Raymond Voinquel (1912-1994) - Le comédien Jean Marais

 

Raymond  Voinquel (1912-1994)

Le comédien Jean  Marais,  1938

Collection privée 

Raymond Voinquel est un photographe de plateau français,  Ayant un grand sens de l'éclairage, il travaille de 1931 à 1977 sur 160 films, dont ceux de Marcel Carné, Henri Decoin, Jean Cocteau, Yves Allégret, Max Ophüls, Jean-Pierre Melville, Luis Buñuel, Renoir, Marcel L'Herbier, Alfred Hitchcock…
Il collabora  aussi et surtout avec le Studio Harcourt de 1930 à 1970.
Il réalisa des séries de photographies de nu masculin homoérotiques. En 1941, il photographia des sportifs au stade de Bordeaux. En 1940, il eut le projet d'illustrer Narcisse, un poème de Paul Valéry. Louis Jourdan et Jean Marais posèrent nus pour lui.
En 1962, il illustra Les Amants de Teruel.

 

Mais d'après Florent Barbarossa , elle serait une variante de celle réalisée en 1937 par Horst et reproduite dans le catalogue du musée de la vie romantique " Hommage à Jean Marais" (1999). Ce même décor se retrouve dans le portrait de Schiaparelli par Horst.... 

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Hendrik Goltzius (1558-1617) - Tantale

 

Hendrik Goltzius (1558-1617)

Tantale

Série des Quatre Disgraciés (Tantale, Ixio, Icare et Phaéton)

d'après Cornelis Cornelisz van Haarlem.

National Museum of Serbia

Hendrik Goltz ou Hendrick Goltz, connu sous la forme latinisée de son nom, Goltzius est un dessinateur, peintre et graveur néerlandais (Pays-Bas espagnols puis Provinces-Unies).
Ses gravures, très prisées, issues de ses propres dessins ou transposant les œuvres de ses contemporains, contribuèrent efficacement à la diffusion du maniérisme en Europe.
Conscient de la valeur de son art et animé de la volonté d'indépendance propre aux créateurs passionnés et désintéressés, Goltzius adopta pour devise Eer boven Golt, ce qui signifie littéralement « l'honneur est au-dessus de l'or » ou, par jeu de mot, « l'honneur est sur Golt[z] ».

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Alma-Tadema Lawrence (1836-1912) - Potier romain

 

Alma-Tadema Lawrence (1836-1912) 

Potier romain 

Huile sur toile, 1884 

Musée d'Orsay, Paris

Lawrence Alma-Tadema naît dans une famille néerlandaise aisée. Son père, notaire de profession, meurt en 1840. Très tôt, l'enfant montre de grandes dispositions artistiques qu'il développe en dessinant et peignant, de même qu'un grand sens de la méthode. Ainsi, en 1851, il peint un portrait de sa sœur qu'il numérote Op. [Opus] I, une pratique qu'il gardera tout au long de sa vie, sa dernière toile portant le numéro Op. CCCCVIII.

En 1862, il se rend à Londres pendant l'Exposition universelle. Lorsqu'il visite le British Museum, il est très impressionné par la collection d'objets égyptiens et particulièrement par la frise du Parthénon, ce qui influencera considérablement son œuvre par la suite.

En 1863, il épouse une Française, Marie Pauline Gressin de Boisgirard, et découvre l'Italie lors de leur voyage de noces. Alors qu'il avait prévu d'y étudier l'architecture des églises primitives, il tombe sous le charme des ruines de Pompéi. Il en rapportera une impressionnante collection de photographies (plus de 168 albums) qui lui servira de documentation pour se

s toiles à venir, représentant pour la plupart des scènes de la vie courante durant l'Antiquité. Plus tard, sa grande habileté à reproduire l'architecture antique lui vaudra le surnom de « peintre du marbre ».

 De retour d'Italie, il s'installe à Paris où il rencontre le célèbre marchand d'art belge Ernest Gambart , qui l'encourage dans la voie qu'il a choisie et lui commande une vingtaine de toiles pour sa galerie londonienne. Le succès est immédiat.

Craignant une invasion prussienne, il quitte la France — comme Claude Monet et Camille Pissarro — et s'installe à Londres en 1870. Il se remarie avec une de ses élèves, Laura Epps (1852-1909), et en 1873, devient sujet britannique.

Les expositions se succèdent, lui assurant un immense succès, aussi bien en Europe qu'aux États-Unis ou en Australie, pays où de nombreux prix lui sont décernés.

En 1876, il devient membre de l'Académie Royale, et en 1899, il est anobli par la reine Victoria.

Il est inhumé dans la cathédrale Saint-Paul de Londres.
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Charley Garry (1891-1973) - Mineur et marteau piqueur

 

Charley Garry (1891-1973)

Mineur  et marteau piqueur 1945.

