John La Farge (1835-1910) - Portrait of the Painter

John La Farge (1835-1910) 

Portrait of the Painter (1859) 

Oil on wood panel, 40.8 x 29.2 cm.

The Metropolitan Museum of Art, New York

(On view Gallery 774) 

Cet autoportrait, que La Farge a peint en octobre 1859 sur le domaine familial de Glen Cove, à Long Island, témoigne de  plusieurs des techniques picturales auxquelles il avait fréquemment recours comme :  

- l'utilisation d'une photographie comme source documentaire du tableau 

- son appréciation des formes non modulées et de l'espace aplati à la façon des des estampes japonaises

-   son goût pour les larges masses tonales à la manière de ses professeurs, Thomas Couture et William Morris Hunt

- ses expériences dans la peinture de paysage en plein air. 

L'artiste se présente ici comme un paysagiste prêt à se lancer dans une  nouvelle "expédition de peinture sur site" ! 

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Nils von Dardel (1888-1943) - Sicilian man (1)

Nils von Dardel (1888-1943)

Sicilian man (1) 

Private collection 

Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression.  Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et  pour que le public commence à s'y s'intéresser. 

Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard  à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.

A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs. 

Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus)  comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus  la grosseur  disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple.  

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James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) - Portrait of the Artist's Brother

James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)

Portrait of the Artist's Brother (c. 1871-73) 

Oil on panel, 43.7 x 34.8 cm. 

The Art Institute of Chicago (Gift of Mary T. Wentworth)

William McNeill Whistler (1836-1900) dont le portrait est reproduit ci dessus était le jeune frère de l'artiste, James Abbott McNeill Whistler. Il étudia la médecine et obtint son diplôme de l'Université de Pennsylvanie en 1860. Il servit comme chirurgien dans l'armée confédérée pendant la guerre de Sécession au sein du 1er régiment de carabiniers de la Caroline du Sud, dans le régiment d'Orr's Rifles, sous les ordres du colonel James Lawrence Orr. Il participa à de nombreux combats, notamment Seven Days, Beaver Dam Creek, Gaines Mill, Frayser's Farm, Cedar Mountain, Manassas Station Ops, Second Manassas et Ox Hill. , Harpers Ferry, Sharpsburg, Shepherdstown, Fredericksburg, Chancellorsville, Gettysburg, Station Bristoe, Mine Run, Wilderness, le Palais de justice de Spotsylvania, North Anna, Cold Harbour, le Siège de Jérusalem, Plank Jerusalem Road, Fussell's Mill, Boydton Plank Road et Third Petersburg....
Après avoir servi dans toutes ces batailles et avoir vu les pires horreurs, le Dr Whistler finit par fuir les lignes et se frayer un chemin à travers les lignes ennemies pour fuir vers l'Angleterre.
Il arriva en Angleterre en 1865 et livra des dépêches de la Confédération aux alliés britanniques.
La mère de Whistler, Anna, et son frère, James, vivaient en Angleterre à cette époque.
Le Dr Whistler est resté à Londres et a fondé un hôpital spécialisé dans les soins de la gorge. Il a exercé les fonctions de médecin principal au London Throat Hospital et a été président de la British Laryngological, Rhinological and Otological Association. En avril 1877, William a épousé Helen Ionides. Whistler n'avait pas d'enfants.
Il est décédé le 27 février 1900

James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) fut   une des figures les plus en vues de la société parisienne de la  fin du 19e siècle, rivalisant en public avec Oscar Wilde dasn des joutes humoristiques restées célèbres.
Whistler a été mondialement connu de son vivant. En 1884, il fut élu membre d'honneur de l'Académie royale des beaux-arts de Munich. En 1892, il est fait officier de la Légion d'honneur en France et devint en Angleterre, membre fondateur et premier président de la Société internationale des sculpteurs, peintres et graveurs  en 1898 
On considère que le personnage du  le peintre Elstir dans À la recherche du temps perdu de Marcel Proust n'est autre que Whistler qui aurait servi de modèle à Proust pour affiner son personnageL.
Malgré ses tentatives répétées pour prouver qu'il n'appartenait à aucune école, Whistler est sans aucun doute l'un des peintres victoriens qui a le plus revitalisé la peinture britannique.
Son  voyage à Venise en 1880 dans le but de réaliser une série de gravures a non seulement renfloué ses finances, mais aussi stimulé  le regard que les artistes et les photographes ont porté sur la ville.
Whistler était persuadé que l'art devrait se concentrer sur l'harmonie des couleurs, ce qui lui valut beaucoup de critiques.

Considéré par  certains  comme un précurseur de l'art abstrait,  il aimait l'harmonie des formes et des couleurs et souhaitait créer un art basé sur des lois précises de composition où le dessin était maîtrisé. Il disait : « l'Art est la science du Beau ».
Vu aussi comme le précurseur de l'impressionnisme anglais, il conçut la peinture comme une  expérience esthétique pure au-delà des valeurs de la représentation et se rapprocha de la culture symboliste des années 1880-1890. Ses contemporains comparaient ses nocturnes et ses symphonies picturales à la musique de  Richard Wagner.
La maison dans laquelle il est né est devenue le musée Whistler

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Hans Holbein l'Ancien (c. 1465–1524) Portrait des Fils de l 'Artiste

Hans Holbein l'Ancien  (c. 1465–1524) 

 Portrait des Fils de l 'Artiste (c. 1514-15) 

Pointe d'argent sur papier blanc,  12.3 x 16.3 cm. 

