google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 PORTRAITS MASCULINS : mai 2018

jeudi 31 mai 2018

Alexandre Cabanel (1823-1889),


Alexandre Cabanel (1823-1899) 
Autoportrait, 1852 
Musée Fabre Montpellier (1823-1899)

Alexandre Cabanel,  est un artiste peintre français,  originaire de Montpellier ou sont conservés beaucoup de ses grandes toiles , considéré comme l'un des grands peintres académiques du Second Empire, dont il reste l'un des artistes les plus admirés.Fils d'un modeste menuiser de montpellier il se retrouve ne 1850 pensionnaire de la la Villa Medicis. 
La célébrité lui vient avec la Naissance de Vénus exposée au Salon de 1863 qui est immédiatement achetée par l'empereur Napoléon III pour sa collection personnelle et qui entre au musée du Luxembourg en 1881 (le tableau est conservé aujourd'hui à Paris au Musée d'Orsay). Apres la commande par Napoleon III de son célèbre portrait officiel, les célébrités européennes et les grands collectionneurs américains lui commanderont leurs portraits  
En 1863, Cabanel est élu membre de l'Académie des beaux-arts au fauteuil X. 
Comblée d'honneur et jouissant d'une immense célébrité de son vivant, il est enterré dans las ville natale de Montpellier.

mercredi 30 mai 2018

Pedro Lira (1845-1912)


Pedro Lira (1845-1912) 
 Portrait of the painter Pablo Burchard

Pedro Francisco Lira Rencoret était un peintre et critique d'art chilien, qui contribué largement à  à la création du Musée national des beaux-arts du Chili . Il est surtout connu pour ses portraits de femmes.

mardi 29 mai 2018

Eugène Jansson (1862-1915) - Knud Nyman

http://menportraits.blogspot.com

Eugène Jansson (1862-1915)
Jeune athlète nu qui représente Knud Nyman, 1907
  Prince Eugens Waldemarsudde

Eugène Jansson est un peintre symboliste suédois resté quasiment  inconnu hors de son pays jusqu'aux années 1990. Singulier, novateur, constamment inquiet, il a suivi un parcours étrange, hanté par la nuit, le désir, et la mort et les corps masculins souvent représentés dans l'effort et la tension. 
Dès 1885, il montre ses premières vues de Stockholm d'abord de jour puis au crépuscule. Tout de suite célèbre pour ses vues nocturnes, bleues et illuminées, de sa ville de Stockholm en été, il insiste   dans ses paysages sur le bleu, comme dans Nocturnes en référence à Chopin, son musicien favori.
À partir de 1904, il peint de grandes toiles ayant pour sujet le corps masculin nu, athlétique, de jeunes hommes qu'il rencontre dans les établissements de bains de la Marine, surtout celui de Skeppsholmen, et qu'il ramène dans son atelier transformé en salle d'entraînement. Il vit ainsi jusqu'en 1913 avec Knut Nyman rencontré au Flottans badhus, de vingt-cinq ans son cadet et qui fut le modèle de plusieurs de ses toiles. Il fréquenta à cette époque beaucoup les lieux de plaisir de Stockholm. 
Cette peinture fait alors l'objet d'une grande résistance du milieu artistique conventionnel suédois et est constamment l'objet de moqueries.
En 1913, son état de santé se dégrade, et jusqu'en 1915 il peint des scènes de cirque.
Il est victime en 1915 d'une hémorragie cérébrale. Lors de ses obsèques, son ami le peintre Karl Nordström  évoqua : «  Une rêverie sombre et réservée et une tendre mélancolie, une recherche dans cette nuit bleue d'un idéal à travers le corps humain  ».

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2018 - Men Portraits 
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lundi 28 mai 2018

Edward Curtis (1868-1952) - Self portrait 1899


Edward Curtis (1868-1952)  
Self portrait, 1899
Published in 1910 in The Seattle Star.

Edward Sheriff Curtis est l'un des principaux anthropologues sociaux des Amérindiens d'Amérique du Nord — et de l'Ouest américain — laissant trace d'écrits, d'enregistrements sonores des chants indiens et de nombreuses photos sur verre. Ainsi, de manière non exhaustive, il a entrepris l'inventaire photographique d'amérindiens des 80 tribus existantes. Cette population indienne qui était estimée à plus d'un million d'individus au 18e siècle, avait chuté aux alentours de 40 000 lorsqu'il lança son projet.
Entre 1907 et 1930, il mena  une véritable course contre la montre. Parmi les tribus qu'il visita : les Kwakiutl sur la côte pacifique, les Comanches, les Apaches et les Crees, dans leurs tipis caractéristiques, dans les Grandes Prairies et au pied des Rocheuses, les Hopis, les Pueblos et autres habitants du Sud-Ouest, les Gens-du-Sang, les Blackfeet et les Algonquins dans le Montana.
On estime que Curtis traversa les États-Unis environ 125 fois en rendant visite à 80 tribus et que 40 000 clichés furent pris.  Il utilisa également un appareil à cylindre de cire enregistreur d'Edison qui lui permit d'étudier 75 langues et dialectes et d'enregistrer 10 000 chants indiens. 
Une partie de son travail fut publié dans une somme en vingt volumes intitulée : « The North American Indian », comprenant 2 500 photographies, 4 000 pages de textes, alors qu'au total, Curtis réalisa près de 50 000 prises de vue.