Fresque minière

Plafond du Carreau de Faulquemont

Houillères du Bassin de Lorraine

Charley Garry (1891-1973) a été élève voire enseignant à l’Ecole des Beaux-arts de Paris, d’après le registre matricule des peintres-sculpteurs de l’école, période1894-1925. Il a été le disciple de Gabriel Ferrier, de François Flameng et de Jules Adler. Flameng a réalisé, en 1897, le premier billet de 1 000 francs imprimé en quatre couleurs par la Banque de France, mais jamais émis.
Garry est surtout connu aujourd'hui pour avoir décoré de scènes africaines les plafonds de la Brasserie Lipp, classée par les Monuments historiques, dans le sixième arrondissement de Paris.
Charley Garry est également référencé au Musée des Arts premiers, quai Branly qui conserve une de ses œuvres : Scène de marché à Brazzaville.
Mais il a surtout présenté dans les salons parisiens « de provocants tableaux de femmes qui ont pour titre : Brise, Jazz, Tango, La Combinaison noire, Volupté, Intimité, Eve  " fait remarquer Lynne Thornton dans son livre “ Les Africanistes, peintres voyageurs : 1860-1960 ” . 
Garry l’Africain,  comme on le surnomma un temps fut lauréat du prix de l’Afrique équatoriale française en 1921 et subit des  critiques acerbes  pour ses toiles qualifiées de libertines qui furent  classées sans s'embarrasser de plus de référence dans la production des peintres libertins, une sous-catégorie assez méprisée au 20e siècle sauf de quelques grands collectionneurs comme le patron de presse Daniel  Filippachi, par exemple.  
C'était oublié sa grande fresque minière en 5 tableaux conçu pour le Carreau de Faulquemont dans les Houilleres de Lorraine, devenu aujourd'hui le siège du Centre Raymond Bard, centre de formation des Travaux publics. La fresque est classée...

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Georges-Daniel de Monfreid (1856-1929) - Portrait de René Andreau

Georges-Daniel de Monfreid (1856-1929)

Portrait de René Andreau en 1895

Collection privée 

René Andreau (1970- 1945) était un peintre post impressionniste français,  élève de Joseph Blanc et de Gustave Courtois. Il exposait régulièrement au Salon de la Société Nationale des Beaux Arts à Paris, dont il fut nommé associé en 1897 et sociétaire en 1914. Il avait obtenu une mention honorable à l'Exposition Universelle de 1900. Il y exposait encore en 1938.  Dans sa jeunesse il a beaucoup peint les paysages de la région du Wissant dans le Pas-de-Calais et aussi de la Bretagne, particulièrement de Concarneau. Comme ce fut souvent le cas dans la suite de l'impressionnisme, Andreau fut particulièrement sensible aux variations apportés au paysage par les changements de temps, de saisons, par exemple: Impressions du soir à Wissant en 1897, ou  Soir dans le Pas-de-Calais 1901. Il était proche de Georges Daniel de Monfreid.

George-Daniel de Monfreid était un peintre et collectionneur d'art français. Né à New York, il a passé son enfance dans le sud de la France. Très tôt, il décide de faire carrière dans l'art et s'inscrit à l'Académie Julian. Il se lie d'amitié avec Paul Gauguin, Paul Verlaine et Aristide Maillol. Au début, son travail était impressionniste et néo-impressionniste, mais son groupe proche des Nabis a poussé son style en direction de Gauguin.
Il était également collectionneur d’art et mécène. Avec Gustave Fayet, il fut l'un des premiers collectionneurs des œuvres de Gauguin au moment de son exil dans le Pacifique. Il était également l'un des premiers biographes de Gauguin. Il a également été influencé par le cubisme de Pablo Picasso en fin de carrière.
Il était le père de l'écrivain français Henry de Monfreid (1879-1974).
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Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) - Portrait du musicien italien Manelli

  

 Maurice Quentin de La Tour (1704-1788)

 Portrait du musicien italien Manelli

Collection particulière.

Francesco Manelli  dit Mannelli (c. 1595 - 1667) était un compositeur baroque romain, en particulier d'opéra, et un joueur de théorbe. Il fut surtout connu pour avoir apporté l'opéra "commercial" à Venise avec un autre compositeur romain, Benedetto Ferrari. Les deux premières œuvres qui furent commercialisées au Teatro San Cassiano,en 1637 et 1638, étaient  toutes deux de Manelli  : Il s'agissait de  L'Andromeda et de La Maga Fulminata.
Francesco Manelli a longtemps été confondu avec le frère franciscain Giovanni Battista Fasolo, en raison des ressemblances entre la cantate Luciata de Manelli et le dialogue de Fasolo Il carro di Madama Lucia (1628) et le texte partagé de la première pièce des deux collections. Dans une comparaison des deux cantates, la version de Fasolo  est "langoureuse et mélancolique", tandis que la version de Manelli est "fougueuse et mordante". [ Quoiqu'il en soit l'œuvre de Manelli n'est aps passé a la postérité sauf à travers quelques morceaux de bravoure écrit pour les Castrats en vogue à l'époque.



Le style du portraitiste pastelliste français  Maurice Quentin de La Tour est facilement identifiable. Généralement traité en grand format, le sujet est bien placé dans la lumière, toujours de façon à estomper les disgrâces, toujours le coin des lèvres relevé pour évoquer un sourire. Le regard est toujours franc et les carnations parfaites dans leurs teintes et leurs nuances. Sa technique évoluera peu, plus ou moins estompée selon les périodes. Un élément important de sa méthode est la préparation du portrait qui se fait par des croquis rapides au pastel, généralement en série, destinés à trouver le cadrage et l'éclairage qui met le mieux en valeur son sujet.
La série des préparations pour le portrait de la Pompadour est édifiante de savoir-faire. Souvent seules ses préparations sont conservées.
De même ses thématiques sont récurrentes : lui-même (série continue d'autoportraits), les grands de ce monde, les artistes et comédiens, les religieux et intellectuels. Parmi les portraits célèbres de Maurice Quentin de la Tour, on citera : Voltaire, Louis XV, D’Alembert, Jean-Jacques Rousseau, la dauphine Marie-Josèphe, le Prince François-Xavier de Saxe, le Prince Clément-Wenceslas de Saxe, Madame de Pompadour, Marie-Christine de Saxe, Choderlos de Laclos, Grimod de La Reynière, Belle de Zuylen, Justine Favart, etc..
Lors des nostalgiques retours en grâce du siècle des Lumières, de La Tour sera recherché par les plus grands collectionneurs (Wildenstein, Gulbelkian, Getty, etc.)
À la fin du 19e siècle, beaucoup de pastels lui étaient aveuglément attribués, ce qui  fait que beaucoup de faux de La Tour ou de faussement attribués circulent encore de nos jorus. 
Indépendamment du personnage représenté, les portraits de de La Tour virent leur valeur fluctuer considérablement. Payés des fortunes de son vivant, ils devinrent invendables après la Révolution.
Il n'en reste pas moins vrai que la grande rétrospective, organisée à Versailles en 2004 pour le 300e anniversaire de sa naissance, a mis en évidence une remarquable cohérence stylistique et une incontestable maîtrise technique, qui le placent au premier plan de l'art européen sous Louis XV.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Male Nude

 

Paul Cadmus (1904-1999)
Male Nude, 1986
Crayon on green paper
Prviate collection

Paul Cadmus  est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçut de nombreuses commandes.