Hermitage Museum, St. Petersburg

Hans Holbein l'Ancien est un peintre allemand des XVe etXVIe siècles.
Lui et son frère Sigmund Holbein ont réalisé des œuvres religieuses dans un style gothique tardif. Hans l'Ancien fut le pionnier et le principal artisan de la métamorphose de l'art allemand depuis le gothique vers le style Renaissance.
Le peintre illustra également quelques livres, le plus célèbre d'entre eux ayant été L'Éloge de la Folie d'Érasme. Ses deux fils (cf. Portrait ci dessus), Hans Holbein le Jeune et Ambrosius Holbein, reçurent leurs premières leçons de peinture directement de leur père.

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Paul-Gustav Fischer (1860-1934) - Self portrait, Nyrtox in Winter

Paul-Gustav Fischer  (1860-1934) 

Self portrait, Nyrtox in Winter 

Private collection  (Christie's sale)

Paul Gustave Fischer naît à Copenhague dans une famille d’ascendance juive-polonaise. Son père possède un commerce de peinture et de laques et, ayant souhaité devenir peintre dans sa jeunesse, oriente son fils vers cette activité. Il suit les cours de l’Académie royale des beaux-arts du Danemark à Copenhague pendant deux années.
Il débute par des peintures représentant des scènes de rues se déroulant à Copenhague, prises à la tombée de la nuit, lors de journées grises ou par temps de pluie et de neige et qui montrent l’activité des gens et illustrent l’atmosphère du Copenhague d’alors (cf. ci-dessus). Il a signé également plusieurs tableaux montrant des scènes de baignade nue sur des plages ensoleillées.  

Entre 1891 et 1895, il séjourne à Paris, fréquente des impressionnistes et développe la couleur dans ses toiles.
Ses œuvres font partie du mouvement réaliste puis naturaliste. Au cours de sa carrière, Fischer a également développé un intérêt pour les affiches, inspiré en cela par les travaux de Théophile Alexandre Steinlen et Henri de Toulouse-Lautrec, et Jules Chéret le publia dans Les Maîtres de l'affiche (1895-1900).

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Lucio Fontana (1899-1968) - Campione olimpionico

Lucio Fontana (1899-1968) 

Campione olimpionico (Atleta in attesa), 1932 

Painted plaster 

Collezione d’Arte e di Storia della Fondazione Casa di Risparmio, Bologna, Italy

Lucio Fontana est un peintre et sculpteur argentin, fondateur du mouvement spatialiste associé à l'Art informel. Le nom de ses  œuvres est généralement écrit en italien comme "Concetto spaziale, Attesa" qui veut dire "Concept spatial, Attente".  
L'oeuvre ci-dessus date de 1932, soit deux années avant qu'il ne rejoigne l'association Abstraction-Création à Paris et réalise des sculptures expressionnistes en céramique et bronze (Scultura spaziale) entre 1936 et 1949.  À la faveur d’un accident qui endommage l’une de ses toiles prévue pour une exposition à Paris, il fixe alors cette intention par un geste souverain consistant à griffer, perforer et inciser le plan du tableau à l’aide d’une lame de rasoir, d’un poinçon ou d’un cutter pour en révéler l’espace tridimensionnel, puis il constellera certaines de ses peintures d'éclats de verroterie ou de petits cailloux. Fontana pratique aussi ce geste de lacération sur des sphères de bronze ou de céramique.

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Thomas Eakins (1844-1916) - Portrait of Samuel Murray

Thomas Eakins (1844-1916)

Portrait of  Samuel Murray, 1889

Cedarhurst Center for the Arts, Mt Vernon 

The American sculptor and educator Samuel Aloysius Murray was a protégé of the painter Thomas Eakins. In September 1886, at age 17, he entered the seven-month-old Art Students' League of Philadelphia, where he studied under Eakins.  He soon became a favored student, then Eakins's assistant, and was listed as an instructor in 1892. The two artists shared a studio at 1330 Chestnut Street from 1892 to about 1900, sometimes painting and sculpting from the same model.
The pair spent a great deal of time together: working side by side, bicycling around Philadelphia, attending boxing matches, fishing in Gloucester, New Jersey, and taking trips and vacations together. Murray accompanied Eakins on visits to Walt Whitman in Camden, New Jersey (across the Delaware River from Philadelphia), and, following the poet's death on March 26, 1892, they cast a plaster death mask of his face.]Murray introduced Eakins to Catholic priests at St. Charles Borromeo Seminary, and Eakins painted portraits of a number of them.
Eakins painted an 1889 portrait of Murray  above) and featured him in a number of paintings and photographs. Murray modeled at least three figures of Eakins. The exact nature of their relationship is the subject of speculation, but Murray remained a lifelong friend to Eakins, and helped care for the disabled painter in his old age.

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Peter Paul Rubens (1577-1640) - Head of a Moor

Peter Paul Rubens (1577-1640) 

Head of a Moor, ca. 1620, oil on panel,  45.7 x 36.8 cm

The Hyde Collection, Glens Falls

Rubens a beaucoup dessiné et peint des hommes noirs, etudes préliminaire à de plus vastes compositions où ils devaient figurer comme domestiques, mercenaires ou esclaves.
Il existe d'autres versions sur ce même thème conservées au Getty Museum à Los Angeles,  et une copie de l'orignal de Bruxelles attribuée à l'Atelier de Rubens.