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dimanche 27 mai 2018

Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Marin attablé


Yannis Tsarouchis (1910-1989)
 Marin attablé

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης ) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930  il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre.  En  1935  et 1936, il se rend Istanbul, en  Italie  à  Paris où il  rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
 Il a affectionnait particulièrement les portraits marins et de militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. 

samedi 26 mai 2018

Adélaide Labille-Guiard (1749-1803) - Portrait du peintre François-André Vincent

https://menportraits.blogspot.com/2018/05/adelaide-labille-guiard-1749-1803.html

Adélaide Labille-Guiard (1749-1803)
Portrait du peintre François-André Vincent, 1783 
Musée du Louvre, Paris 

Adélaîde Labille-Guiard, dite aussi Adélaïde Labille des Vertus, est une artiste peintre, miniaturiste et pastelliste française dont la destinée dans les temps troublés les de la Révolution française lui permit d'être à la fois la peintre officielle de Mesdames (les tantes du roi Louis XVI) et de faire le portrait au pastel du terrible Maximilien de Robespierre, celui de Talleyrand et ceux de 14  députés  de l'Assemblée nationale, lorsque Mesdames partirent en exil en Italie.  Sous la Terreur elle fut forcée, pour garder la vie, de détruire un de ses tableaux Réception d’un Chevalier de l’Ordre de Saint-Lazare par Monsieur ; elle en conçut une si grande amertume qu'elle cessa de peindre pendant quelques années.   
Dernière des 8 enfants d’un couple de bourgeois parisien dont le père est mercier et propriétaire de la boutique de mode, À la toilette, située rue de la Ferronnerie, dans la paroisse Saint-Eustache, elle voit très tot defiler devant ses yeux les belles dames de son temps. C’est  d'ailleurs dans la boutique de son père que débuta en tant que vendeuse, une certaine Jeanne Bécu, qui deviendra plus tard Madame du Barry..
Au18e siècle, pour des raisons de "décence", on refuse aux femmes le droit de copier des modèles vivants. Les femmes voulant peindre des portraits d'après des modèles vivants devaient donc se débrouiller par elle-mêmes et se lancer dans une carrière d’autodidacte.  Cette limitation explique pourquoi les femmes peintres peignirent principalement des portraits en buste. Ce fut aussi le cas d'une autre grande femme peintre du 18e siècle,  Elisabeth Vigée Le Brun.
Adélaïde ne se distingue pas de ses consœurs en  faisant surtout des portraits au pastel ou à l’huile qu'elle cadre à la poitrine ou à la taille (pour les plus osés ! ). Le pastel, bien qu’étant une technique difficile à maîtriser, est considéré comme une technique féminine réputée idéale pou rles portraits en buste sur petites surfaces de papiers. Le pastel est réservé au portrait intime, alors que l'on choisit l’huile pour représenter sa famille de manière officielle.
Les portraits d’Adélaïde étaient connus pour leur réalisme. Contrairement à Élisabeth Vigée Le Brun, elle n’a jamais arrangé le visage de ses modèles.
Sur environ 70 œuvres aujourd’hui connues d'Adélaïde Labille-Guiard, moins d’une dizaine sont des portraits en pied et encore sont ils des commandes de personnes illustres comme l'exceptionnel  portrait du peintre Van Loo peint en 1785 et conservé au Château de Versailles.
Parmi les nombreux autres portraits d'hommes en en buste que fit Adelaïde il ya  celui ou plutôt ceux (car elle fit plusieurs) de son propre mari François-André Vincent, qui se trouvait lui aussi être un très grand peintre de son temps, considéré à l'égal de Jacques-Louis David, mais que ces convictions royalistes desserviront pour laisser libre cours aux ambitions de David.
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vendredi 25 mai 2018

Gustave Roud (1897-1976) - Fermier suisse (3)

Gustave Roud (1897-1976)   Fermier suisse, 1940   Série " Corps de Paysans " Fonds photographique Gustave Roud Bibliothèque Cantonale et Universitaire de Lausanne

Gustave Roud (1897-1976)  
Fermier suisse, 1940 
 Série " Corps de Paysans "
Fonds photographique Gustave Roud
Bibliothèque Cantonale et Universitaire de Lausanne