Dans les années 1960, son œuvre révèla plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évolue vers le réalisme magique.

Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté (ci dessus), et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Agathon Karl Theodor Fabergé (1876-1951) - Self-Portrait

 

Agathon Karl Theodor Fabergé (1876-1951) 

Self-Portrait, 1918

Private collection

Agathon Carl Theodor Fabergé  était un orfèvre et philatéliste russe,  fils de Pierre Karl Fabergé, qui se rendit notamment célèbre avec les oeufs miniatures fabriqués pour Alexandre III et Nicolas II de Russie, qui les offraient à leurs épouses respectives, Maria Feodorovna et Alexandra Feodorovna1, pour la  Pâques russe.  Sur les 54 réalisés, 7 ont été perdus,  2  ont été créés mais non livrés, en l'occurrence les œufs Constellation  et Bouleau de Carélie  crées pour l'année 1918.
Agathon Carl Theodor Fabergé ou Agathon Karlovich a fait ses études à la Petrischule allemande de Saint-Pétersbourg et au département commercial du gymnase de Wiedemann. En mai 1895, il rejoint l'entreprise de son père " La Maison Fabergé ". Dans les années 1900-1910, avec son père et son frère, Evgeny Karlovich,  il dirigea l'entreprise. A partir de 1898, devient un expert de la Diamond Room dans le Palais d'hiver.
Aynat quitté  la Russie après la révolution bolchevique, Agathon Carle Theodor Fabergé constituéa ensuite  une importante collection de timbres russes Zemstvo.
Il est décédé à Helsinki , en Finlande  le 20 octobre 1951 et  a été enterré dans la tombe familiale au cimetière de Hietaniemi.

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Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Sailors, 1920

Pavel Tchelitchew (1898-1957)

Sailors, 1920

Private collection

D'origine aristocratique, Pavel Tchelitchew suivit sa famille à Kiev après la révolution de 1917 avant d'émigrer en France en1923. C'est à Paris qu'il fit ses débuts de portraitiste. Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchew réalisa le portrait. C'est chez Gertrude Stein aussi que Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchew présenta ses oeuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York, tout juste ouvert depuis un an seulement.
En 1933, il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).
Tchelitchew acquit la nationalité américaine en 1952. Un peu moins de 150 de ses peintures sont conservées au MoMA à New York.

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Niccolò dell'Abbate (1510-1571) - Jeune homme portant un chapeau avec une plume

 

Niccolò dell'Abbate (1510- 571) 

Jeune homme portant un chapeau avec une  plume (non daté) 

Huile sur toile 105 x 76,5 cm

Collection particulière  (via Sotheby's)

Nicolò dell'Abbate ou Niccolò dell'Abbate ou Niccolo dell'Abate est un peintre italien de la Renaissance tardive qui travailla en Italie et en France.
En 1540 il entre au service des seigneurs de Scandiano, pres de Modène
Entre 1540 et 1543, il décora également la Rocca des princes Meli Lupi à Soragna au nord-ouest de Parme.
 Entre 1548 et 1552,  il travailla ensuite à Bologne au service d'une clientèle fortunée d'ecclésiastiques et de banquiers.
Invité en France en 1552 au service d'Henri II pour seconder Primatice, il y passa le reste de sa vie. Il participa au projet de la galerie d'Ulysse. Il fut un précurseur de Nicolas Poussin et de Claude Lorrain grâce à ses paysages avec des personnages de la mythologie. Il décora la grotte du château de Meudon pour le cardinal de Lorraine.
Nicolò dell'Abbate mourut en 1571 à Fontainebleau.

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Edward Hopper (1882-1967) - Coureurs français des Six Jours

 

Edward Hopper (1882-1967) 

Coureurs français de la Course des Six Jours, 1937

Huile sur toile

Private Collection

Les courses de six jours sont des compétitions de cyclisme sur piste, composées d'un programme mêlant des épreuves cyclistes et des divertissements. Diverses compétitions mettent aux prises des équipes de deux coureurs (ou trois exceptionnellement) pendant six jours, notamment la course à l'américaine (« Madison » pour les Anglo-Saxons), qui reste la compétition principale des Six Jours. L'objectif de la compétition est de parcourir la plus grande distance lors des différentes manches de l'américaine, mais des épreuves annexes comme l'élimination ou la course aux points sont effectuées pour attribuer des points aux équipes.

En 1875, la première course de six jours se déroule dans la ville anglaise de Birmingham. Quatre ans plus tard, la première épreuve a lieu aux États-Unis. Ces courses mettent alors en compétition des coureurs individuels qui courent 24 heures sur 24 pendant 6 jours. Il s'agit d'une épreuve d'endurance et de résistance. en 1899, à New York, la formule évolue ensuite pour mettre en compétition des équipes de deux coureurs dans une formule de relais, un coureur étant en compétition tandis que le partenaire est au repos. En 1909, la première course de six jours en Europe continentale a lieu à Berlin. Au plus fort des années de la Grande Dépression, la course de six jours est l'une des formes les plus populaires de divertissement aux États-Unis car les billets ne coûtent pas cher et les spectateurs peuvent rester toute la journée (ou la nuit) s'ils le souhaitent. Les cyclistes cherchent à captiver l'auditoire, prendre de la vitesse et essayer de gagner des tours quand la foule est la plus nombreuse.