Les personnages sont exactement les mêmes, mais ils sont repartis différemment dans le cadrea apparaissant quelquefois seuls quelquefois en nombre.
Voici le lien sur lequel on peut aller voir cette copie réalisée aussi entre 1617 et 1620 :
http://www.getty.edu/.../workshop-of-peter-paul-rubens.../

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Alexander Golovin (1863-1930) - Portrait de Meyerhold

Alexander Golovin (1863-1930)

Portrait de Meyerhold, 1917

Collection privée 

Le  peintre russe et décorateur de théâtre  Alexandre Iakovlevitch Golovine (Александр Яковлевич Головин) a créé les costumes de ballets d'Alexandre Gorski et a participé aux spectacles de Serge de Diaghilev de Constantin Stanislavski, et de Meyerhold (ci dessus)
Apres des études au  lycée Tsarévitch-Nicolas. Golovine a d'abord étudié l'architecture, puis la peinture. Il a été l'élève de l'Académie Colarossi. Il participe à l'exposition universelle de Paris de 1900 et décore le pavillon russe avec son ami Constantin Korovine. En 1901, il quitte Moscou et s'installe à Saint-Pétersbourg. C'est alors qu'il devient un véritable décorateur de théâtre. Après la révolution de 1917, Golovine reçoit de moins en moins de commande de la scène et s'oriente vers la peinture de chevalet et l'illustration. A l'inverse de ses amis, il n'émigre pas.
Golovine fait les décors du Mariage de Figaro de Beaumarchais pour le théâtre d'art de Moscou. Constantin Stanislavski est l'auteur de la mise en scène, dont la première a lieu le 28 avril 1927, après des répétitions qui ont commencé fin 1925, Stanislavski place l'action de la pièce dans la France pré-révolutionnaire et découpe l'action de cinq actes en onze scènes ; Golovine utilise une scène à changement mécanique pour accélérer les changements de décors. C'est un grand succès, la pièce connaît dix rappels le soir de la première.

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Winslow Homer (1836-1910) - The Woodcutter

Winslow Homer (1836-1910)

The Woodcutter, 1891

Private collection 

Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle.

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel-Ange (1475-1564) - Tête idéale

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel-Ange (1475-1564) 

Tête idéale

Craie rouge sur papier blanc

Ashmolean Museum, University of Oxford 

On  peut rappeler que Michelangelo Buonarroti a été le premier artiste à être reconnu comme un génie par ses contemporains mêmes. Il est né à Caprese dans les années 1470 et a suivi une formation de peintre puis de sculpteur. En 1496, déjà connu comme sculpteur, il se rendit à Rome où il sculpta la Pietà pour Saint-Pierre. 

De retour à Florence en 1501, il commence à travailler sur de nombreux projets, dont la plupart restèrent inachevés en 1505 à son retour à Rome

Les études à la craie rouge se rapportent à ses travaux dans la chapelle Sixtine en 1511-1512. 

Concernant cette étude de tête "idéale" on remarque qu'il est difficile de savoir s'il s'agit d'une femme ou d'un homme.  Certains traits sont très masculins (la bouche, le nez) d'autres très féminins (les yeux, le cou, le menton)...  sans doute "l'ideal" de Michel-Ange se situait-il entre les deux, "hors genre", comme on dirait aujourd'hui.  

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Henri Martin (1860-1943) - Les Poëtes du Gai Savoir

Henri Martin (1860-1943) 

Les Poëtes du Gai Savoir

Capitole Toulouse - Salle des Illustres

 L’Académie des Jeux floraux fut fondée en 1323  à Toulouse par plusieurs poètes qui se réunirent pour former ce qu'on appela le Consistori del Gay Saber ou Consistoire du Gai Savoir. Le Gai Savoir ou Gaya Scienza définit la fusion entre l'esprit des troubadours, des chevaliers et des esprits libres par laquelle cette magnifique culture ancienne occitane se distingua de toutes les cultures équivoques.

Unité entre l’Amor fati et la philosophie de Dionysos, le Gai Savoir est la philosophie du oui à la vie, engendrée par la reconnaissance et l’aquiescement, qui culmine dans la pensée de l’éternel retour.  

Cette ancienne culture occitane  inspira à Friedrich Nietzsche un ouvrage célèbre Le Gai Savoir, publié en 1882 sous le titre original de Die fröhliche Wissenschaft, la gaya scienza,  contenant alors, en dehors du prologue,  4 livres et portant comme épigraphe ces mots d’Emerson : « Pour le poète et pour le sage toutes choses sont familières et sanctifiées, tous les événements utiles, tous les jours sacrés, tous les hommes divins. »
Ce n’est que lorsque l’éditeur Fritzsch, de Leipzig, devint le dépositaire des œuvres de Nietzsche que le Gai Savoir fut augmenté d’une préface, du cinquième livre et des Chants du Prince « Vogelfrei ». Remis en vente par son nouvel éditeur en juin 1887, l’ouvrage prit alors le titre actuel Le Gai Savoir (« la Gaya Scienza ») et l’épigraphe d’Emerson fut remplacée par un quatrain de Nietzsche.

Henri Martin fut l 'élève à Paris de Jean-Paul Laurens.Henri Martin aura lui-même comme élève et comme collaborateur le peintre Henri Doucet. En 1885, il parcourt l’Italie et y étudie les primitifs.Ce voyage marque un tournant dans son art et oriente l’artiste vers une inspiration poétique. Sa technique s’éloigne des modèles académiques, au profit d’un divisionnisme original qui révèle l’influence des néo-impressionnistes mais d’une manière plus spontanée que théorisée : des touches courtes, séparées et parallèles y construisent les formes et la lumière, dans un chromatisme idéalisé et propice au rêve.
Lecteur de Poe, de Dante, de Byron, de Baudelaire et de Verlaine (il souscrit aux Liturgies intimes éditées par la revue Le Saint-Graal en 1892), Henri Martin expose des œuvres à thèmes symbolistes, telles que Chacun sa chimère ou Vers l’abîme  et des paysages brumeux peuplés de figures mélancoliques et intemporelles.
Il participe en 1892 aux salons de la Rose-Croix de Joséphin Peladan. Il honore des commandes publiques, ornant tour à tour le Capitole de Toulouse, la préfecture du Lot à Cahors, la Sorbonne en 1908, l’Hôtel de ville de Paris, un cabinet de l’Élysée en 1908, le Conseil d’État en 1914-1922, la Mairie du Ve arrondissement en 1935.
Henri Martin, tout en s’éloignant des thèmes symbolistes, en gardera toujours la poésie mystérieuse des attitudes, l’atmosphère secrète et diffuse des paysages et une certaine spiritualisation des formes baignées par la sérénité des figures traditionnelles, de l’allégorie. Sa nature profonde le porte vers une expression apaisée d’un monde idéalisé dans un pointillisme aux touches élargies.

