Jan Lievens (1607-1674) - Autoportrait

Jan Lievens (1607-1674)
Autoportrait, ca. 1629–30,
Huile sur  panneau de bois, 42 x 37 cm,
Musée de l'Ermitage Saint Petersbourg 

Selon le spécialiste de Rembrandt Gary Schwartz, et d’autres, Rembrandt emprunta très tôt matière artistique à Lievens. Rembrandt aurait également antidaté quelques-unes de ses œuvres, de façon que les tableaux de Lievens aient l’air d’avoir été inspirés par les siens plutôt que l’inverse.
Jan Lievens fut un peintre d’histoire et de portraits. Il exécuta également – ce qui ne fut pas le cas de Rembrandt – des natures mortes. L’une des peintures les plus connues de Lievens est son Portrait d’un jeune garçon (que Rembrandt retoucha). Lievens réalisa également un portrait de Rembrandt, reconnaissable à ses cheveux bruns bouclés  : Rembrandt y est représenté dans un costume de fantaisie, et portant un bonnet, un col militaire et un foulard de couleur claire. Il s’agit d’un exemple de la parenté de style, marquée par beaucoup de teintes sombres et un clair-obscur prononcé, entre Lievens, Rembrandt et le Caravage. Lievens et Rembrandt, qui ne sont jamais allés en Italie, se familiarisèrent avec les caractéristiques de l'œuvre du Caravage surtout sans doute par le truchement des représentants de l'École caravagesque d'Utrecht. Certains thèmes choisis par Lievens sont d'ailleurs fort proches de ceux privilégiés par les peintres utrechtois.  Après 1632, le style de Lievens connaît de grands changements. Durant son séjour de trois ans en Angleterre, il subit l’influence des peintures d’Antoine Van Dyck et, à Anvers, celle des œuvres de Rubens.  Le style de Lievens devient alors baroque et il se met à peindre dans un format plus grand que nature. Un portrait peint par Lievens de Robert Kerr, un duc écossais amateur d’art, écrivain et chambellan, qui fut l’un des premiers à introduire des peintures de Rembrandt en Angleterre et qui vécut dans la pauvreté à la suite de la décapitation de Charles Ier d'Angleterre, est regardée comme une œuvre très puissante par sa profondeur et son ascèse. Les dessins au crayon et à l'encre, ainsi que les gravures de Jan Lievens sont aussi des chefs d'œuvre en tant que tels, même si certains ne sont que des études préparatoires.

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Martiros Saryan (1880-1972) - Autoportrait avec un masque mortuaire égyptien

Martiros  Saryan (1880-1972)
Autoportrait avec un masque mortuaire égyptien
Collection privée 

 
Le peintre arménien Martiros Sarian est généralement considéré comme le père de la peinture moderne arménienne. Lorsqu'il découvre l'Arménie,  il ressent une « passion presque charnelle » pour elle, et n'a « de cesse de la représenter par des toiles inondées de lumière et vibrantes de couleurs ». Il fut le premier à réaliser la nécessité d'élaborer un style propre basé sur les anciennes traditions nationales. Sa palette est « délibérément gaie, vive et colorée. Il disait lui-même :
« La couleur devrait chanter. Elle devrait exprimer la perception de l'essence de la vie qui réside en chaque être humain. En utilisant la couleur, j'augmente encore plus ce que je vois, afin que la lumière puisse être plus brillante dans mes œuvres. " Sa sagesse et son habileté ont pu le préserver des persécutions politiques dont son fils spirituel Minas Avétissian fut mortellement frappé. C'est pour cela que les historiens de la peinture arménienne ont toujours privilégié la peinture du jeune Sarian à celle plus académique du vieux peintre. Il a écrit : « La terre est comme un être vivant : elle a une âme. Sans liens étroits avec la patrie, il est impossible de se trouver, de découvrir son âme. Je suis persuadé qu'il ne peut y avoir de peintre sans qu'il soit attaché à sa terre. Le cœur de la terre bat dans le cœur de l'homme. Tout prend naissance dans ce cœur »

En 1980, une exposition lui a été consacrée au Centre Pompidou

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Masque mortuaire égyptien, bois 22e/24e Dynastie, 944-716 av. J.C.

Sculpture anonyme
Masque mortuaire égyptien, bois 22e/24e Dynastie, 944-716 av. J.C. 

 Collection privée (Sotheby's) 

Dans l’histoire de l’Égypte, 30 dynasties se sont succedées, de 3100 jusqu'à 332 av. J.C.

La 22e dynastie est originaire de Libye, elle va s'établir à Bubastis, puis à Tanis, où les Rois qui la composent vont faire construire leur tombeaux. Sous la XXIe dynastie (1070/69-945) les militaires Libyens étaient devenus un facteur politique important. Leurs chefs devinrent très puissants et un de ceux-ci, Sheshonq I, profita de l'anarchie dans lequel le pays était tombé à la fin de la 21e dynastie et il prit le pouvoir à la mort de Psousennès II (959-945) de Tanis. Il s’imposa comme le Pharaon et fonda la XXIIe dynastie.

La 23e dynastie est marquée, comme la précédente, par l'arrivée au pouvoir de souverains Berbères, les Méchouech (ou Machaouach - mSwS.w). En 818, Léontopolis (ou Taremou "la terre des poissons") dans Delta devint un royaume indépendant des souverains de Tanis de la XXIIe dynastie, mais l’hypothèse que toute la dynastie fut Léontopolite est toujours discutée. La chronologie traditionnelle veut que Pétoubastis I (ou Padibastet I) fut le Premier Pharaon de cette dynastie, mais certains égyptologues, dont David Al Aston suggèrent une hypothèse différente. À leur avis, le fondateur de cette dynastie était Takélot II (850-825, 22 dynastie), qui précéda Pétoubastis I, Ioupout I, Osorkon III. Ils ne comptent pas Sheshonq IV comme Roi, puis Takélot III et Roudamon qui serait le dernier. Ils ne comptent pas Ioupout II, fils de Roudamon. Ce qui est sûr c'est que la 2"e dynastie va coexister, à son début, avec la 22e dynastie, mais elle représente une tranche de l'histoire Égyptienne qui est assez mal connue.