Gustave Roud (1897-1976), un des principaux auteurs francophones de Suisse, est principalement connu pour ses proses poétiques. Depuis quelques années cependant, son activité de photographe apparaît également au premier plan : Gustave Roud est ainsi considéré comme l’un des grands écrivains-photographes européens de l’entre-deux-guerres  et de l’immédiat après-guerre.
Loin d’être simplement un écrivain qui illustrerait sa démarche littéraire, Gustave Roud a eu une activité photographique intense dès l’âge de 16 ans jusqu’à la fin de sa vie, bien que celli ci n'ait jamais été  exposée de son vivant.  Malgré des expositions posthumes au Centre Beaubourg (Paris) et au musée de l’Elysée (Lausanne), ainsi que la publication d’un catalogue (Terre d’ombres, Slatkine, 2002), son statut de photographe est longtemps resté en marge de la littérature, selon la volonté d’ailleurs de Philippe Jaccottet qui a géré son œuvre après sa mort. Pourtant, Gustave Roud a conservé et transmis son travail abondant, accompli avec détermination et rigueur.
Les photos diffusées sur ce blog pour aider à la connaisssance de ce grand photographe, appartiennent au Fonds photographique Gustave Roud, déposé à la Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne par Françoise Subilia, et qui comprend 13.000 clichés divisées en 5 series .

La série   "Corps de Paysans " constitue une part importante pour ne pas dire essentielle   de la photographie de Gustave Roud. Posant généralement le torse dénudé, le jeune paysan au champ engage une imagerie de la puissance virile. Loin des photoreportages des campagnes, ces séries montrent un protocole de prise de vue réitéré avec différents modèles. Le paysan célébré dans la photographie se détache de la figure littéraire d’Aimé, dans la mesure où il ressemble davantage à une statue grecque ou à un athlète qu’à l’ange intercesseur. Modèle par excellence, Fernand Cherpillod a permis au photographe la mise en place d’une esthétique du paysan proche de l’athlétisme agricole ou d’un être premier accordé à la terre. Prenant son essor à la fin des années trente, cette esthétique déployée ensuite pendant des décennies entretient des liens étroits avec des pratiques de l’époque : la contre-plongée, l’arrière-fond du ciel, le choix du modèle lui-même jeune, musclé, imberbe ou glabre. La célébration du paysan est accompagnée d’une esthétique du désir que certaines mises en scène avec les ombres ou les objets érotisent. Mais ces mises en scène, peu nombreuses, laissent le plus souvent la place à la fascination du corps athlétique en tant que tel, dans une épopée silencieuse du faucheur solitaire.
Extrait de la  notice du Site Gustave Roud.com

jeudi 24 mai 2018

mercredi 23 mai 2018

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Les Jardiniers


Gustave Caillebotte (1848-1894) 
 Les Jardiniers
 Collection privée

Longtemps considéré comme un peintre amateur, collectionneur et mécène de ses amis, Gustave Caillebotte apparait aujourd'hui comme l'une des figures majeures du groupe impressionniste. Célèbre pour ses compositions inspirées du Paris d'Haussmann, il a consacré une part importante de sa production à l'évocation des jardins.
Il peint ses premières études sur le motif dans la demeure familiale d’Yerres, avant d'acquérir au Petit Gennevilliers une propriété où il élabore un somptueux jardin et fait construire une serre. 
Tout comme son ami Claude Monet, avec lequel il partage une passion pour l'horticulture, il privilégie l'évocation de cet univers végétal. 
Cette peinture permet de juger de l'étendue du jardin potager qui requérait l'emploi d'au moins deux jardiniers.




mardi 22 mai 2018

Joaquin Pinto (1842-1906)



Joaquin Pinto (1842-1906)
Jeune marié (Groom)
Banco Central Museum, Cuenca 

Joaquin Pinto est un peintre équatorien né à Quito au milieu 19e siècle. 
Enfant précoce, Pinto se fit remarquer en  dessinant dès ses premières années d'école. Il fut ensuite prit sous la coupe d'Antonio Salas, qui le considérait comme l'un des meilleurs peintres de son temps.  Pauvre pendant une grande partie de sa vie, Pinto fut obligé d'exercer divers métiers avant de pouvoir vivre de ses commandes et de l'enseignement qu'il donna à Cuenca (Equateur) puis à Quito.  Au debut du 20ème siècle, son oeuvre commença a être assez connue à l'étranger pour qu'il reçoivent des commandes de notables européens, notamment espagnols et français.

lundi 21 mai 2018

Vintage photo of Men : Emile Friant


Photographie anonyme d'Emile Friant (1863-1932) dans son atelier vers1887, 
peignant Les Canotiers de la Meurthe 
en compagnie d'un des  canotiers qui servit de modèle. 

Formé à la peinture académique par Cabanel, Émile Friant lui resta attaché sans pour autant négliger les influences novatrices. Deux mots traduisent son évolution : fidélité et liberté. Fidèle à sa jeunesse d’enfant du peuple, il se consacre en particulier à des scènes de genre où les milieux populaires sont souvent présents. Il n’est pas insensible aux nouvelles tendances picturales comme l’impressionnisme. 
Pour certains paysages d’arrière-plan, il évoque la nature avec le flou caractéristique des impressionnistes. Mais il ne se rattache nullement à un mouvement quelconque. C’est sa part de liberté. Les diktats esthétiques des novateurs ne le concernent pas. Il observe et s’inspire mais ne s’aligne pas. IL reste aussi avant tout un peintre d'atelier. 
Ce lorrain possède le bon sens et la solidité des réalistes. Il utilise la photographie pour peindre des portraits comme le font aujourd’hui les hyperréalistes. Lorsque la peinture s’égarera un temps vers le fauvisme ou le cubisme, il passera à la gravure, mettant ainsi à profit son talent exceptionnel de dessinateur.

