regroupés autour du thème de l’élégance, de sa nécessité et de la vanité d’être élégant. Comme les précédents numéros,  ce numéro 3  gratuit peut constituer une documentation en ligne intéressante pour les étudiants en Histoire de l'art,  Histoire de la mode et du costume ou simplement pour les passionnés d'Histoire en général. Si vous utilisez les documents, merci de mentionner la provenance et éventuellement le  lien  de ce N° 3. 

Merci et bonne lecture.
On  peut agrandir chaque page (notamment pour la lecture )en cliquant simplement 2 fois sur la  page souhaitée.

 

 

 

 

Albrecht Dürer (1471-1528) - Portrait d'un jeune homme de 18 ans

Albrecht Dürer (1471-1528)

Portrait d'un jeune homme de 18 ans, 1503

Collection privée 

Les spécialistes recensent un bon millier de dessins de Durer.
Certaines de ses études sont aquarellées.
« L'art d'Albrecht Dürer marque l'apogée de la peinture à la sortie du Moyen Âge. Sa maîtrise absolue du dessin rigoureux et d'une coloration sensuelle fascinent aujourd'hui comme de son temps »  

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Eric Kennington (1888-1960) - Stoker Gill of HMS Exeter

Eric  Kennington (1888-1960) 

Stoker Gill of HMS Exeter, 1940 

Private collection 

Le peintre et sculpteur britannique Eric Kennington  a été artiste de guerre officiel lors des deux Guerres mondiales. En tant que tel, Kennington s'est spécialisé dans les représentations de la vie quotidienne des soldats  des aviateurs et des marins. Dans l'entre-deux-guerres, il a principalement travaillé sur des portraits et un certain nombre d'illustrations de livres.
En  juin et juillet 1918, une exposition de l'œuvre de Kennington, The British Soldier  a lieu à Londres et  lui apporte le succès critique et la reconnaissance du public
Mais Kennington n'est pas satisfait de ses relations avec le Ministère de l'Information britannique , qui  censureses peintures. Il démissionne alors de sa commission d'artiste de guerre.
En novembre 1918, Kennington est mandaté par le Canadian War Memorials Scheme pour représenter les troupes canadiennes en Europe. Il retourne ainsi en France en tant que premier lieutenant temporaire attaché au 16e bataillon (canadien écossais). Les huit mois passés par Kennington en Allemagne, en Belgique et en France, travaillant pour les Canadiens, lui ont permis de produire 70 dessins.

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Ignaz Gaugengigl (1853-1922) - Portrait d'un homme et son chien

 

Ignaz  Gaugengigl (1853-1922)

Portrait d'un homme et son chien 

Collection privée 

Ignaz Michael Marcel Gaugengigl  était un peintre et graveur germano-américain, spécialisé dans les portraits et les peintures historiques. Après ses études scolaires,  il fut élève  à l' Académie des Beaux-Arts de Munich où il  étudia avec Johann Leonhard Raab et Wilhelm von Diez.
En 1880, il rend visite à sa sœur à Boston et décida de s'y installer lui-même. Il s'intègra rapidement à la vie culturelle de la ville et devient un ami de Sylvester Koehler , le premier conservateur d'estampes du Boston Museum of Fine Arts.  Il fut connu comme le " Meissonier de Boston", en raison de ses nombreux portraits des " Brahmanes de Boston " et de leurs familles, et était l'un des fondateurs de la Guilde des artistes de Boston.  Il peignit beaucoup d'hommes en compagnie de leur chien. La plupart de ses œuvres font partie de collections privées.

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Joseph Blanc (1846-1904) - Nu aux pistolets

 

Joseph Blanc (1846-1904)  

Nu aux pistolets, 1871 

Pierre noire et craie blanche 55,6 x 38,2 cm

Galerie La Nouvelle Athènes, Paris

 Note à propos de cette oeuvre :
"Dans le coin supérieur droit de sa feuille, l’artiste a esquissé une figure masculine acéphale. Sans doute réalisée au cours d’une séance d’après le modèle vivant, sa pose s’inspire de celle d’un antique ou de l’un des ignudi de Michel-Ange. Cette première étude modeste, laissée inachevée, est reprise sur le reste de la feuille pour en occuper toute la surface. Jambes croisées, l’éphèbe nu, assis sur un bloc d’atelier, tourne la tête vers la droite. Tracée à la pierre noire, sa physionomie athlétique relevée de craie blanche semble s’échapper de la feuille tel un trompe-l’œil de bas-relief. Le dessinateur quitte l’exercice en armant son modèle de deux pistolets et d’une épée qui lui donne des airs de corsaire. Devenu œuvre, le dessin est dédicacé à « Mon ami Thomas ». Le destinataire doit être le lauréat du grand prix d’architecture, Albert-Félix-Théophile Thomas (1847-1907).  Arrivé à la Villa Médicis en 1871, le jeune architecte peut se lier à Joseph Blanc qui effectue sa dernière année de pensionnat à Rome."