À partir du règne d'Osorkon III la fonction de Divines Adoratrices d'Amon devint de plus en plus importante et les filles, ou les sœurs, du souverain qui exerceront cette fonction, eurent un pouvoir à Thèbes égale à celui du Pharaon. Tous ces "Roitelets" seront finalement défait malgré une alliance, par le Roi de Napata, Piânkhy (ou Piye, 747-716, 25e dynastie), qui conduisait l'invasion Éthiopienne. Toutefois, ce dernier mourut en 716, sans vraiment avoir "maté" complètement l'Égypte, ce que son successeur et demi-frère Chabaka (716-707/706) se chargera de faire.
En 715, s'en est fini de toutes les petites dynasties, les Kouchites restant seul maître du pouvoir.


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Guido Cagnacci (1601-1663) - Portrait d'un jeune moine avec compas et instruments chirurgicaux

 

Guido Cagnacci (1601-1663)
Portrait d'un jeune moine avec compas et instruments chirurgicaux
Private collection

Le peintre italien Guido Canlassi dit Cagnacci est habituellement rattaché à la période tardive du baroque italien, appartenant à l'Ecole de Bologne étudiant avec des maîtres tels que  les Carrache, Guido Reni, Le Guerchin. Il passa une décennie à Venise, avant d'entrer en 1658 au service de l'empereur Léopold Ier de Habsbourg à Vienne, où il acheva son existence.

Cagnacci était  presque totalement oublié, avant sa redécouverte dans les années 1950. Les historiens d'art  exhumèrent peu à peu l'image d'un peintre spécialisé dans les tableaux de demi-figures, représentant le plus souvent des héroïnes de l'histoire ancienne, comme Lucrèce ou Cléopâtre, de la mythologie et de la Bible, toutes cadrées à mi-corps, très dévêtues, et arborant des carnations éblouissantes, nacrées et moelleuses.

(Remerciements à notre fidèle lecteur Joao pour avoir suggéré ce beau portrait au regard si expressif )

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Frans van Mieris (1635-1681) - Voyageur au repos

Frans van Mieris (1635-1681)
Voyageur au repos, с.1657
Huile sur cuivre 21.6 x 17.8 cm.
Collection Privée

Le peintre hollandais Feanz van Mieris dit l'Ancien subit l'influence de plusieurs maîtres, notamment celle de Jacobus Houbraken et d'Abraham van Toorenvliet, la plus déterminante étant celle de Gérard Dou. Il est classé avec celui-ci ainsi qu'avec Gabriel Metsu parmi les fijnschilders néerlandais, ces peintres dont la précision est telle que les coups de pinceaux en deviennent invisibles à l'œil nu. Le rendu des étoffes, de la soie en particulier, est, à ce titre, remarquable.
Mieris peignit beaucoup de tableaux de la vie de l'aristocratie mais il consacra aussi une part importante de son œuvre à la peinture du quotidien des ouvriers. et -comme ici- des colporteurs voyageurs. De son vivant déjà, Mieris jouit d'une notoriété dépassant les frontières et il fut à al fois le protégé de Léopold Ier Empereur du du Saint-Empire Romain Germanique et de Cosme III de Médicis. Peintre à succès, qui gagna une immense fortune  de son vivant, mais il mourut  dans la misère, ayant  tout dilapidé en beuveries !

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Rogier van der Weyden (c. 1399–1464) (attribué à) - Portrait d'un homme

Rogier van der Weyden (c. 1399–1464) - (attribué à)
Portrait d'un homme, c.1430
Huile sur toile  33 x 21.5 cm.
National Museum of Western Art, Tokyo

 

Rogier van der Weyden était l'un des artistes les plus influents du XVe siècle. Il s'installe à Bruxelles, où il est nommé peintre officiel de la ville en 1436 et entretient un atelier chargé. Il a exécuté des retables et des portraits pour les institutions religieuses, les fonctionnaires de la cour et les puissants ducs des Pays-Bas bourguignons. Ce portrait qui représente un personnage de haut rang, comme l'atteste son pourpoint  doublé de fourrure, n'a pas les mains jointes en position de prière comme souvent chez  Rogier van der Weyden mais posées sur l'une sur l'autre dans une attitude de pose ou d'attente. La facture très  limpide du visage  laisse d'autre part penser qu'il ne s'agit pas d'une toile de van der Weyden mais d'un de ses suiveurs.

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Marco Zoppo (1433- 1478) - Cristo dolente

Marco Zoppo (1433- 1478)
Cristo dolente
Tempera sur panneau de bois
Collection. privée

 
Marco Zoppo est un peintre  rattaché à  l'Ecole bolognaise qui commence son apprentissage avec Lippo Dalmasio puis avec celui qui l'a adopté, Francesco Squarcione, chez qui il est apprenti jusqu'en 1455. Il signe ainsi certains tableaux en tant que Zoppo di Squarcione.  Entre 1455 et 1473, il est à Venise puis il exécute quelques travaux à Bologne, dont un triptyque au Collegio di Spagna. Contemporain et ami de Andrea Mantegna, il peint plusieurs Vierge à l'Enfant avec saints à Bologne. Francesco Francia a été un de ses élèves. Il meurt à Venise où il était parti travailler avec Squarcione.`

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Maurice Langaskens (1884-1946) - Conte de Noël

Maurice Langaskens (1884-1946)
Conte de Noël, huile sur toile
Collection particulière (Bert Nordin) 

Maurice Langaskens (1884-1946) est un artiste-peintre et graveur belge qui a notamment illustré des ouvrages comme L'empreinte du Dieu de Maxence Van der Meersch et qui a beaucoup peint et dessiné le monde rural belge pendant la Première guerre mondiale. Avec d'autres graveurs comme Pierre Paulus, Kurt Peiser, Émile-Henri Tielemans, Armand Rassenfosse ou Louis Titz, il fut membre du comité de la gravure originale belge qui fut actif entre 1924 et 1939.