Friant est un excellent technicien qui sait tout faire dans le domaine du dessin et de la peinture (paysages, portraits, scènes de genre, natures mortes). Son art provient du regard à la fois tendre et décalé qu’il porte sur le monde. Ses compostions comportent une part d’ironie sans méchanceté, de provocation sans agressivité, de caricature sans trivialité. Aussi son choix de rester à l’écart des grands mouvements de l’art de son époque peut-il être perçu comme de la sagesse. Il ne s’égare pas dans des expériences sans lendemain sans pour autant manquer de lucidité. Ses personnages possèdent une dimension intemporelle allant bien au-delà de beaucoup d’expérimentations formelles.

Extrait d'une notice sur le site  Rivages de Bohême 

dimanche 20 mai 2018

Henry Casselli (bn.1946)


Henry Casselli  (bn.1946) 
When Thoughts turn inwards (Portrait of astronaut John Young)
watercolor, 1981 


Henry Calvin Casselli, Jr. is a contemporary American artist from New Orleans, Louisiana. He primarily paints watercolors of figures and settings from his native New Orleans.
In addition to his work, in 1980 and 1981, NASA commissioned him to serve as an official artist leading up to America's first Space Shuttle launch. Again, in 1998, NASA commissioned Casselli to portray John Glenn as he prepared for his historic final mission. Many of these works are part of the official collection of the National Air and Space Museum in Washington, DC.



samedi 19 mai 2018

Jean-Léon Gérôme (1824-1904) - Dans le désert


Jean-Léon Gérôme (1824-1904) 
Dans le désert
The Walters Art  Museum

Jean-Léon Gérôme est un peintre et sculpteur français, membre de l'Académie des beaux-arts. Il composa des scènes orientalistes, mythologiques, historiques et religieuses. А partir de 1878, il réalise des sculptures, principalement en polychromie, qui représentent souvent des scènes de genre, des personnages ou des allégories. Nommé grand officier de la Légion d'honneur, Gérôme est distingué lors des diffйrentes Expositions universelles auxquelles il participe et il fait figure de peintre officiel à la fin du XIXe siècle. Il devient professeur а l’Ecole des beaux-arts, durant près de quarante ans, et forma plus de 2 000 élèves.
Considéré comme l'un des artistes français les plus célèbres de son temps, Jean-Léon Gérôme est l'un des principaux représentants de la peinture académique du Second Empire. et de la colonisation française. Aprиs avoir connu un succès et une notoriété considérable de son vivant, son hostilité violente vis-а-vis des avant-gardes, et principalement des impressionnistes, le fait tomber dans l'oubli après sa mort. Son oeuvre est redécouverte а la fin du XXe siècle, et rencontre une postérité inattendue en devenant, entre autres, une source d'inspiration pour le cinéma.

vendredi 18 mai 2018

Kuroda Seiki / 黒田 清輝 (1866-1924)


Kuroda Seiki /  黒田 清輝 (1866–1924)  
Portrait of Kume Keiichiro
  Tokyo National Museum 

Kuroda Seiki /  黒田 清輝 est un peintre japonais de son vrai nom est Kiyoteru Kuroda . Il est l'un des pionniers de la peinture de style occidental yōga au Japon durant l'ère Meiji et l'ère Taishō.
D'une manière générale, les œuvres  de Kuroda  peinte en plein air sont plus spectaculaires, moins finies que ses compositions d'intérieurs, plus formelles. Du point de vue stylistique, il fut très influencé par Édouard Manet, ainsi qu'à  par les peintre de l'Ecole de Barbizon.