Dans les pays Anglo-Saxons, dont la course de six jours est originaire, ce type d'épreuve est progressivement arrêté. Il faut attendre 2015, pour retrouver la première course de six jours après plus de 50 ans à Londres. Pour la saison sur piste 2017-2018, huit courses de six jours sont encore organisées, dont deux en Allemagne (Brême et Berlin) et en Italie (Fiorenzuola d'Arda et Turin). Depuis 2014 et l'arrêt des Six Jours de Grenoble, aucune épreuve n'est organisée en France. Un total d'environ 1 500 courses ont eu lieu depuis 1899 dans le monde entier.

Par le biais de la course de six jours, la course à l'américaine s'est développée, ce qui a conduit l'Union cycliste internationale (UCI) à l'intégrer au programme des mondiaux sur piste dans une épreuve à part entière en 1995 et lors des Jeux olympiques d'été de 2000, 2004 et 2008 et de nouveau à partir de 2020.

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John Singleton Copley (1738-1815) - Portrait of Benjamin Pickmann

 

John Singleton Copley (1738-1815)

Portrait of Benjamin Pickmann,1758 

Yale University Art Gallery

John Singleton Copley (est un artiste peintre anglo-américain, qui fit la majeure partie de sa carrière à Londres, il est enterré au cimetière de Highgate.

Copley est considéré comme « le meilleur peintre classique de l'époque coloniale ». Il fut élu membre de la Royal Academy (RA) le 9 février 17793.

S'inscrivant dans la lignée de l'école anglaise de peinture, Copley est  aussi l'un des premiers portraitistes américains. Son style combine à la fois les caractéristiques formelles du portrait classique avec une représentation naturelle de la vie quotidienne et une captation de la psychologie du sujet.

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Jean-Antoine Watteau (1684-1721) - Le Savoyard et la marmotte

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Le Savoyard et la marmotte (1716) 

Musée de l'Hermitage, Saint Petersbourg
 

Absolument adulé de son époque par un petit groupe d'admirateurs, auréolé d'une légende romantique au 19e siècle, Watteau demeure  "un accident dans l'Histoire de l 'art" et un inconnu pour la plupart des hommes du 21e siècle, malgré les prix fabuleux atteints par ses toiles ou le moindre de ses dessins. Les biographes se perdent et nous perdent souvent dans les détails assez contradictoires de sa vie, dans l'histoire complexe de ses relations, parfois orageuses, avec ses amis, ses condisciples, ses maîtres et ses protecteurs, complexité qui reflète l'instabilité de son caractère et de son humeur que tous  ses contemporains sans exceptions définissent comme sombre et souvent mauvaise. 

Quant à la chronologie de son œuvre, elle demeure - pour le moins - peu assurée...

Selon l'Encyclopédie Larousse, le nombre de ses toiles est évaluée aujourd'hui à 200 environ, toujours d'un format assez restreint, presque jamais datées et jamais signées, comme la plupart de ses dessins et études préparatoires souvent empreintes de mélancolie et d'inquiétude.

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Ilya Repin (1840- 1930) - Portrait d' Alexander Kerensky

Ilya Repin  (1840- 1930) 

Portrait d' Alexander Kerensky 

Huile sur linoleum 116,2 x85 cm 

Collection particulière

Alexandre Fiodorovitch Kerenski (Александр Фёдорович Керенский) (1881 -1970) était un avocat et homme politique russe, membre du Parti socialiste révolutionnaire. Après la révolution de Février, il occupa différents postes ministériels dans les deux premiers gouvernements du prince Gueorgui Lvov, puis prit lui-même la tête du Gouvernement provisoire, avant d'être chassé du pouvoir par les bolcheviks lors de la révolution d'Octobre.

Il vit les semaines suivantes dans la clandestinité chez des amis avant de pouvoir quitter le pays pour la France au printemps 1918, en passant par Mourmansk, avec l'aide des Britanniques.
Kerenski qui vit à Paris jusqu'en 1940, va être au cœur des divisions et querelles qui divisent les exilés russes à l'étranger car beaucoup d'entre eux, notamment les monarchistes, voient en lui, non sans raisons, le fossoyeur du tsarisme. Toute sa vie, à partir de cet instant, ne sera qu'une longue justification de sa direction du gouvernement provisoire.
Quand les Allemands envahissent la France en 1940, Kerenski doit de nouveau fuir. Il gagne les États-Unis. Installé à New York, il passe la majeure partie de son temps à l'Institut Hoover, où il contribue à la mise en forme et au classement de l'énorme fonds d'archives détenu par ce centre de recherche. Kerenski, un des derniers acteurs des événements de 1917, meurt à New York en 1970, peu après une tentative avortée — en 1968 — de visiter l'URSS. Jusqu'à ses derniers jours, il aura cru que tôt ou tard la « liberté renaîtrait dans sa patrie ». L'Église orthodoxe russe lui refusa l'enterrement chrétien, le considérant comme l'un des principaux responsables de la prise du pouvoir par les communistes. Après ses obsèques, sa famille organisa son inhumation à Londres, au cimetière de Putney Vale.

Dès le début de son activité créatrice, dans les années 1870, Ilya Repin devient une des figures clés du réalisme russe. Il réussit à refléter dans sa production picturale la diversité de la vie qui l'entoure, à embrasser dans son œuvre toutes les dimensions de son époque, à aborder les thèmes qui traversent la société et à réagir vivement à l'actualité . Son langage pictural a une plasticité qui lui est personnelle, et il s'approprie différents styles, depuis celui des peintres espagnols et hollandais du 17e siècle jusqu'à ceux d'Alexandre Ivanov ainsi que des éléments des impressionnistes français qui lui sont contemporains, mais qu'il n'a jamais vénérés.