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Pasitélès (1er siècle av JC) - Oreste et Pílades ou Grupo de San Ildefonso

Pasitélès (1er siècle av JC)
Oreste et Pílades ou Grupo de San Ildefonso
Ecole de Pasiteles. 10 av.JC,  marbre blanc, (161x106 cm)
Museo del Prado, Madrid

Pasitélès (Πασιτέλης) est un sculpteur grec de l'époque hellénistique récente (Ier siècle av. J.-C.).
Sa vie est mal connue. Pline l'Ancien, seule source à ce sujet, indique qu'il naît « sur les rives grecques de l'Italie1 », c'est-à-dire en Grande Grèce et qu'il est contemporain de Pompée. Il s'installe à Rome vers 89 av. J.-C. et reçoit le droit de citoyenneté.
Comme avant lui Antigone de Caryste et Xénocrate de Sicyone, Pasitélès est un spécialiste de la toreutique, c'est-à-dire du travail des métaux. Pline lui attribue une statue de Zeus en argent, réalisée pour des cités de Grande Grèce, une statue de lion et « de nombreuses œuvres, dont on ne cite pas les noms »
Pasitélès est également connu pour ses œuvres théoriques : Pline mentionne son recueil disparu sur les Œuvres célèbres du monde entier (Opera nobilia in toto orbe)1 en cinq volumes. Ces œuvres, qu'il s'agit de reproduire pour les envoyer à Rome décorer des édifices sans rapport avec elles, seront dorénavant considérées comme « classiques » ou « universelles », détachées de leur contexte primitif6pour prendre un sens nouveau.

Oreste est le fils d'Agamemnon et de Clytemnestre, le frere d'Electre. C'est encore un jeune homme lorsque Agamemnon, de retour de Troie, est assassiné par Égisthe, l’amant de Clytemnestre. Électre, craignant pour la vie de son frère, réussit à le confier à leur oncle Strophios, en Phocide, où il se lie d’amitié avec son cousin Pylade. Parvenu à l’âge adulte, Oreste revient à Argos, accompagné de Pylade, pour réaliser la prophétie de l’oracle d'Apollon : venger son père en tuant Égisthe et Clytemnestre. S'étant préalablement fait reconnaître de sa sœur Électre, il met à exécution son projet meurtrier.

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Gustave Caillebotte (1848-1894) - Portrait de Paul Hugot

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Portrait de Paul Hugot, 1878,
The Lewis Collection, Atlanta

  Le talent de Gustave Caillebotte  fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontra un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper.
Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.
Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.

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Jean-Emile Laboureur (1877-1943) - Le Bar en Pennsylvanie

 

Jean-Emile Laboureur (1877-1943)
Le Bar en Pennsylvanie, 1904
Collection privée

 

 
Jean Émile Laboureur,  est un peintre, dessinateur, graveur, aquafortiste, lithographe et illustrateur français qui avait la réputation d'être le peintre des cafés, des restaurants et de la vie quitidienne de la rue en général.  Auteur de nombreuses gravures au burin, en planches individuelles ou pour des livres, il a illustré près de quatre-vingts livres, souvent d'auteurs contemporains comme André Maurois, Jean Giraudoux, Colette, André Gide,  Maurice Maeterlinck ou François Mauriac. Peintre de tableaux de genre, de paysages animés ou non, de natures mortes, il a réalisé aussi quelques fresques et des sculptures. Ses œuvres sont conservées dans plusieurs musées nationaux et provinciaux. Il a fondé ou présidé des associations d'artistes indépendants. 

 
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Nadar (1820-1910) - Portrait d'Aimé Millet

Nadar (1820-1910)
Portrait d'Aimé Millet
Collection privée

Félix Tournachon, dit Nadar, est un caricaturiste, écrivain, aéronaute et photographe français, né dans une époque bénie où l'on ne craignait pas d'exercer avec un égal talent plusieurs professions simultanées !  Trop souvent réduit à son rôle de photographe, il était, originellement, un caricaturiste, et également un écrivain prolifique dans des genres aussi variés que le roman, la nouvelle, le poème en prose, la brève de comptoir, le témoignage, la plaidoirie ou  le portrait littéraire, sa spécialité.
Le pseudonyme Nadar avait d'abord été utilisé par une société constituée autour de son demi-frère Adrien Tournachon sous les formes Nadar jeune et Nadar jne, provoquant parfois la confusion. Un arrêt de la Cour impériale de Paris lui a restitué en 1857 la propriété exclusive de ce pseudonyme, sous lequel il signera ses écrits et qui sera utilisé par son atelier photographique sous la gouverne de son fils Paul.
Il publie à partir de 1854 une série de portraits photographiques de célèbres personnalités contemporaines, qui le font passer à la postérité.

Aimé Millet (1819 -1891), photographié ici par Nadar, est un sculpteur, médailleur et peintre français. Fils du miniaturiste Frédéric Millet, frère du compositeur Émile Millet, oncle de l'architecte Louis Julian Millet,  il n'a pas de liens familiaux avecJean-François Millet qui peignit le célèbre Angelus.
À partir de 1861, Aimé Millet devient vice-président de la Société nationale des beaux-arts. Ayant travaillé quelque temps chez le sculpteur bronzier Antoine Desboeufs (1793-1862)puis dans intègre l'atelier de David d'Angers, il commence à produire dès 1840 des premières œuvres sculptées,  que l'on peut considérer comme appartenant au genre académique comme son Monument à Vercingétorix ou ses gisants de  Ferdinnand et Louis d'Orléans dans la Chapelle royale de Dreux.  Bel homme  et d'un naturel affable, il eut beaucoup de succès dans les cercles parisiens conservateurs de son temps. 