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Paul-Gustav Fischer (1860-1934) - A man on the beach

Paul-Gustav Fischer  (1860-1934)  

 A man on the beach, 1910

Private owner 

Paul Gustave Fischer naît à Copenhague dans une famille d’ascendance juive-polonaise. Son père Philip Fischer  (1817-1907) possède un commerce de peinture et de laques et, ayant souhaité devenir peintre dans sa jeunesse, oriente son fils vers cette activité. Comme son frère Johannes August Fischer  (1854-1921), qui devient également peintre, il suit les cours de l’Académie royale des beaux-arts du Danemark à Copenhague pendant deux années.
Il débute par des peintures représentant des scènes de rues se déroulant à Copenhague, prises à la tombée de la nuit, lors de journées grises ou par temps de pluie et de neige et qui montrent l’activité des gens et illustrent l’atmosphère du Copenhague d’alors.

 Entre 1891 et 1895, il séjourne à Paris, fréquente des peintres issu du mouvement impressionniste et développe la couleur dans ses toiles. Fischer se rend par la suite à plusieurs reprises en Allemagne et en Italie, voyage en Scandinavie et continue à peindre sur ses thèmes de prédilection. Il signe également plusieurs tableaux montrant des scènes de baignade nue se déroulant sur des plages ensoleillées.
Ses œuvres font partie du mouvement réaliste puis naturaliste. Au cours de sa carrière, Fischer a également développé un intérêt pour les affiches, inspiré en cela par les travaux de Théophile Alexandre Steinlen et Henri de Toulouse-Lautrec, et Jules Chéret le publia dans Les Maîtres de l'affiche (1895-1900).
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Pablo Picasso (1881-1973) - Autoportrait face à la mort

Pablo Picasso (1881-1973) 

Autoportrait face  à la mort   (1972)

Crayon à la cire sur papier 

65,7x50,5 cm

Fuji Television Gallery, Tokyo

C'est le dernier autoportrait que Picasso réalisa environ 9 mois avant sa mort.
Il lui fallut plusieurs mois avant de pouvoir le finir.
La série d’autoportraits qui l’encadrent ici  a été réalisée en rafales, à quelques jours d'intervalle pendant l’été 1972.

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Dosso Dossi (c.1486–1542) - Portrait of a young Man holding a Dog and a Cat

Dosso Dossi (c.1486–1542)  (attributed to) 

Portrait of a young Man holding a Dog and a Cat.

Oil on panel

Ashmolean Museum, Oxford

Dosso Dossi, de son vrai nom Giovanni di Niccolò de Lutero ou Luteri est un peintre italien de l'école de Ferrare. Il tient son nom de la villa familiale près de Mantoue, la Villa Dossi.
Frère aîné de Battista Dossi, il s'est formé dans l'atelier de Giorgione, il a aussi été probablement l'élève de Lorenzo Costa.
En 1514 il s'établit définitivement à Ferrare et devient peintre de la cour du duc Alphonse Ier d'Este, puis d'Hercule II. Il créa des cartons de tapisseries, des décors de théâtre, des vues urbaines et des portraits de la famille princière.

Il peint aussi de nombreux tableaux mythologiques et exécute pour le nouvel appartement du château de Ferrare Dix scènes de la vie d'Enée. Il participe aux décorations de la Chambre d'albâtre du palais ducal, réalisées par Bellini.
Il réalise également des retables, pour les nombreux autels des églises ducales d'Este, dont un grandiose polyptyque conservé à la Pinacothèque nationale de Ferrare.
Ami de L'Arioste, il s'absenta plusieurs fois de la cour de Ferrare, pour séjourner à Venise. Il y fut en contact avec Giorgione, Cariani, Savoldo et plus tard le Titien. Inspiré par l'art vénitien, Dosso Dossi est considéré comme le principal représentant de l'école  de Ferrare, correspondant en peinture  à L'Arioste en littérature.
Il séjourna aussi à Florence en 1517 et à Mantoue en 1519 pour accompagner Titien. 

Il alla à Rome avec son frère Battista en 1519-1520 et il y travailla avec Raphaël.
En 1529, il fut probablement appelé par François Marie Ier della Rovere, duc d'Urbino, à Pesaro pour décorer le palais de Villa Imperiale.
Entre 1531 et 1532, il se rendit au château du Bon Conseil, à Trente avec son frère cadet Battista, à l'appel du cardinal Bernardo Clesio qui leur confie la décoration du Magno Palazzo, le Palais qu'il vient de faire construire à côté de l'ancienne forteresse, le Castelvecchio. Battista décore un corridor de fresques représentant les Dieux de l'Olympe, et Dosso peint sur le plafond de la Sala Grande « des putti frivoles devant des nuages sur fond de ciel bleu ».

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Frederick Sandys (1829-1904) - Portrait of Charles Augustus Howell

Frederick Sandys (1829-1904)

Portrait of Charles Augustus Howell. 

Coloured chalk on pale blue paper, 1882.

Private collection 

Charles Charles Augustus Howell (1840 - 1890) dont on voit ici le portrait  était un marchand d'art assez trouble qui avait la réputation d' être ni plus ni moins qu'un  maître-chanteur et un  menteur patenté ! 