L'œuvre de Répine s'épanouit dans les années 1880. Il compose alors une galerie de portraits de ses contemporains, travaille comme peintre d'histoire et de scènes de genre.

Selon Vladimir Stassov, l'œuvre de Répine est ainsi une « encyclopédie de la Russie d'après l'abolition du servage ». Il passe les 30 dernières années de sa vie en Finlande, dans sa propriété des Pénates à Kuokkala. Il continue à y travailler, bien que moins intensément qu'avant. Il écrit des mémoires, dont une partie est publiée dans le livre de souvenir «Далёкое близкое» (Loin et proche).

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Hans Leonard Schäufelein (1480-1540) - Portrait of a Man

 

Hans Leonard Schäufelein (1480-1540)

Portrait of a Man (1507) Oil on wood, 46 x 32 cm.

National Gallery, Washington DC (A.W. Mellon Collection)

Hans Leonhard Schäuffelin,  est un peintre et illustrateur du Saint-Empire romain germanique, qui fut aussi ponctuellement graveur.
Hans Leonhard Schäuffelin suivit l’enseignement d’Albrecht Dürer, dont il devint également le collaborateur dans les années 1504-1505 et du style duquel il s’inspira beaucoup (comme  dans le portrait ci-dessus). Il eut un fils, Hans Schäuffelin dit le Jeune qui fut également peintre et dessinateur, mais sa renommée n’atteignit pas celle de son père.
La graphie du nom de l’artiste est très variable. On trouve aussi bien Schauffele que Schäufelein ou Schäuffelein ou Scheifelin ou Schenfelein ou Schenflein ou Schoyffelin

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Gustave Caillebotte (1848–1894) - Périssoire sur lYerres

Gustave Caillebotte (1848–1894)

Périssoire sur lYerres (1878)

Huile sur toile  , 65.7 x 81 cm.

Norton Simon Museum, Pasadena CA.

Entre 1860 et 1879, Gustave Caillebotte passa une partie de ses étés dans la propriété que possédaient ses parents sur les bords de l'Yerres. Là, il s'attacha à peindre des scènes familières de la vie quotidienne. Le thème est celui des plaisirs de l'été, continuant une tradition ancienne en peinture liée aux saisons et aux divertissements, mais adaptée par Caillebotte aux goûts de son époque.
Avec ses "Périssoires", ces fragiles canots à fond plat qu'il peignit beaucoup, il explore un sujet alors à la mode, autant chez les romanciers naturalistes qu'auprès de peintres impressionnistes, Monet et Renoir. L'artiste, nostalgique, choisit de peindre ce que le commun ne regarde plus à force de le voir ; aussi au bord de l'Yerres retrouve-t-il le temps perdu, les jeux de son enfance, une certaine douceur de vivre. Il synthétise dans ce tableau plusieurs actions simultanées et successives. Le cadrage est ici audacieux comme très souvent dans ses tableaux de bord de l'Yerres marqué par l'art photographique que sont frère Martial pratique chaque dimanche.
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Ubaldo Gandolfi (1728–1781) - Il legionario addormentato

 

Ubaldo Gandolfi (1728-1781) 

Il legionario addormentato

Private collection 

Ubaldo Gandolfi est un peintre italien du baroque tardif, appartenant à l'école bolonaise.
Avec son frère Gaetano, Ubaldo Gandolfi fait partie d'une famille d'artistes prolifiques : ses fils Giovanni Battista et Ubaldo Lorenzo, et ses neveux Mauro, Democrito (élève d'Antonio Canova) et sa nièce Clementina furent les derniers représentants de la peinture bolonaise, née deux siècles après les Carracci.
Il a pient des toiles à sujets mythologiques du Palazzo Marescalchi à Bologne, dont deux sont conservées aujourd'hui aux États-Unis, au Museum of North Carolina. Il a laissé de nombreux dessins et sanguines conservées en Italie ou au MET à New York

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René Gruau (1909-2004) - Portrait d'homme

René Gruau (1909-2004)

Portrait d'homme 

Huile sur toile pour  le magazine Vogue (édition américaine) 1948

Collection particulière

Renato Zavagli est né d'un père aristocrate italien, le comte Zavagli-Ricciardelli delle Caminate, et de mère française de l'aristocratie parisienne, Marie Gruau de la Chesnaie. Le couple se sépare alors que Renato Zavagli est encore jeune enfant ; il vit alors avec sa mère à Milan.
Alors âgé de quinze ans en 1924 et abandonnant son idée de devenir architecte, René Gruau — il utilise le nom de sa mère et francise son prénom —, s'installe à Paris et publie son premier dessin de dessinateur de mode sur les conseils d'une rédactrice de mode italienne. Ses dessins paraissent à la suite en Italie, particulièrement pour le magazine de mode Lidel, mais aussi en Allemagne et Angleterre. À l’époque, les magazines utilisent plutôt des illustrations que des photographies.
Dès 1930, il réalise une première illustration pour Balmain.
De 1935 à 1939, sa réputation grandit, il est publié dans Femina, Marianne, Marie Claire, Silhouettes, L'Officiel, le magazine du Figaro, et d'autres publications aux États-unis et en Angleterre.
Durant la Seconde Guerre mondiale, il vit à Lyon puis à Cannes. Alors installé à Cannes, l'année 1946 marque réellement le début du succès, et sa première collaboration avec International Textiles pour lequel il dessina toutes les couvertures jusqu’en 1984.
L'année 1947 marque le début de sa longue collaboration avec Dior avec lequel il participe à lancer le New Look d'après-guerre
L'année suivante, il part aux États-Unis et travaille pour Harper's Bazaar et occasionnellement pour Vogue , puis devient l'artiste exclusif de Flair.
À partir de 1956, il se consacre aux cabarets du Lido (il dessinera pour cet établissement jusqu'en 1994), puis au  Moulin Rouge à partir de 1961, au Casino de Paris, et collabore avec Jacques Fath, l'entreprise Boussac propriétaire de Christian Dior, Eminence, Blizzand (imperméables).
Au cours de sa carrière, ce sont 167 marques de luxe qui utilisent ses illustrations. 
Il collabora également à de nombreux magazines pour les hommes comme Adam, Club ou Sir.
Il dessina aussi des décors et des costumes pour le théâtre.
 Ces années-là marquent la suprématie de la photographie au détriment de l'illustration dans la presse ; René Gruau va alors se spécialiser dans la publicité de mode en plus du théâtre, pour revenir de temps en temps vers le dessin de mode.
De 1950 à sa disparition en 2004 à Rome, celui qui fut surnommé « le dernier survivant des grands illustrateurs de mode» alors même que l'illustration perdait dans les magazines sa prédominance face à la photographie, travailla pour les plus grands noms de la couture d'alors , Balmain, Balenciaga, Givenchy, Rochas tout en continuant les dessins de mode pour Elle, Vogue (éditon française), Madame Figaro, et L'Officiel de la Couture.