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Lucas Cranach the Elder (1472-1553) - Maurice, duc de Saxe

Lucas Cranach the Elder (1472-1553)
Maurice, duc de Saxe, Vers 1540.
Papier contrecollé sur carton, 34,5 x 24,8 cm
Musée des beaux-arts de Reims, France 

C'est à peine un an après sa majorité que Lucas Cranach L'Ancien  brosse ce premier  portrait du turbulent  Maurice de Saxe dont son fils Lucas Vranach Le Jeune peindra encore deux portraits dans sa maturité en  1559 (actuellement conservé au Staatliche Kunstsammlungen Dresden) et  en 1578 (portrait en armure conservée  dans le même musée de Dresde).

Maurice est le fils du prince catholique Henri IV, dit le Pieux, et de son épouse protestante Catherine, fille du duc Magnus II de Mecklembourg. À partir de 1532, il grandit à la cour de son parrain, Albert de Brandebourg, cardinal et archevêque de Magdebourg et de Mayence, à Halle. Notant que la vie d'Albert était publiquement en contradiction avec la doctrine catholique, son oncle le duc Georges le Barbu entreprit deux ans plus tard la responsabilité à l'égard de son éducation.
À Dresde, il rencontre le landgrave Philippe de Hesse avec qui le liait une forte amitié. À la mort de son frère Georges le Barbu, le 17 avril 1939, Henri IV lui succéda à la tête du duché de Saxe. Devenu majeur en 1539, les parents de Maurice se chargent de la recherche d'une fiancée. La princesse Agnès, fille du landgrave Philippe de Hesse et de Christine de Saxe, était sa favorite — néanmoins, la bigamie de Philippe provoquera chez Henri et Catherine un sentiment de dégoût et d'opposition morale. Maurice se fiance secrètement à Agnès et se marie avec elle  le 11 janvier 1541.

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Jacob Jordaens (1593-1678) - Trois Musiciens

Jacob Jordaens  (1593-1678)
Trois Musiciens, 1645- 1650
Huile sur panneau, 49 x 64 cm
Museo del Prado, Madrid

La peinture de Jacob Jordaens, ses dessins et ses cartons s'inspirent des scènes bibliques, mythologiques et des thèmes empruntés à la vie populaire, ou bien illustrent fables et proverbes. Il fait parfois appel à Frans Snyders spécialisé dans les scènes animalières. Il s'efforce de dénicher des œuvres de la main des meilleurs maîtres, tels que Titien, Véronèse, le Caravage, Bassano et autres, afin de les étudier et de s'en inspirer lors de son travail. Ses tableaux les plus connus représentent des scènes de table, telles les différentes versions du « Roi boit ! ». Pour ce faire, Jordaens n'hésite pas à prendre comme modèles ses proches ou lui-même, afin de réaliser les portraits des différents personnages d'une composition, comme dans la toile ci-dessus. Jordaens fut  le peintre le plus renommé d'Anvers après la mort en 1640 de Rubens, dont il a achevé au moins deux œuvres. À aucun moment de sa carrière, Jordaens n'a souffert d'un manque d'estime. La grande réputation dont il a pu jouir sa vie durant est mise en évidence par les nombreuses commandes qu'il a reçues et quantité de documents. Après la mort de Rubens, il est considéré par Balthasar Gerbier, le chargé d'affaires du roi d'Angleterre à Bruxelles, comme le plus important peintre des Pays-Bas méridionaux. Les louanges qu'il recueille semblent interminables et l'estime pour son œuvre est telle qu'on lui attribue toutes les qualités. C'est au moins le cas jusqu'au début du 18e siècle, lorsque s'annonce un nouveau goût artistique mettant surtout l'accent sur l'idéal ainsi que l'esthétique noble et classique.

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Sculpture anonyme - Tête d'homme en albâtre - 2e /1e siècle av. JC

 

Tête d'homme en albâtre
Arabie préislamique, Royaumes du sud c. 2e /1e siècle av. JC)
Collection privée (Sotheby's)

Malgré l'importance des fouilles entamées depuis quelques décennies, on dispose encore de peu d'informations sur les cultures préislamiques qui ont occupé la péninsule et le golfe Arabo-persique depuis la Préhistoire...

" Au tournant de notre ère. l'Arabie semble pénétrée de courants nouveaux. A l'ouest, 1a navigation en mer Rouge. en se développant rapidement. permet l'introduction de produits étrangers et donc de goûts nouveaux. Les Romains étendent leur domination et vont jusqu'à tenter, en 24 avant notre ère, de mettre la main sur cette "Arabie Heureuse " productrice d'encens. A l'est, les enfants d'Alexandre, les marchands parthes puis palmyréniens, fréquentent les pons du Golfe arabo-persique. Au centre enfin, de grandes pistes caravanières traversent les déserts d'est en ouest.Dans toute cette Arabie, les artistes voyagent, se mettent un temps au service de princes locaux et forment des élèves, En même temps, les moules de statues, les petits objets et les bijoux circulent d'atelier en atelier, et les monnaies de ville en ville, La grammaire des styles traditionnels se renouvelle profondément tandis qu'éclosent des formes d'élites nouvelles."

Jean-François Breton
Université d'Aix/Marseille

 

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Maurice Langaskens (1884-1946) The Grenadier André Coulemans (the Cellist), 1917 The MET, New York

Maurice Langaskens (1884-1946)
The Grenadier André Coulemans (the Cellist), 1917
The MET, New York

Maurice Langaskens  (1884-1946) est un artiste-peintre et graveur belge qui a notamment illustré des ouvrages comme L'empreinte du Dieu de Maxence Van der Meersch et qui a beaucoup peint et dessiné le monde rural belge  pendant la Premiere guerre mondiale.  Avec d'autres graveurs comme Pierre Paulus, Kurt Peiser, Émile-Henri Tielemans, Armand Rassenfosse ou Louis Titz, il fut membre du comité de la gravure originale belge qui fut actif entre 1924 et 1939. Cette gouache peinte à Gottingen en 1917, alors que la  Premiere guerre mondiale  faisait rage,  est conservée au Metroploitan Museum de New York; elle représente le Grenadier  André Coulemans de retour du front, qui a posé son calot à terre et s'accorde un moment de paix en musique pour s'extraire de l'horreur des tranchées. 