Sa sulfureuse réputation dans le Londres victorien a inspiré l’histoire à Arthur Conan Doyle un épisode de 

 Sherlock Holmes intitulé 

"The Adventure of Charles Augustus Milverton"

Apres une vie plus que mouvementée, Howell  mourut en 1890 dans des circonstances étranges.

Il fut  retrouvé près d'un pub de Chelsea, la gorge tranchée et  avec une pièce de monnaie dans la bouche. La présence de la pièce de monnaie dans la bouche était alors le signe réservé à  ceux que l'on accusait de calomnie.  Pour éviter le scandale et une enquête de police, il fut décidé que sa mort serait attribuée à  d'une "phthisie pneumonique".  Néanmoins les circonstances de sa mort et les nombreuses rumeurs sur sa malhonnêteté conduisirent la justice victorienne à  l'accuser d'avoir utilisé des lettres en sa possession pour faire chanter des personnalités. 

Ses collègues dans le monde de l'art étaient plutôt divisés à son sujet. 

Certains en pensaient le plus grand mal : ainsi Edward Burne-Jones qui le décrit comme "un homme perfide et sans scrupules " ou  Algernon Charles Swinburne qui  déclara qu'il était " l'homme le plus vil que j'ai jamais rencontré"  !  

D'autres artistes étaient moins sévères ainsi  Ford Madox Brown  qui  déclara que bien qu'il fût "l'un des plus grants menteurs existant et qui plus est à moitié fou, il était toujours de bonne humeur" ou  Whistler qui le décrivait comme  " un  homme merveilleux, un génie  magnifiquement flamboyant ". 

Anthony Frederick Augustus Sandys, fut un peintre, illustrateur et dessinateur pré raphaelite britannique dont la carrière s'est déroulée pendant l'ère victorienne.
Les thèmes de ses oeuvres concernent surtout sur la mythologie et les portraits.
En 1846, il est élève à la Norwich School of Art & Design. En 1899 il devient membre de l'Executive Committee of the International Society of Sculptors, Painters and Gravers.
Sa sœur, Emma, était également une artiste importante.

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Jean-Antoine Watteau (1684-1721) - Profil de jeune homme

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

 Profil de jeune homme 

Ashmolean Museum, University of Oxford

Absolument adulé de son époque par un petit groupe d'admirateurs, auréolé d'une légende romantique au 19e siècle, Watteau demeure  "un accident dans l'Histoire de l 'art" et un inconnu pour la plupart des hommes du 21e siècle, malgré les prix fabuleux atteints par ses toiles ou le moindre de ses dessins. Les biographes se perdent et nous perdent souvent dans les détails assez contradictoires de sa vie, dans l'histoire complexe de ses relations, parfois orageuses, avec ses amis, ses condisciples, ses maîtres et ses protecteurs, complexité qui reflète l'instabilité de son caractère et de son humeur que tous  ses contemporains sans exceptions définissent comme sombre et souvent mauvaise. 

Quant à la chronologie de son œuvre, elle demeure - pour le moins - peu assurée...

Selon l'Encyclopédie Larousse, le nombre de ses toiles est évaluée aujourd'hui à 200 environ, toujours d'un format assez restreint, presque jamais datées et jamais signées, comme la plupart de ses dessins et études préparatoires souvent empreintes de mélancolie et d'inquiétude.

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Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait d'homme (Jacques Cazotte)

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)

Portrait d'homme (Jacques Cazotte)

Pastel sur papier,  1756   (55 x 44 cm) 

The Morgan Library and Museum 

Titré "portrait d''homme", il s'agit probablement di portrait de l 'écrivain Jacques Cazotte (1719-1792). qui était un des amis de Perronneau et qu'il a peint à de nombreuses reprises et diverses périodes de sa vie. Conseiller du roi en ses conseils, commissaire général de la marine (1760), membre de l'Académie des Sciences et Belles-Lettres de Dijon (1763), maire de Pierry (1790), littérateur français, propriétaire du Château de la Marquetterie de 1760 à 1789,  Jacques Cazotte est mort guillotiné le 25 Septembre 1792 sur la Place du Carrousel à Paris.

Cazotte, auteur autant exalté qu'inspiré, possède une vision personnelle de l'histoire qu'il considère comme une successions de scènes et de figures à interpréter dans les sens d'un combat contre l'oeuvre du Diable et d'une lutte du bien contre le mal. Ainsi assimilera-t-il la Révolution française de 1789 a une oeuvre diabolique et la défense du roi à la lutte permanente du Bien contre le Mal que tout humain doit livrer.
L'écrivain et critique  Jean-François de La Harpe, va rapporter dans un de ses ouvrages dénommé Prédiction de Cazotte, écrit en 1788 (mais éditée en 1816), l'intégralité d'une étrange prophétie faite par Jacques Cazotte, un an avant la Révolution française et qui décrit pour chaque personnage présent dans un salon où ils devisent, ce qu'il va advenir d'eux durant la future révolution. 

Ces propos furent tenus en présence du mathématicien Nicolas de Condorcet, du poète et moraliste Sébastien-Roch Nicolas de Chamfort et de la salonnière Béatrix de Choiseul-Stainville, duchesse de Grammont, auxquels il prédit une mort violente liée à la terreur révolutionnaire.

Le rapporteur des propos, Jean-François de La Harpe, le médecin et naturaliste Félix Vicq d'Azyr (auquel il prédit sa maladie) et le futur défenseur de Louis XVI, le magistrat, Malesherbes étaient également présents

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Ilya Repin (1844-1930) - To his homeland, The hero of the last war

Ilya Repin (1844-1930)

To his homeland, The hero of the last war, 1878

Private collection

Dès le début de son activité créatrice, dans les années 1870, Repin devient une des figures clés du réalisme russe. Il réussit à refléter dans sa production picturale la diversité de la vie qui l'entoure, à embrasser dans son œuvre toutes les dimensions de son époque, à aborder les thèmes qui traversent la société et à réagir vivement à l'actualité . Son langage pictural a une plasticité qui lui est personnelle, et il s'approprie différents styles, depuis celui des peintres espagnols et hollandais du 17e siècle jusqu'à ceux d'Alexandre Ivanov ainsi que des éléments des impressionnistes français qui lui sont contemporains, mais qu'il n'a jamais vénérés.