jeudi 17 mai 2018

Leonid Pasternak (1862-1945) - Self portrait, 1908

Leonid Pasternak (1862-1945)  Self portrait, 1908, Private collection

Leonid Pasternak (1862-1945) 
Self portrait, 1908,
Private collection

Leonid Ossipovitch Pasternak (Леонид Осипович Пастернак), né à Odessa dans un famille juive de 5 enfants est un peintre post-impressionniste russe. Son père est hôtelier. Tôt, le jeune garçon développe un goût prononcé pour le dessin, incompris au début de sa famille. De 1878 à 1881, il étudie dans une école de dessin d'Odessa puis entre à la faculté de médecine de l'université de Moscou. De 1883 à 1885, il étudie à la faculté de Droit de l'université de Nouvelle Russie à Odessa. Parallèlement, Pasternak se consacre au dessin et à l'étude de la peinture. Il fréquente en 1882 l'atelier d'Evgraf Sorokine et plus tard prend des cours d'eau-forte avec Ivan Chichkine. Puis, au milieu des années 1880, il part pour Munich, dans le royaume de Bavière, à l'académie des beaux-arts. Le collectionneur Pavel Tretiakov lui achète son tableau Lettre de la maison pour sa Galerie Tretiakov, et Pasternak décide alors de déménager à Moscou.  Il participe aux expositions des peintres ambulants et devient membre de l'union artistique Mir iskousstva (Le monde de l'art). Il enseigne ensuite à l'académie de peinture de Moscou. Après les années de chaos de la Révolution, Pasternak obtient la permission de se faire soigner en Allemagne. Il part avec sa femme et ses filles, en 1921, pour Munich et ne retournera jamais en Russie. En exil, il fait les portraits de Sergueï Eisenstein, de Rainer Maria Rilke.  Il se rend en Palestine en 1924.  Pendant la montée des périls, à l'époque du Troisième Reich, il émigre à Londres, avec sa famille, en 1938, où sa femme meurt l'année suivante.

 

mercredi 16 mai 2018

Anatoly Nikich (1918-1994)


Anatoly Nikich (1918-1994)
 Correspondants de guerre, 1965 
Tretyakov Gallery, Moscou 

Anatoly Nikich-Krilichevsky est un artiste russe de l' ère soviétique. Pur produit de l'art officiel soviétique, formé à l'Institut des Beaux-Arts de Moscou avec les professeurs  Boris Ioganson et Alexander Osmyorkin, il est diplômé de  Institut d'Art de Moscou de Surikov en 1942. Participant activement à ce que les russes appellent la Grande Guerre Patriotique de 1941-1945  et que nous appelons la Seconde guerre mondiale,  il devint membre de l'Union des artistes de l'URSS, de l'Union des artistes de Moscou et  artiste émérite de Russie. Anatoly Nikich-Krilichevsky a vécu et travaillé à Moscou. Ses œuvres sont conservées principalement aujourd'hui dans la galerie Tretiakov et dans les musées régionaux de Russie et des pays de l'ex-Union soviétique. 

mardi 15 mai 2018

Edward Curtis (1868-1952)


Edward Curtis (1868-1952)  
Bear Bull from Blackfoot people

Edward Sheriff Curtis est un photographe ethnologue américain, l'un des principaux anthropologues sociaux des Amérindiens d'Amérique du Nord — et de l'Ouest américain — laissant trace d'écrits, d'enregistrements sonores des chants indiens et de nombreuses photos sur verre. Ainsi, de manière non exhaustive, il a entrepris l'inventaire photographique d'amérindiens des 80 tribus existantes. Cette population indienne qui était estimée à plus d'un million d'individus au 18e siècle, avait chuté aux alentours de 40 000 lorsqu'il lança son projet.
Entre 1907 et 1930, il mena  une véritable course contre la montre. Parmi les tribus qu'il visita : les Kwakiutl sur la côte pacifique, les Comanches, les Apaches et les Crees, dans leurs tipis caractéristiques, dans les Grandes Prairies et au pied des Rocheuses, les Hopis, les Pueblos et autres habitants du Sud-Ouest, les Gens-du-Sang, les Blackfeet et les Algonquins dans le Montana.
On estime que Curtis traversa les États-Unis environ 125 fois en rendant visite à 80 tribus et que 40 000 clichés furent pris.. Il utilisa également un appareil à cylindre de cire enregistreur d'Edison qui lui permit d'étudier 75 langues et dialectes et d'enregistrer 10 000 chants indiens. 
Une partie de son travail fut publié dans une somme en vingt volumes intitulée : « The North American Indian », comprenant 2 500 photographies, 4 000 pages de textes, alors qu'au total, Curtis réalisa près de 50 000 prises de vue. 

lundi 14 mai 2018

George Tooker (1907-2011)

http://astilllifecollection.blogspot.com

George Tooker (1920-2011)
Self portrait


George Clair Tooker, Jr. était un peintre figuratif américain dont les oeuvres furent associées au réalisme magique, au réalisme social, au photo-réalisme et au surréalisme. Ses sujets sont la plupart du temps représentés naturellement comme sur une photographie, mais les images utilisent des tons plats, une perspective ambigüe et des juxtapositions alarmantes pour suggérer une réalité imaginée ou rêvée d'ou le qualificatif de magique employé pour la définir. Bien qu'il fut catalogué ainsi, Tooker n''aimait pas beaucoup cet association de son travail avec le réalisme magique ou le surréalisme,  : « Je  peins la réalité de façon tellement  forte qu'elle en redevient un rêve, mais je ne  peins en aucun cas des rêves. " En 1968, il a été élu à la National Academy of Design et fut membre de l' Académie américaine des arts et des lettres.
Les thèmes sur lesquels ses travaux se concentrent sont l'amour, la mort, le sexe, le chagrin, le vieillissement, l'aliénation et la foi religieuse.