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Lütfi Abdullah & Atelier, vers 1595 - Scène de festin contenu dans le Siyer-I Nebi du Sultan Murad III

Lütfi Abdullah & Atelier, vers 1595
Scène de festin contenu dans le Siyer-I Nebi du Sultan Murad III
Gouache sur or
The Houston Museum of Fine Arts

Le Siyer-i Nebi (La vie du prophète),manuscrit auquel ce folio appartenait à l'origine, est une épopée religieuse racontant la généalogie, la vie et la mort de Muhammad, le prophète de l'Islam. Rédigé  entre 1377 et 1381  par un écrivain- savant aveugle originaire d'Anatolie, Mustafa Darir, le texte a ensuite été intégré dans un exemplaire richement illustré réalisé sous les auspices du sultan ottoman Murad III à la fin du 16ème siècle. Le projet a été supervisé par le célèbre calligraphe turc Lutfi Abdullah; ce fut une entreprise majeure qui aboutit à une réalisation en 6 volumes accompagnée de plus de 800 illustrations.
Les volumes 1, 2 et 6 sont toujours à la bibliothèque du musée de Topkapi à Istanbul.
Les volumes 3 et 4 se trouvent respectivement à la New York Public Library et à la Chester Beatty Library à Dublin, en Irlande.
A ce jour l'emplacement du volume 5 reste inconnu.

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Albin Egger-Lienz (1868–1926) - Le semeur

Albin Egger-Lienz (1868–1926)
Le semeur, 1908
Collection privée

Fils illégitime d'une jeune paysanne et de Georg Egger, peintre d'église et photographe, Albin Egger-Lienz est initié à la peinture par son père. Il poursuit ensuite ses études à l'Académie des beaux-arts de Munich entre 1884 et 1893. Son style subit alors principalement l'influence de Franz Defregger et de Jean-François Millet. En 1899, il s'installe à Vienne où il participe à la formation du mouvement Hagenbund. Dans les années qui suivent, il est particulièrement impressionné par l'œuvre de Ferdinand Hodler et son style évolue vers l'expressionnisme monumental. En 1911 et 1912, il enseigne à l'École des beaux-arts de Weimar. Mobilisé en 1914, il devient peintre de guerre jusqu'en 1917. À la fin de la Première Guerre mondiale, il s'installe définitivement dans la province de Bolzano.

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Sara Facio (bn1932) - Portrait de Julio Cortazar

Sara Facio (bn1932)
Portrait de Julio Cortazar
fait en 1967, dans les jardins de L'UNESCO à Paris

Sara Facio est  une photographe et portraitiste argentine. aussi  commissaire d'exposition, journaliste et rédactrice en chef. Sara Facio s'impose par ses portraits des personnages de la culture latino-américaine et son travail communautaire dans la promotion de la photographie.
De 1960 à 1985, Sara Facio et Alicia D'Amico ouvrent ensemble un premier studio de photographie.Les artistes immortalisent de nombreuses personnalités culturelles argentines, telles les écrivains Julio Cortázar, María Elena Walsh, qui sera par la suite sa compagne, et Alejandra Pizarnik.  Ses portraits sont notamment édités dans les ouvrages Buenos Aires (1968), Geografía de Pablo Neruda (1973), Retratos y Autorretratos (1973) ou Humanario (1976)3.
Passionnée de livres de photographies, et plus particulièrement de l'art du portrait, Sara Facio se distincte comme une pionnière dans la réflexion sur l’histoire de la photographie dans son pays. En 1973, elle est la co-fondatrice de La Azotea avec María Cristina Orive et Alicia d'Amico. La Azotea est la première maison d'édition à imprimer des livres photo en Amérique latine.
En 1985, Sara Facio est à l'origine de la Fotogalería du Teatro General San Martín, devenu l'un des espaces d'exposition photographique les plus importants d'Argentine.  Elle est directrice de la galerie jusqu'en 1998, au sein de laquelle elle présente 160 expositions de maîtres mondiaux et de débutants devenus des artistes référents de la culture argentine8. Ces événements ont contribué à la création de la collection photographique du Musée national des beaux-arts, soit un patrimoine national réunissant plus de 200 œuvres de photographes latino-américains.

Julio Florencio Cortázar Descotte (1914 -1984) est un écrivain argentin de Buenos Aires, auteur de romans et de nouvelles (tous en langue espagnole), établi en France en 1951 et qui, tout en conservant sa nationalité argentine, acquiert aussi la nationalité française vers la fin de sa vie, en 1981, comme acte de protestation contre la dictature militaire argentine de l'époque L'œuvre de Julio Cortázar se caractérise entre autres par l'expérimentation formelle, la grande proportion de nouvelles et la récurrence du fantastique et du surréalisme. Si son œuvre a souvent été comparée à celle de son compatriote Jorge Luis Borges, elle s'en distingue toutefois par une approche plus ludique et moins érudite de la littérature. Avec Marelle (1963), Cortázar a par ailleurs écrit l'un des romans les plus commentés de la langue espagnole  Une grande partie de son œuvre a été traduite en français par Laure Guille-Bataillon, souvent en collaboration étroite avec lui.

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Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) - Risaldar-Major Ali Muhammad Khan, 2nd Bengal Lancers

 

Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914)
Risaldar -Major Ali Muhammad Khan, 2nd Bengal Lancers before 1897
The Royal Trust collection

Risaldar-Major Ali Muhammad Khan était un officier du service impérial. Il avait été nommé commandant d'une risala (unité de troupes à cheval) en 1895. Il était l'un des nombreux soldats indiens venus en Angleterre pour le jubilé de diamant en 1897. Ici, il est représenté en uniforme avec ces décorations dont la médaille égyptienne 1882-9 et, ce qui pourrait être l’étoile égyptienne du Khédive.

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. Elève de Leopold Carl Müller, il voyagea en Egypte avec lui dès 1880. En 1886, la reine Victoria lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invité à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants. En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui, l'accusant de " ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda :
" Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour la Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux après votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatique qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House dans les collections du Royal Trust.
А son retour des Indes, Swoboda peignit également pour la reine un portrait d'Abdul Karim, dit Munshi (traducteur indien) qui resta célèbre dans l'histoire pour avoir été le favori "indien " de Victoria.