L'œuvre de Répine s'épanouit dans les années 1880. Il compose alors une galerie de portraits de ses contemporains, travaille comme peintre d'histoire et de scènes de genre.

Selon Vladimir Stassov, l'œuvre de Répine est ainsi une « encyclopédie de la Russie d'après l'abolition du servage ». Il passe les 30 dernières années de sa vie en Finlande, dans sa propriété des Pénates à Kuokkala. Il continue à y travailler, bien que moins intensément qu'avant. Il écrit des mémoires, dont une partie est publiée dans le livre de souvenir «Далёкое близкое» (Loin et proche).

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Jan van Eyck (1390-1441) - Portrait of Jan de Leeuw

Jan van Eyck (1390-1441)

Portrait of Jan de Leeuw (1436)

Oil on panel, 24.5 × 19 cm.

Kunsthistorisches Museum, Vienna.

Jan de Leeuw était un orfèvre installé à Bruges. La plupart des historiens d'art considèrent, en raison du caractère intime du portrait, que le peintre et son modèle se connaissaient personnellement et étaient en bons termes.
La peinture (de très petites dimensions) est dominée par les tons noirs et brun foncé, avec des rehauts de rouge. De Leeuw est présenté comme un homme sérieux, au regard intense, fixant le spectateur. Il est coiffé d'un chaperon noir et vêtu d'un manteau noir bordé de fourrure. Il se tourne vers le spectateur et présente, entre le pouce et l'index de la main droite, une bague en or sertie d'une pierre rouge, symbolisant sa profession. Certains experts ont suggéré que cette bague pouvait aussi  indiquer de récentes fiançailles, voire, compte tenu du regard direct et de la taille du panneau, d'une peinture adressée à la promise elle même.
On remarquera aussi la cicatrice sur la tempe droite du personnage, qui fait penser à une trace de naissance due par exemple à l'usage des forceps, ces instruments d'extraction du fœtus hors des voies génitales lors d'un accouchement, utilisés avec plus ou moins de succès depuis la plus haute antiquité.

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Paul-Albert Besnard (1849-1934) - Portrait d'Alfred Lenoir

Paul-Albert Besnard (1849-1934) 

 Portrait d'Alfred Lenoir, 1870

Huile sur panneau de bois 

(Propriétaire inconnu)

Paul-Albert Besnard, élève d'Alexandre Cabanel aux Beaux Arts de Paris fut un portraitiste reconnu de son vivant. Il reçut de nombreuses commandes officielles et contribua notamment à la décoration de plusieurs monuments parisiens : le plafond du salon des Sciences de l’Hôtel de ville de Paris, le vestibule de l'Ecole de pharmacie de Paris, l’amphithéâtre de chimie de la Sorbonne, le plafond de la Comédie-Française, la coupole du Petit-Palais, la salle des mariages de la mairie du 1er arrondissement. Il participa également à la décoration de demeures privées parisiennes, comme l'hôtel Rouché, rue de Prony, aux côtés de Maurice Denis et George Desvallières.
Il réalisa aussi des décors а l'étranger : en 1908, il peint Union de l'Autriche-Hongrie et de la France à l'ambassade de France а Vienne (Autriche), et en 1914, La Paix par l'arbitrage pour la salle de Justice du Palais de la Paix а La Haye.
Peintre académique comblé d'honneurs, Albert Besnard fut nommé directeur de la Villa Médicis à Rome en 1913, succédant à Carolus-Duran puis directeur des Beaux-Arts de Paris en 1922.
Au moment de son décès, des obsèques nationales furent organisées à l'église Saint-Ferdinand-des-Ternes à Paris, puis dans la cour Napoléon du palais du Louvre.

Charles Alfred Lenoir, (1850 -1920) était un sculpteur français. Les Goncourt mentionnent qu'il obtient le second prix de Rome, et que, découragé, il va passer néanmoins huit mois en Italie à ses frais.  Alfred Lenoir expose au Salon à partir de 1874. Il obtient une médaille de deuxième classe à l'Exposition universelle de 1878. En 1889 et 1900, on lui décerne des médailles d'or à l'Exposition universelle de 1889 et à celle de 1900 à Paris.
Il réalise plusieurs statues allégoriques de la République, des statues pour le Palais de justice du Havre et pour l'Hôtel de ville de Paris. on lui doit aussi  le Monument à Berlioz, puis celui de Paul Bert, du maréchal Canrobert (à Saint-Céré), de Victor Duruy (à Villeneuve-Saint-Georges), ainsi qu'une France de Charlemagne pour le pont Alexandre-III.
En 1908, Alfred Lenoir est nommé inspecteur général de l'enseignement du dessin : « Bouclant ce sac de curé de campagne qui constituait son bagage, il s'en alla par la France, semant les bons conseils dans les écoles, indulgent aux tentatives intéressantes, pèlerin de l'art, missionnaire qui croyait à son apostolat… ». 

Besnard fit le portrait de ce personnage studieux, attachant et sincère, toujours second partout et jamais premier nulle part, alors qu'il avait 20 ans (ci-dessus).

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Felice Casorati (1883-1963) - A Student

Felice Casorati (1883-1963) 

A Student, c.1910 

Oil on plywood panel 

Museum of Fine Arts, Boston

Le peintre italien Felice Casorati, est porche du mouvement du proche du réalisme magique.