 Joseph Blanc, principalement connu pour ses peintures d'histoire fut l'élève d'Alexandre Cabanel à l'École des beaux-arts de Paris. Il obtint le prix de Rome en peinture de 1867 pour Le Meurtre de Laïus par Œdipe. Il accueillit de nombreux  élèves dans son atelier à Montmartre avant d'être nommé professeur à l'École des beaux-arts de Paris en 1889. Il peignit des sujets religieux, mythologiques, historiques, et réalisa des portraits d'hommes politiques tels que Clemenceau, Gambetta ou Paul Bert.  Devenu l’un des principaux peintres décorateurs de la IIIe République, c’est à lui que l’on confie la réalisation des cartons pour l’immense céramique qui orne encore aujourd’hui la façade du Grand-Palais inauguré pour l’Exposition universelle de 1900.I l participa aussi à  la décoration du Panthéon où l'on peut voir  son  Vœu de Clovis à la bataille de Tolbiac,  son Baptême de Clovis et son Triomphe de Clovis. Il participa aussi à la décoration de l'Opéra-Comique et l'Hôtel de ville de Paris.

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Aleksander Gierymski (1850-1901) - Paysan de Bronowice

 

Aleksander Gierymski (1850-1901) 

Paysan de Bronowice, 1893

Musée national de Cracovie 

Alexandre Gierymski est un peintre polonais, représentant du réalisme en peinture, pionnier de l’impressionnisme
 Les années 1879-1888, qu’il a passées à Varsovie, représentent la plus importante période créative de Gierymski. À cette époque, il se joint à un groupe de jeunes écrivains et peintres du positivisme qui publient dans l’hebdomadaire "Wedrowiec" (Le Pèlerin). Le rédacteur en chef, responsable artistique, était Stanislaw Witkiewicz qui luttait pour la reconnaissance par le public de l’œuvre de Gierymski.
Malgré son tempérament tourmenté, Alexandre Gierymski voit le monde avec le regard détaché du naturaliste. Bien qu'il ait passé les dernières années de sa vie en hôpital psychiatrique, il nous a laissé une œuvre exceptionnelle. Ses tableaux reflètent le réalisme, comme chez Gustave Courbet, et n'évitent pas les thèmes de la vie de gens ordinaires.

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George Lance (1802-1864) - Self Portrait

 

George Lance (1802-1864)
Self Portrait, 1830
Private collection  

Bien que George Lance ait montré une prédilection pour l'art dès son jeune âge, il a été envoyé pour travailler ,dans une usine à Leeds alors qu'il n'avait que 14 ans.  Ce jeune adolescent livré à lui même se mit   un jour à errer dans le British Museum. Lors d'une de ses promenades muséales il rencontra  le peintre Charles Landseer, qui au cours d'une conversation lui apprit qu'il  était un élève de Benjamin Haydon. Fasciné par ce peintre, le jeune Lance se rendit dès le lendemain de cette conversation  devant la résidence de Haydon qu'il interpella au sortir de chez lui pour lui demander de devenir élève. Haydon, un peu surpris par le jeune age de son interlocuteur répondit que si ses dessins étaient assez bons, il lui donnerait ses cours gratuitement  Peu de jours après, Lance entra dans l'atelier de Haydon et y resta sept années, tout en continuant à étudier dans les écoles de la Royal Academy. Principalement peintre de natures mortes spectaculaires, il commença à exposer à l'age de 22 ans en 1824, notamment à la British Institution  avec A Fruit Boy et à la Society of British Artists The Mischievous Boy and Two fruits. En 1828, il exposa pour la première fois  à la Royal Academy. montrant une autre de ses grandioses natures mortes.
Pendant sa vie il peignit 135 toiles sans compter les 48 qu'il destina à  la Society of British Artists, et les 38 de la Royal Academy.
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Le Tintoret (1518-1594) - Etude d'homme nu allongé et reprise du bras