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Jacques Réattu (1760-1833) - Apollon, au côté de Zeus, ramenant Hector à la vie

Jacques Réattu (1760-1833)
Apollon, au côté de Zeus, ramenant Hector à la vie
Musée Reattu, Arles

 

Jacques Réattu est un peintre français, grand prix de l'Académie royale de peinture et sculpture en 1790. Dès 1775, il entre à l'Académie royale de peinture et de sculpture, il est d'abord l'élève de Simon Julien (Toulon 1735 - Paris 1800) puis de Jean-Baptiste Regnault.

Son grand prix en 1790 lui ouvre les portes d'un séjour en Italie en tant que pensionné du Roi, année où le concours fut tout de même ouvert malgré les évènements révolutionnaires. Le contexte politique ne lui permet pas de séjourner comme prévu quatre années dans la capitale pontificale. Ce séjour sera néanmoins l'occasion pour Jacques Réattu de réaliser une œuvre majeure, Prométhée protégé par Minerve et élevé au Ciel par le Génie de la Liberté, dérobe le feu, première œuvre à discours révolutionnaire de l'artiste. De retour en France en 1793, il séjourne d'abord à Marseille où il obtient en 1795 la commande pour le décor du Temple de la Raison de dix tableaux monumentaux peints en grisaille à l’imitation de bas reliefs illustrant les idéaux révolutionnaires. En 1798, il revient définitivement en Arles où il acquiert la commanderie de Saliers puis la totalité des lots du Grand Prieuré de l'Ordre de Malte dont les biens furent confisqués et vendus dès 1793.

 C'est là qu'il installe son atelier et que se trouve aujourd'hui le musée Réattu qui abrite une grande partie de son oeuvre.

 

VIe Dynastie (2345–2181 av. JC) - Atjema debout (c.2200 av. JC)

 

VIe Dynastie (2374–2140 av. JC)
Atjema debout (c.2200 av. JC)
Statue en pierre calcaire peinte, 91 cm. h
Musée Egyptien du Caire

La VIe dynastie  est la dernière de l'Ancien Empire. La toute-puissance du roi sans être remise en cause, est perçue différemment. Il faut sans doute y voir également un changement dans les aspirations religieuses, ainsi que dans l'organisation de l'État.
Cette période va être marquée par le règne très long de Pépi II
C'est à cette époque que l'on assiste à un morcellement du pouvoir central au profit des nomarques, tendance déjà amorcée sous la Ve dynastie. La charge se transmet de père en fils formant ainsi de véritable dynasties locales sans pour autant usurper le pouvoir royal. Les prérogatives royales sont peu à peu « empruntées » par ces nomarques, comme en attestent les tombes des nécropoles d'Assouan et également la pratique de la momification.
Suivant l'évolution de la société, on assiste au début de la VIe dynastie à un développement des arts et de l'architecture hérités de la dynastie précédente. Les dignitaires continuent à se faire aménager de somptueuses tombes ou mastabas dans les principaux sites de la vaste nécropole de Memphis.

Briton Rivière (1840-1920) - Jilted, (Délaissé)

 

Briton Rivière (1840-1920)
Jilted, (Délaissé), 1887
Collection Privée 

Le peintre  britannique Briton Rivière a consacré une grande partie de son œuvre à la peinture animalière, même quand il s'agit comme ici de tableaux dont l'humain  semble être le personnage principal. Ses peintures  sont exposées dans plusieurs institutions publiques comme  la Tate, le Metropolitan Museum of Art et le Royal Holloway (université de Londres). Membre  associé de la Royal Academy  à partir de 1878  il commence à peindre des  sujets de ce genre qui ne attireront pas longtemps. C'est avec "Sleeping Deerhound",  qu'il entame une série de peintures animalières, genre dans lequel il excella. 

 

 

 

 

 

Peter Paul Rubens (1577-1640) - Saint Matthieu

Peter Paul Rubens (1577-1640)
Saint Matthieu (c. 1611)
Huile sur panneau de bois, 107 x 82 cm.
Museo del Prado, Madrid

Peter Paul Rubens avait la réputation de travailler à un rythme très soutenu, réalisant 1403 peintures selon le catalogue de Michel Jaffé. Il réalisa surtout de grands projets religieux, des peintures mythologiques, et d'importantes séries de peintures historiques. L' 'un des peintres l'ayant le plus admiré, Delacroix le surnommait l'« Homère de la peinture ».
Rubens fut non seulement un artiste de renom mais aussi un diplomate et un habile négociant, ce qui fit de lui un personnage connu dans toute l'Europe de son temps. Sa fortune artistique fut immense. Prisé des Grands pour l'érudition et le charme de sa conversation, il joue également un rôle diplomatique important à son époque et jouit d'une position sociale sans égale chez les artistes de son temps.

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Federico Andreotti (1847-1930) - Portrait de Giovanni Boldini

 

 

Federico Andreotti (1847-1930)
Portrait de Giovanni Boldini
Collection privée

Federico Andreotti a étudié à l'Académie des beaux-arts de Florence avec Enrico Pollastrini et Angiolo Tricca. Il y a été nommé professeur et a reçu une bourse d'études. Il expose à la Royal Academy of Arts de Londres de 1879 à 1883. Peintre de fresques, de paysages, de portraits, de figures féminines, de scènes de genre, de scènes historiques et de natures mortes, il utilise l’huile et l’aquarelle dans des décors historiques notamment des XVIIe et XVIIIe siècles. Dans ses œuvres, il associe une certaine précision à des techniques impressionnistes. Il a également illustré les œuvres poétiques de Renato Fucini.