Ses œuvres ont été exposées à la Biennale de 1909 et 1910 à coté d'oeuvres d'une salle consacrée   à Gustav Klimt qui impressionna beaucoup Casorati. A partir de ce moment là, le style symbolique et décoratif de la Sécession viennoise influença de manière décisive ses travaux. Entre 1911 et 1915, il a vécu à Vérone et avec d'autres fonda, en 1914, le magazine La Voie Lactée, avec des illustrations de style art nouveau à  la manière de Jan Toorop et Aubrey Beardsley. Vers la fin de sa vie il était proche de' artistes comme  Arturo Martini, Gino Rossi, Umberto Moggioli, Pio Semeghini, dont l'orientation européenne lui a présenté les récents développements artistiques à Paris et Monaco.
En 1917, il s'établit à Turin et devient rapidement une figure centrale des milieux intellectuels de Turin. Dans son atelier de la via Mazzini à Turin, il ouvre une école de peinture pour jeunes artistes, loin de toute école systématique...
En 1931, il se marie avec une de ses étudiantes, Daphné Maugham, nièce de Somerset Maugham, qui a étudié la peinture à Paris et à Londres et qui est entré dans son atelier de Turin en 1926.

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Hugo van der Goes (1467-1482) - Portrait of a Man (c. 1475)

Hugo van der Goes (1467-1482)

 Portrait of a Man (c. 1475) 

Oil on wood, 31.8 x 26 cm.

 The Metropolitan Museum of Art, New York 

(on view in gallery 461) 

Hugo van der Goes a produit quelques-uns des retables les plus célèbres de la Renaissance nordique. Le réalisme accru de ce portrait, en particulier le rendu du chaume de la barbe, est une caractéristique de son travail. En plaçant la tête de l’homme dans un intérieur sombre, à côté d’une fenêtre lumineuse, le contraste accentué de la lumière et de l’ombre améliore le modelage des traits du visage.

Par la suite ce portrait a visiblement  été découpé en oval alors qu'il était rectangulaire à l'origine,  sans doute une partie d’un triptyque. Le propriétaire de ces mains jointes dans une prière éternelle dirige son regard vers une image religieuse manquante....

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George Platt Lynes (1907–1955) - Portrait of Herbert Bliss as Narcissus

George Platt Lynes (1907–1955)

Portrait of Herbert Bliss as Narcissus,  1952

Private collection 

George Platt Lynes est un photographe de mode et de publicité américain.
Tout en poursuivant sa carrière de photographe de mode et en travaillant pour des clients aussi importants que Bergdorf Goodman et Saks Fifth Avenue dans les années 1930 et 1940, il perd peu à peu le goût pour ce travail et entreprend une série de photos sur des personnages et des histoires de la mythologie grecque.
Vers le milieu des années 1940, désabusé, il quitte New York pour Hollywood, où il devient photographe en chef des studios Vogue. Il photographie Katharine Hepburn, Rosalind Russell, Gloria Swanson et Orson Welles, ainsi que d'autres artistes parmi lesquels Aldous Huxley, Igor Stravinski et Thomas Mann. C'est un succès artistique mais un échec financier.
Ses amis l'aident à rentrer à New York, en 1948. Mais d'autres photographes tels que Richard Avedon, Edgar de Evia et Irving Penn ont pris sa place dans le monde de la mode. Le travail commercial ne l'intéresse plus et il ne parvient pas renouer avec le succès.
Il consacre alors sa vie photographique à l'imagerie homoérotique (cf. portrait ci-dessus). Il avait commencé dans les années 1930 à photographier des nus dans son cercle d'amis et d'artistes, dont le jeune Yul Brynner, mais ces tirages n'étaient connus que par des intimes. Il commence à travailler avec le docteur Alfred Kinsey et son institut à Bloomington (Indiana), qui de nos jours renferme la plus grande collection de nus masculins.
ll se déclare deux fois en faillite.
En mai 1955, on lui découvre un cancer des poumons en phase terminale. Il ferme son studio de photographie, détruit la plupart de ses tirages et de ses négatifs, principalement des nus masculins. Après un dernier voyage en Europe, Lynes revient à New York où il meurt.

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Winslow Homer (1836-1910) - The Guide

Winslow Homer (1836-1910)

The Guide, 1895 

Private owner 

Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde.
Il passe ensuite deux années de sa vie dans le nord de l'Angleterre (1881-1882).
Il peint de nombreuses marines. Le critique d'art Françoise Dargent écrivit à propos de ses tableaux : « C'est comme si on invitait l'océan dans son salon. » Dans Key West, Hauling Anchor (1903), par exemple, le sujet est l'appareillage d'une goélette aurique à Key West, en Floride. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle. Dans ses portraits, il peint aussi souvent et surtout des enfants insouciants.
Il est enterré dans le cimetière de Mount Auburn, à Cambridge  (Massachusetts).

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Gregorio di Lorenzo (atelier) (1436-1504) - Profil de guerrier casqué

Gregorio di Lorenzo (atelier)  (1436-1504)

Profil de guerrier casqué (empereur romain ?) 