 

Robusti Jacopo  dit Le Tintoret (1518-1594)
Etude d'homme nu allongé et reprise du bras

papier gris

, 

pierre noire

, 

rehauts de gouache

papier gris

, 

pierre noire

, 

rehauts de gouache

 Musée du Louvre, Paris

 Dès ses premières œuvres (à la fin des années 1530 et durant les années 1540), Le Tintoret s’intéresse aux courants maniéristes toscan, romain et émilien, diffusés à Venise par des artistes comme Sansovino, Salviati et Schiavone. Il a une grande admiration pour Michel-Ange qui l’a influencé dans sa technique du dessin et dans sa manière de dépeindre le canon humain dans sa peinture, souvent décrit comme sculptural.

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Gustave Roud (1897-1976) - Série " Travaux et fêtes"

 

Gustave Roud (1897-1976) 

Série " Travaux et fêtes"  

André Ramseyer à terre, battu par un lutteur à la culotte, 1940-1960

Fond photographique Gustave Roud, Lausanne

Gustave Roud  un des principaux auteurs francophones de Suisse, est principalement connu pour ses proses poétiques. Depuis quelques années cependant, son activité de photographe apparaît également au premier plan : Gustave Roud est ainsi considéré comme l’un des grands écrivains-photographes européens de l’entre-deux-guerres et de l’immédiat après-guerre.

Loin d’être simplement un écrivain qui illustrerait sa démarche littéraire, Gustave Roud a eu une activité photographique intense dès l’âge de 16 ans jusqu’à la fin de sa vie, bien que celli ci n'ait jamais été exposée de son vivant. Malgré des expositions posthumes au Centre Beaubourg (Paris) et au musée de l’Elysée (Lausanne), ainsi que la publication d’un catalogue (Terre d’ombres, Slatkine, 2002), son statut de photographe est longtemps resté en marge de la littérature, selon la volonté d’ailleurs de Philippe Jaccottet qui a géré son œuvre après sa mort. Pourtant, Gustave Roud a conservé et transmis son travail abondant, accompli avec détermination et rigueur.
Les photos diffusées sur ce blog pour aider à la connaissance de ce grand photographe, appartiennent au Fonds photographique Gustave Roud, déposé à la Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne par Françoise Subilia, et qui comprend 13.000 clichés divisées en 5 séries dont les séries "Travaux et fêtes " et  "Corps de Paysans"

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Joseph Ducreux (1735-1802) - Autoportrait baillant

 

Joseph Ducreux (1735-1802)

Autoportrait baillant, 1783

Collection privée 

Ducreux a commencé à étudier son art avec son père, peintre également. А Paris en 1760, il travaille avec Maurice Quentin de La Tour, spécialiste du portrait mais c'est Jean-Baptiste Greuze qui a l'influence la plus importante sur sa technique pictural . Spécialiste du portrait, Ducreux a pour modèles de ses premiers pastels : Pierre-Jean Mariette, le Comte de Caylus. Ces œuvres sont souvent des copies d’après Georges de La Tour. Ses autoportraits bien connus de la fin des années 1780 montrent son intention de rompre avec la tradition et son intérêt pour ce que l'on appelle alors la physionomie, une pseudo-science se basant sur le visage de quelqu’un pour définir son caractère et sa personnalité. C'est ainsi que Ducreux tente de capturer et de rendre la personnalité de ses modèles.
En 1769, Ducreux est envoyé à Vienne pour peindre Marie-Antoinette avant qu’elle ne quitte son pays natal pour épouser Louis XVI. Fait baron, il devient le premier peintre de la Reine en remerciement des services rendus a la souveraine et bien qu’il ne soit pas membre de l’Académie royale de peinture.
La Révolution française le contraint à s’installer а Londres, où il dessine les derniers portraits de Louis XVI juste avant son exécution. De retour а Paris en 1793, Jacques Louis David s’associe à lui et l’aide à poursuivre une carrière officielle. La résidence de Ducreux devient un salon informel où les artistes se font portraiturer. Ducreux a également joué un rôle politique important du fait du carnet d'adresses considérable qu'il possédait en tan que peintre de France mais aussi de la cour d’Allemagne et celle d’Angleterre. Il a connu les personnages marquants de son époque et a laissé des documents précieux pour les historiens.
Ducreux était aussi célèbre pour avoir le caractère le plus irascible du monde et pour être presque constamment en colère. L’habitude qu’avait ce peintre de refaire souvent son autoportrait, dans des attitudes différentes, lui facilita sans doute le talent de saisir si bien l’expression des physionomies. Son autoportrait connu sous le nom du Moqueur est son plus remarquable.