 

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Girolamo Romani detto Romanino ( c.1484 – c.1566) - Homme nu

Girolamo Romani detto  Il Romanino ( c.1484 – c.1566)
Homme nu 1531-1532
Castello del Buonconsiglio, Trente

Girolamo di Romano, dit Romanino est un peintre italien de Venise et de Brescia dont la longue carrière lui a permis d'expérimenter plusieurs styles différents. A l'époque où il peint ce portrait à l'étrange luminosité sans doute voulue pour rendre la somptuosité du précieux manteau de fils d'orde ce gentilhomme de Brescia, Romanino subit très fortement est très fortement les influences de Pordenone et de Titien.
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Eduardo Gelli (1853-1933) - Portrait of a Buttero

Eduardo Gelli (1853-1933)
Portrait of a Buttero, c.1890
Collection Privée

Eduardo Gelli (1853-1933) était un peintre italien, qui peignit principalement des portraits de  personnages en costumes. Formé à Florence avec Antonio Ciseri, il a attiré l'attention du collectionneur d'art contemporain américain James Jackson Jarves qui l'a rangé dans la même catégorie de peintre costumiers que Francesco Vinea et Tito Conti. 

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Giovanni Bellini (1430-1516) - Portrait d'un Jeune Homme

 

Giovanni Bellini (1430-1516)
Portrait d'un Jeune Homme (c. 1490)
Huile sur bois, 30 x 23 cm.
National Gallery, Washington DC 

Giovanni Bellini dit Giambellino et, en vénitien, Zambellin ( est un peintre italien de la Renaissance, considéré comme le précurseur de l'école vénitienne, dont l'œuvre marque la rupture définitive avec le style gothique, par son attachement à la rigueur géométrique , à travers des peintures qui effacent la différence entre monde sacré et profane.
Fils ou peut-être frère de Iacopo Bellini (1400-1470), Giovanni Bellini incarne avec un talent extraordinaire l’esprit de la Renaissance italienne, mais toujours d’une manière adaptée aux traditions et aux goûts du milieu local. 

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Sculptures antique anonyme - Statue du dieu Amon, 18e dynastie

Sculpture antique anonyme
Statue du dieu Amon, détail. 18e dynastie (1347-1336 AC)
Carnac, Egypte

Caché » ou « l’Inconnaissable », traduit l’impossibilité de connaître sa « vraie » forme, car il se révèle sous de nombreux aspects. Il est Imen achâ renou, « Amon aux noms multiples »

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Otto Greiner (1869-1916)- Etude d'archer

 

 

Otto Greiner (1869-1916)
Etude d'archer 
Collection privée 

 

Otto Greiner fut le premier artiste allemand à utiliser la technique de la lithographie non seulement pour la reproduction, mais aussi pour la conception originale de ses œuvres. Ses représentations naturalistes, assez caractéristiques de son époque trouvent moins d'échos parmi le public d'aujourd'hui. Ses quelques peintures monumentales de grand format comprennent : Ulysse et les sirènes, sur laquelle il a travaillé à Rome pendant trois ans (généralement considéré comme perdu depuis la Seconde Guerre mondiale) a en réalité été coupé en morceaux par les troupes russes au moment de la libération de Leipzig pour servir de bâche de transport) ; Prometheus, Hercule à Omphale (créé à Rome en 1905), L'école des sorcières est sa seul grande toile consacrée aux femmes. Otto Greiner à réalisé également de nombreux portraits et traita de sujets mythologiques et fantastiques. Ces thèmes constituent l'essentiel de ses 112 œuvres graphiques et quelques grandes peintures.


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MPS N° 9 - ARMES ET LARMES

 

 

Le n° 9 du magazine MPS (Men Portraits Series)

tiré du blog Men Portraits, est en ligne.
 

Thème de ces mois de Novembre et Décembre 2020 :
 

"ARMES ET LARMES  " 

Désormais MPS devient bimestriel avec traduction bilingue

On peut accéder en ligne à une partie de son contenu comme auparavant. 

 

Gustave Roud (1897-1976) - Fermier suisse, 1940

Gustave Roud (1897-1976)
Fermier suisse, 1940
Série " Corps de Paysans "

La série "Corps de Paysans " constitue une part importante pour ne pas dire essentielle de la photographie de Gustave Roud. Posant généralement le torse dénudé, le jeune paysan au champ engage une imagerie de la puissance virile. Loin des photo reportages des campagnes, ces séries montrent un protocole de prise de vue réitéré avec différents modèles. Le paysan célébré dans la photographie se détache de la figure littéraire d’Aimé, dans la mesure où il ressemble davantage à une statue grecque ou à un athlète qu’à l’ange intercesseur. Modèle par excellence, Fernand Cherpillod a permis au photographe la mise en place d’une esthétique du paysan proche de l’athlétisme agricole ou d’un être premier accordé à la terre. Prenant son essor à la fin des années trente, cette esthétique déployée ensuite pendant des décennies entretient des liens étroits avec des pratiques de l’époque : la contre-plongée, l’arrière-fond du ciel, le choix du modèle lui-même jeune, musclé, imberbe ou glabre. La célébration du paysan est accompagnée d’une esthétique du désir que certaines mises en scène avec les ombres ou les objets érotisent. Mais ces mises en scène, peu nombreuses, laissent le plus souvent la place à la fascination du corps athlétique en tant que tel, dans une épopée silencieuse du faucheur solitaire.
Extrait de la notice du Site Gustave Roud.com

Gustave Roud (1897-1976), un des principaux auteurs francophones de Suisse, est principalement connu pour ses proses poétiques. Depuis quelques années cependant, son activité de photographe apparaît également au premier plan : Gustave Roud est ainsi considéré comme l’un des grands écrivains-photographes européens de l’entre-deux-guerres et de l’immédiat après-guerre.
Loin d’être simplement un écrivain qui illustrerait sa démarche littéraire, Gustave Roud a eu une activité photographique intense dès l’âge de 16 ans jusqu’à la fin de sa vie, bien que celle ci n'ait jamais été exposée de son vivant. Malgré des expositions posthumes au Centre Beaubourg (Paris) et au musée de l’Elysée (Lausanne), ainsi que la publication d’un catalogue (Terre d’ombres, Slatkine, 2002), son statut de photographe est longtemps resté en marge de la littérature, selon la volonté d’ailleurs de Philippe Jaccottet qui a géré son œuvre après sa mort. Pourtant, Gustave Roud a conservé et transmis son travail abondant, accompli avec détermination et rigueur.
Les photos diffusées sur ce blog pour aider à la connaissance de ce grand photographe, appartiennent au Fonds photographique Gustave Roud, déposé à la Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne par Françoise Subilia, et qui comprend 13.000 clichés divisées en 5 séries.