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2018 - A Still Life Collection 
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dimanche 13 mai 2018

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Canotiers sur l'Yerres


Gustave Caillebotte (1848-1894) 
Canotiers sur l'Yerres 
Collection privée

Entre 1860 et 1879, Gustave Caillebotte passa une partie de ses étés dans la propriété que possédaient ses parents sur les bords de l'Yerres. Là, il s'attacha à peindre des scènes familières de la vie quotidienne. Le thème est celui des plaisirs de l'été, continuant une tradition ancienne en peinture liée aux saisons et aux divertissements, mais adaptée par Caillebotte aux goûts de son époque. 
Avec ses  "Périssoires" (le nom de ces fragiles canots à fond plat et très suggestif), il explore un sujet alors à la mode, autant chez les romanciers naturalistes qu'auprès de peintres impressionnistes, Monet et Renoir. L'artiste, nostalgique, choisit de peindre ce que le commun ne regarde plus à force de le voir; aussi au bord de l'Yerres retrouve-t-il le temps perdu, les jeux de son enfance, une certaine douceur de vivre. Il synthétise dans ce tableau plusieurs actions simultanées et successives. Le cadrage  est ici audacieux comme très souvent dans ses tableaux de bord de l'Yerres marqué par l'art photographique que sont frère Martial pratique chaque dimanche. 


samedi 12 mai 2018

Nicolas de Largilliere (1656-1746) - Portrait de Konrad Detlef

http://menportraits.blogspot.com

Nicolas de Largilliere (1656-1746)
Portrait de Konrad Detlef, Graf von Dehn (1688-1753) en 1724

Ce portrait peint par Nicolas de Largilliere, célèbre entre autres pour avoir fait le portrait de  Louis XIV et de sa famille, est celui de  Konrad Detlef Graf von Dehn (1688- 1753), ministre allemand, diplomate et favori d'Herzog August Wilhelm de Brunswick.
Fils d'un officier danois, le jeune Konrad  rejoint la cour de Herzog Anton Ulrich von Braunschweig-Wolfenbüttel vers l'âge de 15 ans. Ce beau jeune page est immédiatement pris sous la protection du  Prince August Wilhelm de Brunswick, fils d'Herzog, de 26 ans l'ainé du jeune Konrad et connu pour son homosexualité affichée, bien que trois fois marié. Lorsque le prince Herzog mourut et que le prince August arriva au pouvoir en 1714,  le jeune Konrad fut rapidement promu au tous premiers rangs  du gouvernement, et devint très rapidement l'un des hommes les plus puissants de la cour ducale de Brunswick.
Ses missions diplomatiques le conduisirent comme envoyé extraordinaire auprès de la Cour de Versailles, puis à  Londres, à La Haye et à la Cour de Vienne. Il fit deux mariages plutôt avantageux financièrement,  vécut très richement, et  amassa une collection de plus de 500 peintures.
En 1730, cependant, il fut démis de ses toutes fonctions, pour cause de  détournements de fonds et de favoritisme un peu trop évident. L 'année suivante, à la mort d'August Wilhelm, il dut quitter le pays.
 Il entra alors au service  des Danois et  commença  à travailler comme envoyé du Danemark à Saint-Pétersbourg, à Madrid, puis  à La Haye, ville dans laquelle il mourut à l'âge de 74 ans.
Dans ce somptueux portait de Nicolas de Largilliere, on remarque la finesse des détails vestimentaires ( la texture des dentelles et des broderies d'argent  du pourpoint, le détails des gants, de la perruque... on remarquera aussi pose sur la commode à gauche de la main de Konrad, un médaillon en argent, ouvert sur le portrait en miniature du Prince August Wilhelm de Brunswick, l'amant de Konrad.
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vendredi 11 mai 2018

Bartolomeo Veneto (1470-1531) - Ritratto di Giovane Gentiluomo


Bartolomeo Veneto (1470-1531) 
Ritratto di Giovane Gentiluomo
Cleveland  Museum of Art 

Bartolomeo Veneto ou Bartolomeo Veneziano est un peintre italien de la Renaissance qui fut actif entre 1502 et 1530. Tous ses tableaux ont été peints sur bois et quelques-uns par la suite ont été transférés sur toile. Ses premières œuvres sont caractérisées par une certaine dureté du dessin et par de vivaces échanges chromatiques. Par la suite, grâce à l'influence de la Renaissance lombarde, sa peinture s'enrichit d'une forte intensité de couleur.
Quarante peintures sont généralement attribuées à Bartolomeo mais neuf seulement portent des inscriptions avec le nom de l'artiste.  Une grande partie des œuvres généralement acceptées sont des peintures à thème religieux qui ont été peintes au début de sa carrière. Parmi les oeuvres non religieuses il y a le célèbre "Portrait d'une courtisane idéalisée en déesse Flore" peint en 1520 conservé au Städel Museum de Francfort et qui est censée être la seule représentation connue de la belle et fatale Lucrèce Borgia. Il y a aussi ce portrait de ce Portrait du Jeune gentilhomme inconnu au regard hautain et sévère peint autour de 1510 et conservé au Cleveland Museum of Art.  Il semblerait que ce jeune homme ait été un membre de la famille Sforza, la famille régnante de Milan sous la Renaissance. Il porte sur son chapeau un petit médaillon qui indique son rang. Le médaillon  représente une allégorie de la Fortune et de la Vertu personnifiée par une femme ailée et un enfant, reduction d'une  oeuvre  plus importante d'Andrea Riccio (1470-1532) qui est d'ailleurs aussi conservée au Cleveland  Museum of Art.  