Musée des beaux-arts de Nîmes 

Gregorio di Lorenzo (vers 1436 - 1504 ) était un sculpteur italien  très tôt réputé  et classé comme le "maître des madones en marbre ".
Documenté à Florence de 1455 à 1495  il fut actif dans la production des reliefs et en particulier d'élégantes Madones à l'Enfant, inspiré  de Mino da Fiesole et du Desiderio da Settignano.
Son identité n'a été clairement  établie que récemment (après avoir proposé les noms de Domenico Rosselli , Tommaso Fiamberti et Giovanni Ricci ) et diverses œuvres lui sont aujourd'hui attribuées dans divers musées italiens et étrangers. On retrouve ses Madone et enfant  principalement  dans l' église de Santo Stefano al Ponte à Florence, au Musée national du Bargello (2) , dans  la Galerie nationale des Marches (3) d' Urbino, au Louvre(1) Paris, à,la Galerie nationale d'Australie(1) à Canberra,  au Museum of Art de Columbia (1) en Caroline du Sud ), au Musée des beaux-arts du Canada (1) à Ottawa et  au Bode-Museum  (6) de Berlin .
Il a également travaillé à Urbino, où il a sculpté des bas reliefs  avec sphinx, chérubins et chérubins pour  Federico da Montefeltro et à Venise où il a orné  deux pièces de l'appartement des invités dans le Palais des Doges
Les bas-reliefs avec le profil d' Antonino Pio et Marco Agrippa à la Casa Romei de Ferrara , ceux d' Adriano au musée du Louvre à Paris et de Sulpicio Galba au séminaire épiscopal de Rovigo lui sont également attribués de meme que c e profil de guerrier conservé au MBA de Nimes. 

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Jacques-François Delyen (1684-1761) - Autoportrait, 1714

Jacques-François Delyen  (1684-1761) 

Autoportrait, 1714 

Musée des beaux-arts de Nîmes 

Jacques-François Delyen est un peintre français, principalement de portraits. Né à Gand, Delyen se rapproche de Nicolas de Largillierre chez qui il entre en apprentissage aux alentours de 1710-1715. 

Il est reçu à l'Académie Royale le 24 novembre 1725 sur présentation des portraits de Nicolas Bertin et de Guillaume Coustou. Il expose alors régulièrement aux salons de l'Académie qui auront lieu de 1737 à 1747.
Ses œuvres sont fort rares mais révèlent un artiste plus qu'attachant, spirituel surtout dans les quelques autoportraits qui subsistent de lui.

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Frederic Remington (1861-1909) - A New Year on the Cimarron

Frederic Remington (1861-1909)

A New Year on the Cimarron, (A Courier's Halt to Feed)

Oil on canvas, (69.2 × 102.2 cm), 1903

Boston Museum of Fine Arts

Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Frederic Sackrider Remington n'a visité en réalité cette région qu'à deux ou trois reprises et en y restant quelques mois seulement. Ses descriptions de la vie des pionniers, avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables en même temps que des oeuvres d'art appréciées aujourd'hui des plus grands collectionneurs et des plus grands musées de la planète.
Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient " homme d'affaires" à Kansas City. En 1884, il se marie avec Eva Caten et étudie à la Art Students League de New York. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, l'album dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection de l'artiste dans l'ouest américain ! C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) - Portrait de F.F. Chostakovitch

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927)

Portrait de Chostakovitch, 1923 

Papier, crayon, sanguine

Collection privée

Le peintre russe et décorateur de théâtre Boris Mikhaпlovitch Koustodiev ( Борис Михайлович Кустодиев) fit  d'abord carrière dans la Russie impériale et continua de travailla pendant les premières années de la révolution russe. 

En 1909, alors qu'il vient d'être élu à l'Académie impériale des beaux-arts, une maladie grave — la tuberculose de la colonne vertébrale — requiert son attention urgente. Sur le  conseil des médecins docteurs, il passe une année en Suisse, y suivant un traitement dans une clinique privée. Sa patrie lui manque, et les thèmes russes continuent d'être à la base de toutes les œuvres qu'il exécute pendant cette année.

 En 1916, il devient paraplégique et écrit :  « Maintenant ma chambre est mon monde entier. »
Sa capacité de rester joyeux et vif en dépit de sa paralysie est étonnante. Ses peintures pleines de couleurs vives ne révèlent pas sa souffrance physique ; au contraire, elles donnent l'impression d'une vie heureuse et sans soucis. Son Mardi de Maslenitsa (1916) et Fontanka (1916) sont peints à partir de ses souvenirs. En 1918, il termine La femme du marchand,  que devient très vite son œuvre la plus connue.

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Fairfield Porter (1907-1975)- Lawrence at the the piano

 Fairfield Porter (1907-1975)

Lawrence at the the piano, 1953 

New Britain Museum of American Art

Fairfield Porter  était un peintre et critique d'art américain.  Il était le quatrième des cinq enfants issu d'une famille d'artistes, en l'occurrence l'architecte  James Porter et la poétesse de Ruth Furness.

Pendant ses études à Harvard, Porter se spécialisa en beaux-arts. il poursuivit ses études à la Art Students' League après son déménagement à New York en 1928. Ses études à la Art Students' League l'auraient prédisposé à produire un "art socialement pertinent" et, bien qu'il ait bordé de nombreux thèmes dans sa vie,  il resta fidèle au style réaliste pendant toute  sa carrière. Il fuit  à la fois critiqué et vénéré pour être resté fidèle à ce style tout en faisant partie du mouvement expressionniste abstrait.

Ses sujets furent  principalement des paysages , des intérieurs et des portraits de famille, d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à la New York School of Writers School , notamment John Ashbery, Frank O'Hara et James Schuyler. 

Beaucoup de ses peintures ont été conservées dans et autour de la maison d'été familiale de Great Spruce Head Island, dans le Maine, et dans la maison familiale située au 49 South Main Street, à Southampton, dans l'État de New York.

Sa vision picturale qui englobait une fascination pour la nature et une capacité à relever dans la vie quotidienne, les détails  extraordinaires, devait beaucoup aux peintres français Pierre Bonnard et Édouard Vuillard  qui'l admirait.

Porter a dit un jour: "Quand je peins, je pense que ce qui me satisferait le plus serait d'exprimer ce que Bonnard disait avoir entendu dire à  Renoir  :" Rends tout plus beau. " 

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