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Achille-Etna Michallon (1796-1822) - Etude de nu

 

Achille-Etna Michallon (1796-1822)

Etude de nu

 Collection privée 

Achille-Etna Michallon est le fils du sculpteur Claude Michallon (1751-1799). En 1817, il est le premier lauréat du prix de Rome de paysage historique, institué en 1816 à l’instigation de Pierre-Henri de Valenciennes, dont il est l'élève. Il étudie également dans l'atelier de Jacques-Louis David. Antoine Guindrand est son élève, ainsi que Jean-Baptiste Camille Corot qui reprit de son maître l'attachement à la lumière, la construction de l'espace et le refus de l'anecdotique.
En 1808, un riche prince, Nikolaï Borissovitch Ioussoupov (1750-1831), tombe en admiration devant un tableau de Michallon dans l'atelier de David, le surnomme le « petit Poussin » et lui octroye une pension jusqu'au désastre de Moscou qui réduisit la fortune du prince. Désireux d'emmener son jeune protégé en Italie pour lui en faire découvrir les trésors, il se voit opposer un refus de sa mère le trouvant trop jeune pour cette expédition.
Son prix de Rome lui vaut une commande officielle pour la Galerie de Diane à Fontainebleau : La Mort de Roland. De retour en France en 1820, il ouvre son propre atelier, où il compte Corot parmi ses élèves, avec lequel il se rend en forêt de Fontainebleau peindre sur le motif. Bien que peintre néo-classique, Michallon est considéré comme l'un des précurseurs de l'Ecole de Barbizon. Lors d'un retour d'un séjour à Marlotte, s'étant rendu aux jardin des Plantes pour étudier un cèdre, il se sentit saisit par un mal de gorge qui bientôt descendit sur la poitrine. La mort l'emporta dans la nuit du 23 au 24 septembre 1822. La duchesse de Berry et le vicomte Alexandre-Émile Lespine étaient ses plus fervents admirateurs. La succession de la princesse Louis de Croÿ et du vicomte Lespine est une source d'information sur les œuvres de cet artiste.

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Sulpice Guillaume Chevalier dit Paul Gavarni (1804-1866) - Farniente

 Sulpice Guillaume Chevalier dit Paul Gavarni (1804-1866)

Farniente 

Aquarelle, dessin à la plume, mine de plomb, gouache  

Musée du Louvre, Paris 

Ses séries lithographiques (Les Enfants terribles, Fourberies de femmes) et ses dessins en font un observateur moqueur, parfois amer, de la société parisienne sous Louis-Philippe et le Second Empire. Il rejoint en cela les Goncourt, qui l'admiraient, et avec lesquels il était très lié.
Gavarni s'était fait une spécialité de l'illustration du Carnaval de Paris, à tel point que, parlant de cette fête, un journal écrivait, plus de vingt ans après la disparition de l'artiste : " Le mot de Gavarni semble de plus en plus juste. – Le carnaval ! disait-il, ça n'existe pas, c'est moi qui l'ai inventé à raison de cinquante francs le dessin ! "
Au nombre de ses œuvres, Gavarni publia en 1848 un recueil de gravures intitulé : Les Débardeurs. Dans sa préface, P. J. Stahl (pseudonyme de Pierre-Jules Hetzel) écrit : Le débardeur, en effet, a un second père ; ce père, c'est Gavarni, par qui le carnaval, cette réalité souvent grossière, brutale et licencieuse, est devenu une folie charmante, une comédie pleine de sel et parfois de raison, une illusion gracieuse, une image enfin et un portrait dont tout le défaut est d'être supérieur en tout à son modèle, qui s'efforcerait en vain de l'égaler. Le débardeur était un personnage typique du Carnaval de Paris : une femme ou une jeune fille vêtue d'un débardeur ou pantalon de préférence très moulant.
Gavarni a été critiqué par Charles Baudelaire, qui le cite dans son poème L'Idéal paru en 1857 dans Les Fleurs du mal : « Je laisse à Gavarni, poète des chloroses. Son troupeau gazouillant de beautés d'hôpital, Car je ne peux trouver parmi ses pâles roses. Une fleur qui ressemble à mon rouge idéal. »

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