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Antonio de La Gandara (1861-1917) - Autoportrait

Antonio de La Gandara (1861-1917)

Autoportrait, à la mine de plomb sur papier.

Collection particulière

On retient aujourd'hui de cet artiste ses portraits mondains, par exemple celui, en pied, de la danseuse et mécène Ida Rubinstein (1913), des vues de Paris et des natures mortes. Quelques œuvres inhabituelles, comme  Don Quichotte et La Belle et la Bête, mais aussi les lithographies d'une grande délicatesse qu'il produisit vers 1895 et 1896,  attirèrent l'attention du public lors des expositions Art nouveau chez Bing.
La Gandara illustra quelques ouvrages littéraires dont Les Danaïdes de Camille Mauclair, l'Aiglon d'Edmond Rostand, et une rare édition des Chauves-souris (1892) du poète Robert de Montesquiou.
Plusieurs ouvrages font figurer en frontispice des portraits de Rouveyre, Jean Moréas, Achille Segard...
Il exposa à Bruxelles, à New York, à Boston, à Saragosse, à Barcelone, à Munich, à Berlin, à Dresde, villes où la critique souligna les qualités de ce peintre qui refusait de se plier aux courants artistiques de son époque.  Il fut néanmoins un témoin exceptionnel de son temps. Un acteur, aussi, pour Edmond de Goncourt, Jean Lorrain, Marcel Proust, André Rouveyre, Guillaume Apollinaire, ou pour le comte de Montesquiou qui le citent dans leurs œuvres.

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George Romney (1734-1802) - Portrait of George Bustard Greaves

 

George Romney (1734-1802)

Portrait of George Bustard Greaves

 Private collection 

George Romney fut un peintre anglais qui fit ses classes chez une portraitiste itinérant, Christopher Steele (1733-1767), comme il en existait au 18e siècle en Angleterre.
George Romney - qui fut un portraitiste très prolifique puisqu'on lui doit pas quelques 5000 portraits, est surtout passé à la postérité pour ses portraits d'Emma Hart, future Lady Hamilton, qu'il peignit sans discontinuer pendant plus de 10 années, laissant ainsi une cinquantaine de portraits d'elle à la postérité !
Sir Joshua Reynolds, le peintre officiel de la "gentry " le considérait comme un rival...

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François-Xavier Fabre (1766-1837) - Personnage nu saisissant un cube de pierre

 

François-Xavier Fabre (1766-1837),

Personnage nu saisissant un cube de pierre, 1787-1792

Dessin au crayon noir avec rehauts de blanc sur papier, 58 x 44 cm 

Musée Fabre, Montpellier

 Né à Montpellier, lauréat du Grand Prix de Rome en 1787 et disciple du grand David, François-Xavier Fabre réalise la majeure partie de sa carrière à Florence, où il réside de 1793 à 1824. Portraitiste, peintre d’histoire et paysagiste, il se distingue par la pureté de son dessin qui doit beaucoup à Poussin comme par son usage raffiné de la couleur. II connaît de son vivant un grand succès auprès d’une clientèle élégante et cosmopolite qu’il croise dans le salon de la comtesse Louise d’Albany et du poète Alfieri, ses plus fidèles et fervents admirateurs. Il est aussi l’un des plus célèbres collectionneurs de son temps et le fondateur du musée qui porte son nom dans sa ville natale, auquel il lègue sa fabuleuse collection. Il fut un artiste brillant et reste un homme fascinant et secret.

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George Bellows (1882-1925) - Stag at Sharkey's

 

George Bellows (1882-1925)

Stag at Sharkey's, 1909

Cleveland Museum of art

А 22 ans, George Bellows se forme chez le peintre new-yorkais Robert Henri. Assez rapidement, ses représentation de la vie quotidienne des habitants des villes américaines et et ses scènes de combats de boxe, toujours très mouvementées, le rendent célèbre.