jeudi 10 mai 2018

Gustav Klimt (1862-1918)


Gustav Klimt (1862-1918)
 Nu masculin de dos 

Gustav Klimt est surtout connu aujourd'hui pour son utilisation de l'or dans les peintures, qu'il découvre après avoir vu des mosaïques byzantines de Ravenne mais ce que l'on sait moins est qu'il a énormément dessiné. Le catalogue raisonné de ses dessins comporte plus de 3700 numéros et il est probable que ce nombre soit largement sous évalué, l'artiste n'ayant guère  été conservateur de ses feuillets.  Lui qui dira « Il n'existe pas d'autoportrait de moi. Je ne m'intéresse pas à ma propre personne comme “objet de représentation”, mais aux autres êtres, surtout féminins, et plus encore aux apparitions. » dessinera et peindra cependant pas mal de nus masculins. 


mercredi 9 mai 2018

Georges Seurat (1859-1891)


Georges Seurat (1859-1891) 
Fort de la halle, circa 1882

De son vivant, Georges Seurat ne rencontre qu'indifférence ou mépris de la part de ses contemporains et des critiques). Il se heurte aussi à l'incompréhension de nombreux peintres de son époque, en particulier de la plupart des impressionnistes, ce qui n'est pas surprenant puisqu'il s'oppose à leur théorie. Ils sont aussi agacés par le sérieux de son œuvre et les références scientifiques de son art pictural. Edgar Degas le caricature en le surnommant « le notaire ». Gauguin lui marque une hostilité non exempte de jalousie principalement parce qu'il tient à être considéré comme le seul vrai novateur de son époque. Son ami Signac dira à son sujet : « Au moment de la mort de Seurat, les critiques rendaient justice à son talent, mais trouvaient qu'il ne laissait aucune œuvre. Il me semble au contraire qu'il a donné tout ce qu'il pouvait donner, et admirablement. Il aurait certainement encore beaucoup produit et progressé, mais sa tâche était accomplie. Il avait tout passé en revue et instauré presque définitivement le blanc et le noir, les harmonies de ligne, la composition, le contraste et l'harmonie de la couleur. Que peut-on demander de plus а un peintre ? ».

mardi 8 mai 2018

Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700)




Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700)
Portrait Of A Man Wearing A Wig
Private collection 

Selon l’Institut néerlandais d’histoire de l’art (RKD), il nait à Anvers et il est le fils du peintre Elias Voët. Il se rend à Rome en 1679-1680, à Milan en 1680, à Florence en 1681, à Turin en 1682-1684 et retourne à Anvers en 1684. Tandis qu’il est à Rome, il vit avec le peintre-graveur Cornelis Bloemaert jusqu’à ce qu’il soit banni pour ses portraits de femmes représentées avec des décolletés indécents. 
Il entreprend ensuite un voyage à Paris en 1686 où il devient peintre de cour jusqu’à son décès.
Il y est inscrit en tant que peintre de miniatures.
А propos de Jacob Ferdinand Voet, Houbraken mentionne qu'il aurait fait un dessin au fusain de tous les Bentvueghels (nom d'une confrérie d'artistes vivant à Rome et venant des Pays bas) sur le mur blanchi à la chaux d’une auberge à Rome, lieu de rencontre populaire de cette confrérie. L’image a été assez appréciée pour être épargnée chaque fois que les murs ont été repeints par la suite...

lundi 7 mai 2018

Herbert Ponting (1870-1935) - Captain Scott and mount Erebus


Herbert Ponting (1870-1935) 
Captain Scott  and mount Erebus,  1911 
 Collection of  Her Majesty the Queen Elizabeth II