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Paul van Somer (1577-1621) - King James Ist of England

Paul van Somer (1577-1621)
King James Ist of England, 1605
Museo del Prado, Madrid

Paul van Somer également connu sous le nom de Paulus van Somer, était un artiste flamand arrivé d'Anvers en Angleterre sous le règne du roi Jacques Ier d'Angleterre et qui devint l'un des principaux peintres de la cour royale. Il a peint un certain nombre de portraits de James et de son épouse, la reine Anne de Danemark, et de nobles tels que Ludovic Stuart, comte de Lennox, Elizabeth Stanley, comtesse de Huntingdon et Lady Anne Clifford. Il est parfois désigné comme «Paul van Somer I» pour le distinguer du graveur du même nom qui fut actif en Angleterre entre 1670 et 1694. Paul van Somer est à certains égards une figure insaisissable: on ne sait pas grand-chose de lui, et son art est rarement décrit.

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Jared French (1905- 1988) - Seated Man

Jared French (1905- 1988)
Seated Man (Umberto Jacon)
Private collection

Jared French était un peintre américain appartenant au courant dit du Réalisme magique.
Il faisait partie d’un groupe d’artistes et amis qui s’était spécialisé dans l’utilisation de l’ancienne technique de la tempera à l’œuf, et qui comprenait notamment George Tooker et Paul Cadmus.
De la fin des années 1930 jusqu'au début des années 1940, French réalise des peintures murales pour le Works Progress Administration. Ces peintures de French sont souvent décrites comme sinistres et inquiétantes, avec leur défilé de silhouettes immobiles et silencieuses inspirées des statues grecques de la période archaïque. Par la suite, son travail s'orienta vers une sorte de " bio-morphisme classique" avec des formes organiques étranges, colorées, suggestives.
En 1937, French se maria à Margaret Hoening. Pendant 8 ans, Paul Cadmus et le couple French passent leurs étés sur Fire Island et forment le collectif de photographe PaJaMa pour Paul, Jared et Margaret. Ils se mettent en scène dans diverses photographies en noir et blanc avec leurs amis, à la fois nus et vêtus. La plupart de ces amis présentés dans les photographies étaient parmi les jeunes artistes, danseurs et écrivains de New York, et la plupart étaient beaux et gays.
French et Cadmus posent en 1938 pour une série du photographe George Platt Lynes, qui ne sera publiée qu'après la mort de Lynes.
À la fin des années 1940, French et sa femme ont une relation avec Cadmus et son compagnon George Tooker. Quand les French achètent une maison à Hartland dans le État du Vermont, ils offrent à Cadmus une maison sur leur propriété.
French la reprendra plus tard pour l'offrir à son amant Roberto Gianatta.

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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Head of a man

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Head of a man, c. 1924
Private collection 

Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.

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Oleg Lomakin (1924-2011) - Autoportrait

Oleg Lomakin (1924-2011)
Autoportrait
Collection privée

Oleg Leonidovich Lomakin (Олег Леонидович Ломакин) était un peintre réaliste soviétique russe, artiste honoré de la RSFSR qui a travaillé à Saint-Pétersbourg (anciennement Leningrad) et qui beaucoup peint le monde sportif soviétique dont beaucoup de membres étaient considérés alors comme des héros. Un heroïsme acquis au prix fort que beaucoup de ces hommes devaient à l'usage institutionnalisé des anabolisants et autres substances dopantes (souvent mortelles) interdites depuis lors dans la pratique du sport de haut niveau.
Il est considéré comme l'un des principaux représentants de l'Ecole de peinture de Léningrad.

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Jean-Claude Bonnefond (1796-1860) - Bandit italien faisant le guet, 1826

 

 

Jean-Claude Bonnefond (1796-1860)
Bandit italien faisant le guet, 1826
Collection privée

Claude ou Jean-Claude Bonnefond est un peintre à la fois pathétique et sobre dans l'expression des sentiments. Son talent est modeste mais fut pourtant très reconnu pendant son existence. Il peint des scènes religieuses mais aussi des scènes de genre qui dépassent la simple anecdote, comme « Popolino ». Il sera beaucoup critiqué du fait de sa peinture monocorde. En effet il peignait avec la même intensité les êtres humains et les objets de la vie quotidienne. Sa facilité et sa précision dans la peinture des portraits auraient pu lui permettre d'atteindre le rang de meilleur portraitiste de Lyon, pourtant la vie lyonnaise et le climat culturel l'ont entravé notamment à cause de sa nomination en tant que directeur de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon.
Dans ses  œuvres italiennes, Bonnefond illustre les coutumes, souvent religieuses, du petit peuple italien et exploite le thème des « brigands » (Brigand italien faisant le guet, 1826). Son œuvre transcrit ainsi son intérêt pour la vie quotidienne mais aussi son goût pour le pittoresque et pour l'exotisme (Tête de Turc) et ses découvertes des cérémonies grecques orthodoxes. Il participe ainsi à l'image romantique de l'Italie et traduit une vision idyllique d'un peuple pauvre mais aux allures fières et au bonheur dans la simplicité et la modestie. Cette vision de l'Italie idéalisée permettra l'émergence de stéréotypes qui perdureront jusqu'en 1850 et même au-delà.
À son retour en France, et lors de la présentation de ses tableaux au Salon, le renouveau de son style est remarqué. Delécluze, dans le Journal des Débats du 20 décembre 1827, note « l'heureuse modification que l'auteur a apporté à son talent pendant son séjour en Italie ».
Claude Bonnefond a peint 35 œuvres et réalisé une quarantaine de portraits, aquarelles, dessins, études, caricatures et lithographies