Bellows appartient au groupe des peintres de la Ash Can School, qui se caractérise par un intérêt marqué pour une peinture très réaliste qui dresse une chronique du quotidien des citoyens et par le media lithographique. L'instantané, la photographie du réel est leur dénominateur commun.
Les œuvres de Bellows, très composées et très structurées brillent par leur expressivité, qu'il s'agisse de la description de faits divers ou de scènes saisies dans les milieux populaires ou marginaux. Toutes illustrent un violence omniprésente dans l'Amérique de la fin du 19e et du début du 20e siècle par laquelle s'expriment les tensions et les ambiguïtés même de la société américaine d'alors. En 1913, Bellows a un véritable choc en découvrant l'œuvre de Matisse et des Fauves et tache de s'en approcher en introduisant une certaine vigueur à sa peinture. Il est aussi influencé par le style dépouillé d'un autre élève de Robert Henri, devenu lui aussi célèbre : Edward Hopper. Il a collaboré au magazine progressiste The Masses. Sa carrière est interrompue brutalement par une péritonite mortelle en 1925. Il a aussi réalisé quelques paysages du Maine et de Rhode Island

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Jean-Urbain Guérin (1760-1836) - Gaspard Noisette

Jean-Urbain Guérin (1760-1836)

Gaspard Noisette

Musée des Beaux arts de Strasbourg 

Fils du graveur Jean Guérin de Strasbourg, Jean-Urbain Guérin reçoit sa première formation de son père, puis de Huin. D'après Prévost et d'Amat, Guérin aurait aussi étudié auprès de Jean-Baptiste Regnault. Il est envoyé dans la capitale avec Jean-Baptiste Kléber, son ami d'enfance. Il y fréquente les Alsaciens de Paris, en particulier Jean-Baptiste Weyler, qui lui conseille de faire une carrière dans l'art de la miniature. Il poursuit son apprentissage auprès de David puis travaille avec Jean-Baptiste Isabey, son cadet de 7 ans, qu'il a connu dans l'atelier de David.
Guérin lui-même mentionne dans son livre de raison qu'il a réalisé, en 1791, le portrait de Georgiana, duchesse du Devonshire, amie de la reine Marie-Antoinette. Cette dernière, dont il fait également le portrait, protègera toujours le jeune artiste. Il peint encore Louis XVI et dessine le portrait de plusieurs députés du tiers-état (1785). Ceux-ci sont gravés quelque temps plus tard par Franz Gabriel Fiesinger.
On retrouve Jean-Urbain Guérin, alors membre de la section des Filles Saint-Thomas de la Garde nationale, devant les Tuileries protégeant à son tour la famille royale contre les sans-culottes lors de la journée du 20 juin 1792. Suspect sous la Terreur, il quitte la France et s'engage dans l'armée de Desaix. Il ne revient qu'en 1798.
Au cours de sa carrière, il réalise le portraits de plusieurs généraux de la République dont celui, maintes fois recopié, de Kléber, son ami d'enfance et de Bonaparte. Il laissera aussi un portrait de Mozart.
Revenu en France sous le Consulat (1798), il entre au service de Joséphine de Beauharnais et expose au Salon jusqu'en 1827.
Jean-Urbain Guérin reste, avec Jean-Baptiste Isabey et Jacques Augustin, un des miniaturistes les plus réputés de son temps. Une anecdote rend compte de l'estime que lui portait le peintre David : « David professait pour ce beau talent une estime particulière. Sur le point de marier une de ses filles, il voulut devoir le portrait de la jeune fiancée au pinceau de Jean Guérin. Celui-ci, justement fier de ce choix, consentit volontiers, mais à condition que le peintre des Sabines poserait lui-même le modèle. Nous n'avons pas besoin de dire que cet ouvrage fut un des meilleurs de l'habile miniaturiste. ».


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Yan Liben (c. 600–673) - L'Empereur Yang de la dynastie Sui

 

Yan Liben (c. 600–673) 

Treize Empereurrs/ Empereur Yang de la dynastie Sui (c. 650-70) 

Encre & couleurs sur soie, 51.3 x 53,1 cm.

The Boston Museum of Fine Arts

Yan Liben / 閻立本 (vers 600-673), dont le nom officiel est Baron Wenzhen de Boling (博陵文貞男), était un peintre chinois et un fonctionnaire du gouvernement au début de la Dynastie Tang.
Parmi ses œuvres notoires, on peut citer le Manuscrit des treize Empereurs, l'Assemblage de textes classiques de la dynastie Qi du Nord ainsi que le Buniantu. Il a également réalisé les portraits du Temple Lingyan  sous le règne de l'Empereur Tang Taizong, commandés en 643 pour commémorer les 24 plus grands contributeurs au règne de l'empereur Taizong, ainsi que 18 portraits commémorant les 18 grands savants qui ont servi l'empereur, quand il était le prince de Qin. Les œuvres de Yan Liben comprennent des portraits de nombreux empereurs chinois de la dynastie Han (202 av-J.C. -220) jusqu'à la dynastie Sui (581-618).
De 669 à 673, Yan Liben fut également chancelier de la dynastie Tang sous le règne du fils de l'Empereur Taizong, l'Empereurr Gaozong (649-683).

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Jean-François Millet - Portrait présumé du peintre Charles Charlier

Jean-François Millet  (1814 - 1875)

Portrait présumé du peintre Charles Charlier (1812-1888)

Collection particulière, Versailles (via Artcurial).

Millet est un peintre réaliste qui a eu une grande influence sur des impressionnistes comme Claude Monet et Camille Pissarro, ainsi que sur Vincent van Gogh, qui a interprété certaines de ses scènes rurales. Son œuvre a également influencé l'autrichien Albin Egger-Lienz.
On connait plus ses tableaux que ses dessins pourtant fort beaux.
Ses tableaux, comme Des Glaneuses (1857), dépeignant les plus pauvres des femmes de la campagne se penchant pour glaner les restes d'un champ moissonné, sont une présentation forte de la classe paysanne qui résonne encore à ce jour. Son Angélus (1858) a été très largement reproduit sur différents objets et supports et copié ou réinterprété par d'autres artistes des 19e et 20e siècles. Salvador Dalí en particulier a été fasciné par ce travail, lui consacrant tout un livre, El Mito Tragico De El Angelus De Millet. Des variations de ce tableau de Millet apparaissent dans plusieurs de ses propres peintures.