Le capitaine Robert Falcon Scott, mort  sur la Barrière de Ross en Antarctique le 29 mars 1912, est un officier de la Royal Navy et un explorateur polaire britannique, considéré comme l'une des principales figures de l'âge héroïque de l'exploration en Antarctique, pour lequel il a dirige deux expéditions : l'expédition Discovery (1901-1904) et l'expédition Terra Nova (1910-1913). 
Lors de la première expédition, il a établi un nouveau record concernant les découvertes dans l'hémisphère sud en marchant à 82 ° S de latitude et en découvrant le plateau polaire Antarctique, sur lequel se trouve le pôle Sud.
Au cours de la seconde expédition, Scott mène un groupe de cinq personnes au pôle Sud le 17 janvier 1912, pour y  découvrir que l'expédition norvégienne de Roald Amundsen les avait précédés de 5 semaines. Sur le chemin du retour, tous vont mourir d'épuisement, de faim et de froid.
On a beaucoup dit que c'était plus par carriérisme que par goût pour l'exploration polaire que Scott avait  postulé au  commandement du RRS Discovery. Toujours est-il qu'à partir de cette première  expédition, il a consacré les 12 dernières années de sa vie  à l'Antarctique,  auquel son nom reste  attaché.
Après sa mort, Scott devint un héros au Royaume-Uni et une veritable légende nait autour de lui,  statuts qu'illustrent les nombreux mémoriaux érigés en son honneur à travers tout le pays. A la fin du 20e siècle cependant, période où l'on adore tout remettre en question (quelquefois avec profit), sa  légende est réévaluée de façon critique à mesure que les causes de la tragédie mettent en avant l'ampleur de sa responsabilité. Il devient du coup une figure controversée, dont la compétence et le caractère sont débattus !
Les historiens du 21e siècle dans l'ensemble  sont moins sévères et insistent sur la bravoure personnelle et le stoïcisme du Capitaine Scott, tout en reconnaissant ses erreurs. Ils  attribuent plus volontiers le sort de son expédition à la malchance qui se manifesta dès le début avec des températures en Mars 1912 chutant au dessous de - 40° C, entrainant la rétention dans les glaces pendant 20 jours de son navire le Terra Nova à l'approche du continent Antarctique. Ensuite le choix de chevaux de Mandchourie et de véhicules chenillés pour progresser vers le Pôle plutôt que de chiens de traineaux, choix qui s'avéra catastrophique mais sur lequel il n'hésita pas à revenir apres s'être aperçu de son erreur. Dernier coup du sort en fin, lorsque le 17 Janvier 1912, l'équipe amoindrie de Scott arrivant au Pôle après une progression aussi laborieuse que douloureuse, elle constate que l'explorateur norvégien Amundsen les y a précédés !  Le dépit de Scott transparait  dans son journal à travers ses mots  : « Le pire est arrivé (…)  Tous les rêves s'évanouissent (…) Grand Dieu ! Cet endroit est un endroit horrible ».



dimanche 6 mai 2018

Aaron Shikler (1922–2015)


Aaron Shikler  (1922–2015)
 Oil Portrait of John F. Kennedy
Posthumous official presidential portrait of U.S. President John F. Kennedy, 1970 
 The White House


Aaron Shikler est un peintre américain,  principalement connu pour ses portraits de personnalités et d'hommes d'État, dont cet  Oil Portrait of John F. Kennedy, réalisé post mortem en 1970 et qui  sert de portrait officiel de Kennedy à la Maison-Blanche.  C'est Jacqueline Kennedy elle-même qui commanda ce portrait posthume à Aaron Shikler.
Il a également peint les portraits officiels des Premières dames Jacqueline Kennedy et Nancy Reagan. 
On retrouve ses œuvres dans les  collections publiques du Brooklyn Museum of Art, du MET, du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, du New Britain Museum of American Art ou de la National Academy of Design.



vendredi 4 mai 2018

Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Charles-Henri Ford


Pavel Tchelitchew (1898-1957)
 Charles-Henri Ford

C'est en 1923, à Paris que le russe Pavel Tchelitchew fit ses débuts de portraitiste. 
Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire  d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchev réalisa le portrait.  C'est chez Gertrude Stein aussi que  Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928.
E n 1933,  il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme  George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).

jeudi 3 mai 2018

Paul Cadmus (1904-1999) - Jerry (Jared French),

http://menportraits.blogspot.com

Paul Cadmus (1904-1999)
Jerry (Jared French), 1931

Paul Cadmus  est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçoit de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèle plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donne plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nu masculins, et de filles et garçons du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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2018 - Men Portraits 
Un blog de Francis Rousseau

mardi 1 mai 2018

Norman Rockwell (1894-1978) - The Longest Step


Norman Rockwell  (1894-1978) 
 'The Longest Step  or  Astronauts Grissom and Young Suiting Up, 1965 
Smithsonian National Air and Space Museum


Astronauts John Young and Gus Grissom are suited for the first flight of the Gemini program in March 1965. NASA loaned Norman Rockwell a Gemini spacesuit in order to make this painting as accurate as possible. That was part of the NASA Art Program for which Norman Rockwell painted as well the most famous Final impossibility - Two men on the moon. 
The NASA Art Program was established in 1962 by the United States to commission artists, including Norman Rockwell and Robert Rauschenberg, for the purpose of recording history of space exploration through the eyes of artists. 
The first director of the Art Program was James Dean (NASA). Using artists of different mediums and genres serves the purpose of educating different audiences about NASA and space exploration. To give the artists the best experience possible, NASA allowed them unprecedented access to sites and materials. Participants were present at suit-up, launch sites, and press releases.
 All works, from sketches to finished products, were given to NASA for use in museums and exhibitions. The collection now includes 2,500 works by more than 350 artists.