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Kazimir Malevitch (1879-1935) - Portrait of shock worker

 

Kazimir Malevitch  (1879-1935)

Portrait of shock worker, 1932.

Private collection 

Kasimir Severinovitch Malevitch (Казимир Северинович Малевич) est un des premiers artistes abstraits du xxe siècle. Peintre, dessinateur, sculpteur et théoricien, Malevitch est le créateur d'un courant artistique qu'il dénomma « suprématisme ».
En 1915, Malevitch peint trois éléments qu'il inclura plus tard parmi les éléments fondateurs du suprématisme : le Carré noir, la Croix noire et le Cercle noir. Maniant des formes simples à caractère géométrique et unicolores, disposées sur la toile ou érigées dans le réel (architectones), le suprématisme montre le caractère infini de l'espace, et la relation d'attraction et de rejet des formes.
Pour Malevitch, l'art est un processus amenant la sensation (c’est-à-dire le rapport de l'artiste au monde) à se concrétiser en œuvre, grâce à un module formateur étranger au support, l'« élément additionnel », qui structure la masse picturale ou les matériaux. Il introduit le concept d'élément additionnel dans ses écrits des années 1920, ainsi que dans son enseignement.
Suivant son appellation, le suprématisme se pose comme modèle supérieur de la finalité artistique d'art pur, dominant et formant dans son sillage l'art appliqué.  C'est sur la conception du rapport de l'art pur à l'art appliqué que Malevitch entre en conflit avec les constructivistes.
De 1907 à 1935, il participe à 35 expositions d'avant-garde dans l'Empire russe, en URSS et à l'étranger. Malevitch est un membre actif de l'avant-garde artistique ukrainienne et polonaise et côtoie Kandinsky, Chagall, Matiouchine, Lissitzky, Rodtchenko.
Parallèlement à son œuvre plastique, Malevitch produit des textes théoriques sur l'art. Une vingtaine d'écrits paraissent entre 1915 et 1930, mais de nombreux manuscrits restent non publiés. Tous ne sont pas directement liés aux seules pratiques artistiques. Ainsi par exemple, La Paresse comme vérité effective de l'homme, écrit en 1921, et publié aux éditions Allia en 1995 en langue française, texte révolutionnaire dans la mesure où le communisme lui-même y apparaît dépassable.
Les paysages et les scènes de la vie quotidienne présentent souvent une dominante du rouge et du vert, couleurs que l'on retrouve également dans certaines icônes orthodoxes. Les gouaches des années 1910-1911 sont influencées par le fauvisme mais aussi par le néo-primitivisme et le proto-cubisme. Dans les années 1912-1913, il produit des toiles cubistes et futuristes.

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John Singer Sargent (1856-1925) - Modèle masculin endormi

 

John Singer Sargent (1856-1925)

Modèle masculin endormi, 1895 

Huile sur toile, 55,88 x 71,12 cm 

Collection privée

Au cours de sa carrière, John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins.  Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.

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William Larkin (1580-1619) - Richard Sackville, 3rd Earl of Dorset

 

William Larkin (c .1580-1619) 

Richard Sackville, 3rd Earl of Dorset, 1613

Oil on canvas ( 206 x 122 cm)
English Heritage- Kenwood House- The  Suffolk Collection

Une quarantaine de portraits  ont été authentifiés comme étant indubitablement de Larkin. Ce sont  tous des portraits de courtisans et de gentilshommes ; il ne semble jamais avoir peint des membres de la famille royale. Une série de neuf portraits en pied par Larkin, anciennement propriété des comtes  de Suffolk sont aujourd'hui connus sous le nom de Suffolk Collection et se trouvent à Kenwood House, à Londres.
En 1969, l'historien de l'art Roy Strong a identifié Larkin comme étant l'artiste anciennement connu sous le nom de "Curtain Master" (Le Maitre des rideaux). Les œuvres du Curtain Master sont caractérisées par des rideaux à franges  drapés de façon identique encadrant le modèle et rejoignant toujours le sol.
 Le portrait ci-dessus donne un  bon aperçu des vêtements sophistiqués que les hommes portaient en ces temps troublés de l'Histoire de l'Angleterre. Les chaussures à  motifs de feuillages se prolongeant sur les bas, les jarretières en velours nouées sous le genoux par deux énormes pompons,  et les boucles de chaussures en dentelle surbrodée reproduisant des motifs floraux sont très caractéristiques de la mode anglaise du début du 17e siècle.

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Anto Carte (1886-1954) - Le batelier

 

Anto Carte (1886-1954)

Le batelier, 1938

L'artiste peintre belge Anto Carte n'appartient à aucune école. Il reste imperméable aux nouveaux courants artistiques de son époque, tels le cubisme ou le surréalisme. De même, les deux guerres mondiales ne laissent pas de trace dans sa production peinte. Son œuvre se situe à la lisière du symbolisme et d'un expressionnisme parfois proche du naturalisme en s'inspirant de la vie des mineurs, des paysans, des pêcheurs.  La figure humaine est centrale dans l'œuvre d'Anto Carte. Au début de sa carrière, influencé par le symbolisme, il représente des personnages mythologiques et imaginaires. Ensuite, son œuvre peint manifeste certains thèmes de prédilection, comme les personnages « à la Brueghel » que sont les aveugles et les musiciens. Le monde du travail l'inspire beaucoup, en particulier celui des charbonnages de son Borinage natal, et celui des paysans. Profondément croyant, il peint de nombreux sujets religieux. Après son voyage à Florence en 1925 apparaissent des thèmes plus festifs, comme des saltimbanques et des arlequins.
Les critiques considèrent que sa période la plus créative se situe avant le voyage à Florence.

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